The Movie Snatchers

Sherlock Holmes: Juego de Sombras

2012-01-16T05:32:00.000-08:00

Salí de ver la primera película sobre el personaje de Conan-Doyle a manos de Guy Ritchie absolutamente entusiasmado.

El director de Snatch había trasladado sus filias y sus fobias pre y post-Madonna a un personaje universal. El Londres gangsteril que tan bien se le da, los barrios bajos y la mafia del puño fácil, traducido al siglo XIX.

Ese Sherlock se parecía mucho más a Indiana Jones que al Holmes literario. Entiéndanme: eso es bueno. El espíritu de aventuras, burlón y pulp flotaba por encima de todo el metraje. Daba igual que el reparto fuera de lo más inverosímil. Esa primera película hacía presagiar una gran segunda parte, con Moriarty ya como Némesis absoluta.

Con Juego de Sombras me he reído y me lo he pasado bastante bien, sí. Pero hemos perdido algo de aquella fortuna que acompañó a Ritchie hace dos años.

Nos encontramos ante un Holmes menos Holmes incluso que el de la primera parte. Prácticamente no hay nada del personaje. Nada. De hecho, en bastantes escenas pensaba que Tony Stark iba a enfundarse el traje de Iron Man para luchar contra los villanos.

Se incide sobretodo en el subtexto homosexual de Holmes (prácticamente diría que se afirma tácitamente que es gay) a través del vodevil.

Guy Ritchie sigue delectándose en su habitual virtuosismo (la escena del tren, la persecución en el bosque), que se transforma en lo mejor de la película, porque del guión se olvidaron de escribirlo antes de empezar a rodar.

Todo tiene aire de improvisación, de no saber dónde ir. Y eso lastra una primera hora que es un sinsentido, y daña al personaje del Profesor Moriarty, un desaprovechadísimo Jared Harris.

A partir de la partida de ajedrez la cosa se endereza algo, y varia la mitología holmesiana para llevarla a su cauce (la resolución en las cataratas), aunque yo hubiera preferido un final más abierto.

Pero qué le vamos a pedir a esta comedia de acción, un tanto burda, pero que me tuvo entretenido y a gusto las dos horas de metraje.

PS. Me preocupa la cantidad de gente que desconoce el episodio Holmes/Moriarty y las cataratas suizas. En la sala escuché bastantes "oooh" de sorpresa. Así nos va.

PS2. Y pensar que hay algunos policías de principios de siglo XX que aún esperan película...

Asesinos de élite, de Gary McKendry

2011-11-22T01:44:00.001-08:00

Las pelis de Jason Statham no engañan. Sabes que, si la protagoniza él, va a repartir hostias como panes.

Así ha hecho desde productos de lucimiento exclusivo para él (la saga Transporter) hasta auténticos truños como Blitz. Luego tiene películas inclasificables, como Crank (1 & 2), que son divertimentos de lo más entretenidos, y algunas pelis destacadas como Italian Job o la que ahora nos ocupa, Elite Killer.

¿Qué tiene Elite killer más allá de un título espantoso de videojuego shoot'em up?

Pues más de uno y más dos alicientes.

Para empezar, podría ser muy bien una precuela de la saga Bourne. Por la ambientación (primeros años 80) como por la temática (espionaje, contraespionaje y... asesinatos selectivos). Y porque tiene acción a cascoporro.

No se trata de una historia de disparar y matar, un arcade lineal en la que Statham aniquila todo lo que se le pone a tiro. Sí: sabemos que no se despeinará (porque no puede) para acabar con cualquiera que le tosa. Lo que no sabemos es cómo se las arreglará para hacerlo, y cada coreografía es recibida con un coro de aplausos. La pelea atado a una silla es de antología.

Persecuciones a coche, a pie, por tejados, por autopistas, por desiertos, por cuevas, por despachos; tiroteos, emboscadas, bombas, trampas, traiciones... todo eso y más es Asesinos de élite. Con la presencia de un Robert DeNiro que se lo pasa en grande y un Clive Owen que no sabe cómo sacarse la espinita de no haber sido elegido como el nuevo James Bond.

El ritmo es relativamente pausado, a pesar de la presencia de Statham. No es Crank, ni Transporter. Y es de agradecer que los protagonistas sean verdaderos asesinos. Que cobren por matar, sin importar a quién. Que sí, que tendrán sus dudas, pero que cumplan con su trabajo, sin remilgos por parte del director o el guionista. Que dicen que está basado en una historia real, pues sí, pues vale. Seguramente tanto como Avatar está basado en la colonización de America.

Puede que el personaje del jeque árabe sea caricaturesco. Puede que la peli se resienta un poco cuando en el tercer cuarto nos insinua un (falso) final feliz. En ese punto, cuando uno ya coge la chaqueta para salir de la sala, la peli se alarga muchísimo más (y me gusta lo que pasa, pero psicológicamente no estaba preparado para esa montaña rusa de media hora.

Pero el capítulo de aciertos pesa mucho más que el de defectos en este thriller efectivo, divertido (si te divierte ver a Statham dando leña, que a mi sí) y sorprendentemente imprevisible. Sí, amigos, al fin una película en la que no estoy seguro de qué personajes van a sobrevivir o, en caso de no hacerlo, cómo van a morir.

En fin, muy recomendable para pasar una tarde o una noche de fin de semana.

Nota para los fans de las series: como protagonistas tenemos a unos irreconocibles Lincoln Burrows y Mister Eko.

Conan el Bárbaro, de Marcus Nispel (con spoilers, pero total para lo que cuenta la peli...)

2011-08-22T00:51:00.000-07:00

Ring Ring riiiiiing Ring

-¿Sí?

-¿Marcus?

-No, soy su madre, ¿quién es?

-¿Está Marcus?

-Está en su habitación, encerrado.

-¿Se puede poner?

-Me ha dicho que no le moleste. Que no entre nunca más en su habitación sin permiso, concretamente.

-¿Pero puede avisarle o no?

-No me ha dicho quién es, aún.

-Dígale que soy Jason.

-...

-¿Hola? Señora Nispel, ¿está ahí?

-Mira, si eres otro bromista con lo de Viernes 13, la cosa se acaba aquí, vale. Eres el sexto Jason que llama esta semana, y ya me estoy cansando. Lo hizo por dinero. ¡Por dinero! Que él es más de Leatherface.

-No, señora Nispel, se confunde. Soy Jason Momoa.

-¿La Momia? Putos niñatos...

-Momo... déjelo estar. Dígale que soy Kharl Drogo, de Juego de Tronos.

-Ya, ya... otro que juega a rol. Siempre estais igual, con los jueguecitos. Siempre con vuestros dados y vuestras armaduras.

-¿Puede avisarle?

-Que sí, que ya voy... ¡¡¡MARCUS!!! ¡Que te llama un mormón del rol!

-Gracias.

...

-¿Sí?

-Marcus.

-Ah, hola, Jason.

-Me acabo de leer el guión.

-¿Cual?

-El de Conan el Bárbaro.

-Ah, vale, perdona. Es que estaba mirando porno por internet y tenía la cabeza en otro lado.

-¿Has encontrado algo que valga la pena?

-Psé. Hay algunas rubiascas del Este que podemos colocar en la peli. Buenas tetas, cinturita maja.

-Fantástico. Sabes cómo me gustan las rubiascas.

-Sé cómo te gustan todas. Sé cómo las miras. De hecho lo sabe todo el mundo. Siempre las miras igual, aunque haya cámaras delante.

-A eso iba yo. Sobre la peli.

-Dime.

-Que me he leído el guión y no entiendo nada.

-Venga ya. Si es lo más sencillo que te puedes tirar a la cara.

-Pues me pierdo. Igual es que tres guionistas son muchos para mi, pero no sé qué intentan explicar.

-La historia de siempre.

-Bueno, no bien bien.

-Máaaaas o menos. Un chaval hijo de un jefe de una tribu bárbara al que matan a su família y a todo su pueblo.

-Hasta ahí, como siempre. De hecho, me gusta mucho este principio. Solo hay que asegurarse de no pillar un chavalín enclenque como el español ese que hizo de Conan niño.

-Tranqui, hombre. ¿Qué es lo que no pillas, entonces?

-Vamos a ver, Marcus. Hay una especie de máscara que da superpoderes a quien la lleve, ¿no? Una máscara hecha con los cráneos de reyes muertos. Y está desperdigada y hay un pavo muy malo que está jutando los trozos.

-Sí. Como el señor de los anillos pero con osamenta.

-Vale. Y la tiene Hellboy escondida en su choza.

-Ahá.

-Y Hellboy es mi padre.

-Correcto.

-El malo coge el cacho que le falta y mata a todo el mundo menos a mi. ¿Por qué no se convierte en un Dios, entonces?

-Porque le falta la sangre pura de una chica.

-¡Pero si está plagado de tías! Ya sabes: buenas tetas, cinturita maja.

-Sí, ya, pero tiene que ser una en especial. Una que está escondida en un monasterio muy lejano.

-Muy escondida. El malo tarda veinte años en encontrarla. Veinte años cargando con una máscara que no sirve de nada.

-Bueno, es que así tu personaje crece físicamente. Si la hubiera encontrado de buenas a primeras, la peli de Conan sería la de un crío luchando contra enemigos temibles.

-Como Solo en casa.

-Algo así.

-Ya. Pero Conan sí encuentra a la chica. La encuentra en menos de cinco minutos.

-Claro, es que si no no habría conflicto.

-¿Pero qué conflicto ni qué bárbaro muerto? ¡Si Conan no sufre en toda la peli! Todo le sale bien, todo el mundo le sigue, mata sin problemas y cuando no se le ocurre nada qué decir da media vuelta y se larga. Que se nota que los guionistas no saben hacer un diálogo de más de dos líneas!

-Que no, mama, que no.

-¿Marcus?

-Sí, espera. Que no, mama, que no quiero salir a jugar a la calle. Que yo estoy bien en mi habitación... No te preocupes... vaaaaale... luego, sí... déjame que acabe de hablar con mi amigo primero... que no es mormón, que no me va a comer el cerebro.

-...

-Jason.

-Aquí estoy.

-¿Qué decías?

-Que el guión es malo. Que se ve venir todo a la legua. Y que los personajes no tienen sentido.

-¿Cómo que no tienen sentido?

-El amigo negro de Conan. ¿Quién es? ¿De donde sale? Joder, que dice que conoció a Conan cuando robaba carteras. ¡Carteras! ¡En Cimmeria! ¿Y el negro que hacía? ¿Asaltar bancos? ¿Pirateaba discos?

-Cómo te pones, Jason. Es solo el amigo negro de Conan. Se ríe con la boca muy abierta y sirve para salvarle de las situaciones de peligro que no sabemos cómo terminar. No creo que el público se de cuenta.

-Hombre, Marcus. Que aparece con un barco a rescatar a los protagonistas cuando creías que estaban luchando en un desierto y resulta que hay un acantilado que da a la costa.

-El factor sorpresa.

-No. El factor sorpresa es ver a Conan a pie en una escena por el desierto e inmediatamente a caballo por un bosque.

-Eso no ocurre.

-Sí que ocurre. Mira: "Exterior, Dia, Desierto, Conan anda". Y la siguiente: "Exterior, Día, bosque, Conan a caballo".

-Cómo mola imaginarse a Conan a caballo, ¿eh?

-Claro que mola, Marcus. ¿Pero de dónde lo saca? ¿Hay un Seven Eleven de caballos en el bosque?

-No, bueno...

-Pero es que es todo así. Me cambio más de ropita que Lady Gaga en un concierto.

-Oye, Jason, ¿pero tú has leído algún tebeo de La Espada Salvaje de Conan? Es todo así, es todo pulp. No hay que buscarle más pies al gato. Disfruta de los escenarios, de los monstruos, de los malos sin nariz, de las mujeres...

-Hombre, mucho no podré disfrutar de las mujeres si solo me tragino a una.

-Ya, pero se parece a Elsa Pataky.

-No te digo que no, pero en el guión sale que le tiro la caña a todas y solo tengo una escena de sexo en medio del bosque.

-La haremos virginal, que se vea poco, como de softporn de Playboy.

-Peor aún. Puedo cortar cabezas, puedo amputar manos, puedo romper rodillas, puedo arrancar narices, pero no puedo beneficiarme a la prota como es debido.

-...er... Lo de cortar cabezas lo haremos siempre fuera de plano, ¿eh? Que si, que alguna cabeza llevarás en las manos, pero no me gusta enseñar la decapitación en sí.

-¿Pero no soy un bárbaro?

-Tú sí, ¡pero yo no!

-Joder, Marcus. En Pathfinder estabas más suelto. Y ya no te digo en La matanza de Texas.

-Piensa que el tono pulp...

-Menuda excusa de mierda.

-¿Y qué me dices de la escena de los guerreros de arena, eh? ¿Qué me dices?

-Ahí sí, ahí te tengo que dar la razón. Está de puta madre.

-Lo ves, majadero. Mama, la leche caliente, por favor, que si no, hace grumos.

-Vale, eso te lo compro, pero ahí se te cae toda la peli abajo.

-¿Cómo?

-Mira: el malo con la máscara que busca la virgen que ya no es virgen porque me la he chuscado tiene una hija.

-Sí, una hija con el peinado raro y uñas de Freddy Krueger.

-Y poderes de bruja. Puede adivinar pensamientos, encontrar objetos escondidos, detectar enfermedades venereas solo catando la sangre... que eso es una guarrada, pero bueno. Y puede crear monstruos de arena con sus hechizos.

-Sí. Es mala con avarícia.

-Vale. Y el malvado de la máscara quiere la sangre de la virgen para resucitar a su mujer muerta, que tenía los mismos poderes.

-Sí.

-Los mismos poderes.

-Sí.

-Los mis-mos po-de-res.

-Sí.

-O sea que quiere convertirse en un Dios para volver a follarse a su mujer.

-Es un punto de vista.

-No es un punto de vista, Marcus. Es una tontería. No puedes perseguir a una virgen durante veinte años para convertirla en tu esposa muerta para que utilice unos poderes que tu hija ya tiene. Es estúpido.

-El amor más alla de la mue...

-Mis cojones en samfaina, Marcus. El tipo se la lleva a una especie de Minas de Moria y la encadena a una rueda pendiente de un acantilado para hacer un ritual que sabes que no acaban bien. Y espera, espera. Resulto que pillo a un ladronzuelo que sabe abrir cerraduras para que me meta en el castillo del malo, pero cuando me doy cuenta que no está allí, sino en la batcueva, ya han pasado quince minutos de película y ya queda menos para acabar, así que persigo al semiDios a su guarida.

-¿Tienes que ser tan sarcástico?

-Ya que la peli no tiene ni un gramo de humor, lo soy ahora. Además, no he terminado. Me enfrento al tío, que resulta que no necesitaba matar a la virgen, solo hacerle un rasguñito. Ha conseguido su objetivo. La sangre de la exvirgen ha tocado la máscara. Se pone la careta encima como si fuera un facehugger y lucho contra él.

-Sí, de eso no estoy muy convencido. He visto el diseño de la máscara y parece más un casco de los power rangers requemao que la corona de un Dios.

-Peor me lo pones. Porque aquí pone que lucho contra él de igual a igual. No tiene poderes. No tiene nada. Va diciendo que soy un Dios, que soy un Dios, bla bla bla, pero es un tipo viejo con una careta mala. Que en la de Milius el negro se convertía en una serpiente. ¡En una puta serpiente gigante!

-Tampoco hay que exagerar.

-Pero si el rubio de kárate kid fue más difícil de batir que a este palangana. ¿Y qué me dices del clímax?

-¿Qué clímax?

-¿Lo ves? No hay clímax!

-Hombre, Jason, te lo pules con una técnica que te enseñó tu padre de joven.

-Sí, como al resto de personajes de la peli. ¿Pero no ves que si no tengo ningún obstáculo no hay interés? ¿No ves que me sale todo bien a la primera?

-Sí, ya voy, mama.

-¿Marcus?

-Oye, que te tengo que dejar.

-Vale, pero prométeme que te mirarás el guión y rectificarás algo.

-Lo miraré.

-Prométemelo.

-No, en serio, que me tengo que ir.

-Vale. Nos vemos en el set, ¿cuando?

-El martes, que el lunes tengo que ir con mi madre al ginecólogo.

-De acuerdo. Pero mírate eso.

-Sí, sí. Nos vemos.

-Venga, taluego.

-Sí. Joder, mama, que estoy hablando por teléf...

-Ains.

Super 8, de JJ Abrams

2011-08-19T16:21:00.000-07:00

El gran hype del verano. La madre de todas las nostalgias. La suma de los talentos más palomiteros de Hollywood.

Super 8, desde los primeros teasers hasta el póster final, prometía. Y mucho.

Una historia como las de los ochenta. De esas con las que flipábamos porque nos sentíamos identificados con sus protagonistas. Esos niños que vivían aventuras extraordinarias en un mundo de adultos al que empezaban a asomarse. Ese dejar atrás la infancia.

Éramos pequeños y teníamos bicicletas.

Éramos los Goonies con nuestras cabañas secretas y el mapa del tesoro. Éramos los exploradores fabricando naves espaciales. Éramos la panda de amigos que iban a buscar una cadáver... bueno, eso no me ocurrió nunca, pero ya entendeis lo que quiero decir.

Así que estaba entusiasmado y asustado con el estreno de Super 8. Porque la mano de Spielberg es la que me ha criado cinematográficamente. Y porque JJ Abrams tiene talento para dejar su sello (esa fusión de costumbrismo tierno y sci-fi/aventuras/terror/misterio/espionaje). Las sensaciones eran positivas.

Tanto como cuando estrenaron La Cagalera de Cristal.

Y no hace falta que recuerde lo que pasó.

Los ingredientes son, pues, apetitosos: un grupo de niños que rueda una peli de zombies en super 8 y presencia un accidente ferroviario del que escapa un ****** tremendo.

Toda la primera parte del film, con ese amor por el cine más inocente, más puro, es deliciosa. Los personajes son puro cliché, pero los críos se hacen querer. Para mi gusto, le faltan chicas (solo está la protagonista y la hermana mayor del director, de aparición fugaz) y hermanos mayores (me remito al anterior paréntesis). Básicamente, no hay adolescentes. O críos o adultos. Blanco y negro. Tengo la impresión que los adolescentes daban mucho juego en este tipo de films porque no pertenecían a ninguno de los dos bandos (pro-fantasía, anti-fantasía). Querían ser mayores pero eran inocentes al mismo tiempo. Y creo que en Super 8 se ha obviado este elemento.

Luego, cuando ya aparece la parte del monstruo, la cosa se vuelve más convencional. Escenas de sustos dignas de la serie B de los ochenta, algunas gotas (muy poquitas) de paranoia de guerra fría, militares malísimos y abundantes dosis de azúcar (imaginaos Alien, imaginaos ET; juntadlo).

La película no pierde el ritmo en casi ningún momento, y las dos horas se pasan en un suspiro. Abrams se mueve cómodo aunque poco reconocible con la correa de Spielberg. Los críos están sensacionales y muy bien definidos. La película supura amor por el cine en cada uno de sus fotogramas (sobretodo en aquellos en los que la cámara se encuentra en el lugar de la pantalla, con lo que los protagonistas se convierten en espectadores, y nosotros los espectadores somos, en cierta manera, los protagonistas).

¿Por qué salgo con esta sensación de que me falta algo, entonces?

Super 8 es un facsímil. Una copia casi perfecta de un estilo de películas de hace más de veinte años. Películas que llevan dos décadas sin rodarse. Películas que nos encantaban. Un film idéntico.

El que ha cambiado en todo este tiempo, soy yo. No soy el niño de diez años que viajaba al pasado en un DeLorean. No soy el chico que luchaba contra criaturas del espacio codo a codo con unos cazarecompensas alienígenas. No vivimos en un mundo analógico, donde tus compañeros de clase me explicaban las películas antes de verlas y exageraban y creaban nuevas historias. Hemos pasado por muchas cosas: la caída del muro, el 11S, naves arder más allá de Orion, las Mama Chicho, el final de Perdidos, Mourinho...

¿Qué sentido tiene reproducir un mundo que ya no pertenece más que al terreno de los recuerdos?

Si sirve para relativizar-lo y jugar con él, como hizo Paco Plaza con su maravilloso Cuento de Navidad, perfecto. Si se trata tan solo de un ejercicio de nostalgia teledirigida a un sector muy concreto del público (aquellos que nos encontramos en los treinta), sin más intención que clonar algo que en su momento funcionó...

puede que guste, claro. Es muy entretenida.

...o puede que te haga sentir que aquel niño de diez años hace tiempo que dejó de buscar mapas del tesoro.

Resacón en Las Vegas 2, de Todd Phillips

2011-06-24T10:55:00.000-07:00

Si no fuera porque la estructura de la película es un calco de la (magnífica) primera parte, diría que se han ido inventando el guión sobre la marcha.

Resacón 2 funciona cuanto más desmadrada se vuelve, cuanto más canalla es el giro argumental que toma. Por desgracia, la mayor parte de chistes no cuajan. Uno se ríe por acumulación, no por ingenio. Es todo demasiado previsible. Y la mayor parte de escenas tienen el mismo esquema:

-Hola. ¿Habéis visto a Teddy?
-Estaba con vosotros esta noche.
-Sí, ¿pero le habeis visto?
-Menuda una montásteis (añádese una meción a la pelea, cópula con transexuales, negocio con mafiosos, o lo que toque).
-Eh, mirad, aquí hay una (targeta, dirección, teléfono, pista).

La película entra en un bucle que se salvaría si fuera muy gracioso. Y repito: el espectador ríe. Pero lo olvida en la siguiente escena. No hay el menor atisbo de intentar hacer funcionar un chiste más allá de su consumo inmediato.

Si cabe destacar un momento del film, sería la escena onírica en el templo con la reconstrucción parcial de la noche hecha por niños.

Así que, cambiando un tigre por un mono, un bebé por un monje budista y Las Vegas por Bangkok, y dejando de lado los gags más trash sobre la pedofília que llenaban la primera parte (con lo que el personaje de Allan pasa de enfermo sexual a subnormal), Resacón 2 es la confirmación que la fórmula se ha agotado, a pesar que hará las delícias de un tipo de público dispuesto a aplaudir un sentido del humor que linda con el torrenterismo. Incluso con ese final desubicadamente moralinero, que es el certificado de defunción de una saga que nunca debió abandonar Nevada.

PS. Y eso que me he reído.

PS2. Acabo de recordar que, mientras veía la película, la sensación de dejà vú no venía solo porque se pareciera a Resacón en Las Vegas. Es que es muy parecida a Airbag!!!

Thor, de Kenneth Brannagh

2011-05-01T09:56:00.000-07:00

Quizá es problema mío, pero si te pones a inventar todo un mundo, que tenga una lógica interna, una coherencia.

Asgaard, el planeta de donde viene Thor, refugio de los Dioses nórdicos.

Vale.

¿Cuál es su principal actividad económica? Quiero decir: ¿se basan en la agricultura? ¿en la exportación? ¿tienen turismo?

Todos esos rascacielos ultramodernos que dejan a Gaudí a la altura de un bebé con un Lego. ¿Quién trabaja en ellos? ¿Existe una Seguros El Valhalla en la planta 32? ¿Hay un botones en la recepción del hotel? ¿Hay hoteles en Asgaard?

Porque vemos un mundo maravilloso con puentes que brillan, cenas frugales y estrellas a la luz del día, con seres inmortales que llevan existiendo miles de años (y que se reproducen y tienen hijos). Pero no sabemos si hay funcionarios, si hacen censos, si tienen esclavos o les va el comunismo, si existen planes quinquenales o el cultivan sus tierras con barbecho. Ni siquiera vemos sus tierras, más que unas lejanas montañas nevadas. ¿Esquían, en Asgaard? ¿O todo son nobles tratando asuntos de nobles durante toda la eternidad?

Hay otro planeta, el de los gigantes azules del frío o yo que sé. Está repleto de gigantes azules y hace mucho frío. El caso es que por lo visto están muy en guerra con los vikíngos. Una guerra como muy fuerte, muy intensa, muy de odiarse porque sí, que diría Miguel Noguera. Los nórdicos les ganan en un prólogo larguísimo e interminable (algo que ya vimos en El señor de los anillos, pero con Sauron y con más gracia) y les dejan allí, en plan derrotados. ¿Y qué hacen los gigantes azules? Lo dejan todo tal cual quedó en la derrota. Ni reconstruyen ni nada. Piedra sobre piedra, todo hecho un cisco. No se conjuran para recuperarse. No valen nada como civilización: aceptan vivir entre ruinas y sin un techo, con el frío que hace a la intemperie en ese planeta. Miles de años. Sin tele. Sin twitter. Sin una fogata. Incluso tienen un animal gigante, como un Balrog de la nieves, en la sección de ultramarinos. Lo tienen allí, congelado, en carbonita, por los siglos de los siglos. Solo los despiertan cuando los nórdicos vuelven al planeta a molestar. A esa Mallorca antártica dejada de la mano de Dios. De Anthony Hopkins en el papel de Dios.

Y claro, uno se pasa toda la película pensando en esa falta de coherencia interna. Porque el argumento no tiene más. Sabes dónde empieza y dónde acaba, quienes van a ser los malos y quienes los buenos. Y tanto da porque no hay lugar para la sorpresa, solo para el bostezo.

Porque la historia, en resumidas cuentas, es que hay un pueblecito de Nuevo Méjico donde cae un extraterrestre que quiere volver a casa. Que se tira toda la película diciendo mi casa, mi casa. Pero que en lugar de un bicho de un metro de altura de color de heces es un vikíngo rubio y cachas. Y no lo recoge un niño aficionado al ciclismo, sino una chica con un doctorado por la astrofísica. Pero al extraterrestre también le brilla una extremidad cuando se acerca a su anfitriona, aunque no lo veamos en pantalla porque ya no sería una película apta para todos los públicos.

Y representa que nos tiene que importar que:

a) un hombre de hojalata de 15 metros de altura destruya ese pueblo de Nuevo Méjico. Ese pueblo de dos mil habitantes (como se lee en un cartel) pero que cuenta con apenas una veintena de casas. Que tiene una densidad muy alta de población ahí, hacinada en medio del desierto. Mucho borracho y mucho redneck. Mucha endogamia. Pues Thor les tiene que salvar. Y nosotros debemos sentir empatía.

b) El planeta frío. Porque puede correr la misma suerte que Alderaán. Y Alderaán era el planeta natal de la princesa Leia. Lleno de gente alegre y pacífica, que no le había hecho nada al Imperio. Y se lo petaron sin concederle la gracia al espectador, sin que pudiéramos advertirles. Y en cambio tenemos que pasarnos un buen rato de metraje sufriendo por el destino de los gigantes azules. No. Por ahí no paso.

Y el tema de los amigos de Thor. Esa banda de vividores del Valhalla. ¿Qué son? ¿A qué dedican su tiempo en Asgaard? ¿Por qué son tan paródicos? ¿Por qué parecen Power Rangers del medievo? Y quizá lo que me ha estado carcomiendo más durante todo el rato: ¿un chino? ¿un Dios nórdico chino con acento chino? Un Dios Nórdico immigrante que lleva miles de años viviendo entre ellos y aún no ha perdido el acento? ¿immigrante de dónde? ¿existe una China en Asgaard? ¿está comprando toda la deuda de un sistema económico basado en la supremacía superheroica pero que no se aguanta por ningún lado?

Claro que venden el nombre de Kenneth Brannagh y ya parece que hablemos del hijo de Shakespeare (leyendo la prensa sobre Thor, se diría que Brannagh es más Shakespeare que Shakespeare), y que esto vaya a ser una tragedia profunda, la caída de los Reyes Dioses. Y es quizá de lo peor que ha hecho la Marvel hasta el momento. Que no es un bodrio como aquella Elektra de Jennifer Gardner (worst superhero movie ever). Pero me ha aburrido muchísimo.

Claro que tampoco me hagan mucho caso. Nunca he sido un gran fan de Thor, y tenía mucha hambre en el cine mientras veía la película. Lo que me ha llevado a pensar: ¿tienen restaurantes, en Asgaard? ¿Y cines? ¿cuál es su star system? ¿los blockbusters de los Dioses Nórdicos van sobre gente normal, gente sin superpoderes?

Código Fuente, de Duncan Jones

2011-04-16T00:07:00.000-07:00

No voy a hacer un análisis frío. Ni puedo. Lo siento.

He salido emocionado del cine. He salido eufórico, con muchas ganas de volver a entrar y disfrutar de nuevo de la película.

Todos los que fuimos seguidores de aquella serie de televisión llamada Quantum Leap llevábamos desde su final en 1993 esperando la adaptación a la gran pantalla. Personalmente ya lo daba por perdido.

Hasta que llega Duncan Jones y hace una versión encubierta de la aventura de Sam Beckett. Encubierta pero reconocible.

De ahí a que me encuentre aturdido por la sorpresa y el placer de reencontrar ese viejo argumento en una gran, gran, gran pel·lícula.

Quizá ese es uno de los defectos que le adjudican a Jones, ¿no? El no hacer nada novedoso. El repetir fórmulas ya conocidas, realizar un cine deja vu. De Moon criticaron que era una mezcla de Solaris, 2001 y Atmósfera Cero. De Código Fuente se le achaca que combina Atrapado en el tiempo, 12 monos, Deja Vu o el ya citado Quantum Leap, por ejemplo. De hecho, tenía la sensación de estar viendo un capítulo de Twilight Zone dirigido por Hitchcock.

Pero, personalmente, Moon me encantó y Código Fuente me ha entusiasmado. Y parece que este director tiene más personalidad de la que se le quiere restar. Parece que tiene cosas a decir. Y que su mensaje no está tan lejos de aquellos Blade Runner de Scott o Almas de Metal de Crichton, por ejemplo. Jones aprovecha la sci-fi para hablar de los humanos, de aquello que nos mueve, que nos hace sentir vivos, en el pequeño lapso de tiempo que pasamos por la Tierra. Ya sean ochenta años, treinta y seis meses u ocho minutos. Tanto Moon como Código Fuente no están tan lejos como pueda parecer desde un principio.

Jake Gyllenhaal solo hace que mejorar con los años (no lo tenía difícil, es cierto), y desde Zodiac se ganó mi respeto. Aquí está impecable. Como Vera Farmiga. No puedo decir lo mismo de Michelle Monagan, pero es que su personaje tampoco da mucho más de sí. Y el único que patina es Jeffrey Wright, sobreactuado y paródico, se toma la película demasiado como una serie B (que en el fondo lo es, pero hay que disimular, por Dios).

No explicaré la historia (que ya habréis oído o leído en cualquier otro sitio) ni me extenderé mucho más. La película funciona como un reloj, un engranaje que no falla nunca, a pesar de lo que os digan sobre el final.

Ay, el final. Tranquilos que no habrá spoilers. He leído a gente decepcionada por el final. Que si es incoherente, que si es simplón. Pero mirároslo bien. No es lo que parece a simple vista, amigos. En realidad, simple es la palabra menos indicada, y el final es el verdadero argumento de la película, no el que aparece en las sinopsis...

Y señor Duncan Jones: gracias por esa sorpresa a los seguidores de Quantum Leap. Gracias por esa llamada teléfonica. Un millón de gracias.

Qué ganas tenía de inyectarme una dosis de sci-fi directa al cerebro.

Invasión a la Tierra, de Jonathan Liebesman

2011-04-02T11:02:00.000-07:00

No sabía yo que el cuerpo de los marines estaba tan mal de vocaciones para tener que realizar un publireportage de hora y media que haga que la juventud estadounidense corra en masa a alistarse.

Básicamente, si te haces marine:

Podrás surfear a placer.
Tendrás un buffet libre de armamento a tu disposición.
Sabrás lo que es vivir con honor.
Tendrás la posibilidad de morir con honor.
Por tu país, ojo.
Lucharás contra aliens.
Te sabrás el nombre, grado y número de tus compañeros de corrillo.
Llevarás un traje molón.
Rescatarás niños indefensos que te querrán como a un padre.
Bombardearás naves extraterrestres.
Cuando te jubiles, podrás volver a disparar al día siguiente.
Abortarás invasiones del espacio exterior.
Salvarás a pobres immigrantes que te aplaudirán para que se vea que no es una metáfora contra los immigrantes. Es más, los immigrantes son bienvenidos en el cuerpo de marines porque es una de las pocas maneras que tienen de prosperar en USA y conseguir puestos en la administración pública, por ejemplo.

En definitiva: join us, USA needs you.

Por cierto, cuando dicen Invasión a la Tierra, "Tierra" es un eufemismo para Los Ángeles.

Me gustó bastante más Monsters, que sin toda la parafernalia iba algo más allá.

Porque esta se queda en el título. No aporta nada (NADA) al género. No hay ninguna innovación, ninguna idea nueva. Es la clásica aventura ultramilitarista de los años 50 con más efectos especiales. Un par de secuencias de acción bien resueltas (la del puente y parte del tramo final) y basta.

Jonathan Liebesman, o su guionista (me da pereza buscar quién es en el imdb) o ~~el ejército de los Est~~ los productores del film deberían aprender un poquito de Ridley Scott. En Black Hawk Derribado la presentación de los personajes duraba... oh, espera: no había! Prácticamente se iban a pegar tiros de buenas a primeras. Y aún así, conseguía que te acabaran importando. En Invasión ~~a la Tierra~~ Los Ángeles hay una introducción eterna de los personajes haciendo su vida diaria de marine (¡quiero alistarme! ¡quiero alistarme!) hasta que no llega el ataque (¡quiero alistarme ya!). Tras eso, te da exactamente igual si viven o mueren o se convierten en héroes o en mártires, porque todo es una sucesión de clichés y lugares comunes que provocan somnolencia.

Un dato: en toda la película solo hay un chascarrillo. Solo uno (y tiene que ver con la única soldado femenina y sustancias viscosas). Se toma muuuy en serio a si mismo, el film.

Un diálogo:
-Mirad si es inocente mi hijo, que al principio decía: ¿no podemos hablar con ellos?
-Con el primer disparo demostraron que no venían en son de paz.

Por una centésima parte del presupuesto de Invasión a la Tierra, se me ocurre una historia de colonizaciones alienígenas a través de, no sé, ¿eucaliptos?

PS. Por cierto, muy gracioso lo de basado en hechos reales con que venden la peli.

PS2: Me comentan que el título original es Battle: L.A. Pues eso.

Dos del oeste

2011-03-21T01:32:00.000-07:00

Sobre Valor de Ley,

Una historia de lo más sencilla (chica que quiere vengar la muerte de su padre, un don Nadie) explicada del modo más clásico.

De hecho, si algo se le puede achacar al film es lo costoso que resulta reconocer la personalidad de los hermanos Coen en él.

No hay reflexiones sobre la violencia, ni sobre el paso del tiempo, ni sobre los antihéroes. No es un western crepuscular.

Es una peli del oeste de las que emitían el mediodía de los sábados por televisión español durante los ochenta. Pero extraordinariamente bien hecha, con una factura técnica impecable (ahí se nota el amigo Spielberg, que produce) y unas actuaciones más que dignas (olvidad la versión doblada, que en este caso es un insulto al espectador).

Jeff Bridges se encuentra comodísimo en su personaje, y Damon no se queda atrás.

Sobre Rango,

Divertida recreación del spaghetti western en clave de animación 3D.

Visualmente epatante, la película tiene un par de inconvenientes:

Al usar todos los clichés de las pelis del oeste (no alguno: TODOS), puede que el público infantil al que va dirigida no entienda nada (y por infantil incluyo hasta los 25 años, porque dudo que haya casi nadie por debajo de esa franja de edad que haya crecido con estas películas) y se desconecte. La peli, al no ser totalmente adulta, se queda en territorio de nadie.

Esa misma acumulación de clichés y escenas reconocibles hace que el ritmo de la película se resienta. Es exactamente lo mismo que le pasó a Verbinski con Piratas del Caribe: tras un inicio espectacular y prometedor, la sucesión de set pieces hace menguar la emoción y somete al film a una sensación de “ir pasando”. Quizá con menos elementos en ella hubiera funcionado mucho mejor (el segundo tercio se resiente mucho por el bajón de ritmo producido por, paradojalmente, las muchas cosas que ocurren en pantalla).

Sin embargo, el delirio visual, la sensación de divertimento, la buena definición del protagonista y alguno de los secundarios (como el alcalde, Jake y pocos más, que esto no es Pixar) o la aparición del Espíritu del Oeste (bravo!) ya valen el precio de la entrada

Bruc, de Daniel Benmayor

2010-12-27T04:52:00.000-08:00

El desafío ¿de quién? ¿a qué?

Iría veinte veces a ver Bruc.

Solo por el intento de una industria cinematográfica tan estancada en los desamores urbanos como la catalana de hacer algo diferente ya vale la pena el precio de la entrada.

Porque si vas a ver Bruc, quizá se atrevan a hacer más pelis así.

Y si hacen más, quizá alguna sea una gran película.

Así que si apuestas ahora por Bruc, apuestas por ampliar miras en nuestro cine. Y eso lo necesitamos si no queremos ver otra vez la historia de infidelidades y aprendizajes emocionales con que nos dormimos cada año.

El personaje de la novia: lo peor del film.

Dicho esto, Bruc es muy floja e inocente.

Tiene algunos detalles destacables de dirección y a nivel visual a veces es solvente (esa escena de la emboscada francesa en el bosque entre tinieblas, o aquella otra con las sábanas del monasterio), pero todo suena a ya visto. Es un dejà vu constante.

Y eso que me gusta la idea de adaptar la historia de Rambo con el timbaler del Bruc como action hero. La encuentro divertida y acertada. Y es una de las razones por las que fui a ver la película.

Lo malo es que donde en allí había una progresión en la tensión, una cierta épica (porque yo soy de los que reivindican Acorralado como una gran película en su género), aquí todo pasa porque son las cosas que tienen que pasar.

Es decir: ves venir de antemano cualquier punto de inflexión, cualquier muerte, cualquier diálogo, porque sabes que, según todos los clichés de este tipo de survival, existe un timing para que pasen estas cosas.

Y claro, como con Avatar, saber qué va a pasar de antemano aburre.

Si a eso le sumamos que la banda sonora no encaja en absoluto en el desarrollo de la película (momentos demasiado calmados para escenas de persecución, tono telefílmico), algo chirría.

La definición de los personajes es bastante ramplona, buenos y malos sin matices. El guión hace aguas por todas partes porque los protagonistas actuan en base a estereotipos, no a la realidad. El grupo heterogéneo de cazadores es gracioso pero inverosímil, y las interpretaciones son muy desiguales. Me quedo sobretodo con el gran Vincent Pérez y con Santi Millán, que están bastante bien. Juanjo Ballesta, pues pone esa cara de pobre niño abandonado bajo la lluvia todo el rato, igual que cuando se convierte en superhéroe (superbruc) al tercio final del film. Un tercio que estás esperando desde el minuto uno y que, cuando llega, es bastante descafeinado.

Ah, y por favor. Montserrat es un escenario precioso, pero no es necesario tanto plano aéreo cada tres minutos.

Amigos, lo dicho: id a ver Bruc. Vuestro dinero servirá para que se asuman más riesgos. Y con ellos llegarán las buenas películas.

Esperemos.

Y ahora, unas cuantas imágenes que salen en google cuando buscas Bruc:

Buried (Enterrado) de Rodrigo Cortés

2010-10-07T03:10:00.000-07:00

Darth Vaderette llama a Bobba Fett después de ver Buried para explicarle sus impresiones sobre el film de Rodrigo Cortés. Sin spoilers, claro.

Predators, de Nimrod Antal

2010-08-29T00:21:00.000-07:00

Bueno, a ver qué tal está Predators, que después de las mierdas de Alien vs Depredador ya apetece que la saga se revitalice un poquillo.

Va, que produce Robert Rodríguez, que ahora le ha dado por producirlo todo. Eso es garantía de entretenimiento. Aunque, a mi, Nimrod Antal me aburrió muchísimo con Blindado.

Venga, un noche en el cine viendo a humanos siendo cazados. El plan no pinta mal.

Mira, el trailer de Los ojos de Julia, dirigida por Guillem Morales y escrita por Oriol Paulo. Mola. Mola mucho.

Ah, ya empieza la peli. Adrien Brody aparece en una selva con gente diversa. Un ruso, una israelí, un mejicano, un negro... bueno, qué más da. Parece el principio de un chiste o la premisa de un capítulo de La Dimensión Desconocida. Bueno, es una serie B: hay que ser conciente de lo que uno va a ver. No seas tan exigente.

No me molesta ver a Brody como héroe de acción. No me cae especialmente mal, y es gracioso que un tipo tan escuchimizao haga aquí de tipo duro. Mooooaaaoooo. Uy, perdón por el bostezo.

Andan por la selva.

Bostezo.

Hablan. Bla bla bla.

Bostezo.

Va, venga, que la palme alguien ya.

Caras de sorpresa cada vez que encuentran algo.

Qué incómodas son las sillas de este cine.

Selva.

Adrien Brody da lecciones de supervivencia y combate.

Bostezo.

¿Y si le mataran a él primero? Sería un punto.

Selva.

Cara de sorpresa.

Cháchara.

¡Ah! Ya se a quién me recuerda. Es el último superviviente. ¡Es Bear Grylls! Bear Grylls en el planeta de los predators.

Tiros.

Vaya, ahora empieza la acción. Ha tardado, pero era lo que venía a ver.

Buf. ¿Ya está?

Caras de sorpresa.

Selva.

Bostezo.

Adrien Brody as Bear Grylls.

Butacas del cine muy incómodas. Tengo una contractura en las cervicales y esto no me ayuda.

Hace calor en la sala.

Selva.

Se dan cuenta que no están en la Tierra.

Sale unos bichos, descartes de los fx de Avatar. Hubiera preferido que fueran osos polares. Así la gente se hubiera estado seis años preguntado por qué había osos polares en el planeta de los predators.

Acción muy mal rodada.

Tengo sed.

Tiros, tiros y tiros, pero todo muy confuso.

Bear Grylls.

Bostezo. Bostezo.

Pasan cosas. Pero no cosas importantes. Está Shane Vendrell, de The Shield, al que hace gracia volver a ver. Los diálogos son de relleno.

Salen los predators. Ahora. Un buen rato después de que haya empezado la peli. Qué poco carisma tienen estos bichos aquí. Son cazadores, sí, pero desganaos. Se ve que han perdido toda la motivación por la caza. Se ve que esta afición ya no les llena. Sería interesante ver la precuela de Predators, con ellos como protas.

Sería más interesante que esto, al menos.

Ahora sale Laurence Fishburne. ¿Ahora? Un poquillo tarde, ¿no? Ya da como pereza. Hace de Tim Robbin en La Guerra de los Mundos.

Cháchara.

¿Sabes qué? Me está entrando sueño. Voy a cerrar un ratillo los ojos y cuando vuelva la acción ya me despertará.

Ay, qué descanso, qué bien se está así.

Bostezo.

Abro los ojos. Sigue igual.

Mierda de butacas, qué cosa más incómoda.

Y mira que son las mismas que donde vi Inception. Y eso fueron dos horas y media.

¿Cuanto tiempo debemos llevar en la sala viendo Predators? Seis días?

Ah, mira, se mueren casi todos de golpe. Vaya mierda de survival.

Va, que los maten ya.

Y a Bear Grylls el primero, que es cansino.

Tiro, tiro, hachazo, hachazo.

Plan para matar y escapar del planeta.

Fuego.

Predators enfadados.

Humanos enfadados.

Público enfadado.

Explosión.

Bostezo.

Madremía, lo que se parece Adrien Brody a Pablo Motos con el torso desnudo y esa cabecilla jíbara.

Explosión.

Última escena abriendo la posibilidad de una continuación.

A mi ya no me engañan.

Atención: el minuto 1:17 de este video es una estafa. En la película solo aparece un puntero de triláser o como demonios se llame. Los demás han sido añadidos para el trailer. Patético.

Los mercenarios, de Sylvester Stallone

2010-08-17T05:24:00.000-07:00

Suena el politono de la banda sonora de Rambo. El móvil vibra sobre la mesa del despacho, pero nadie lo coge.
Deja de sonar.
Al cabo de un rato vuelve a la carga. Entra Sylvester Stallone con la cara envuelta en toallas, como el hombre invisible en un balneario.
-¿Sí?
-¿Sly?
-Sí, ¿quién es?
-¿Eres tú, Sly?
-Sí, claro, es mi móvil, me estás llamando a mi. ¿quién va a ser?
-Tienes que cambiar de doblador, Sly. Parece que esté llamando a Buenafuente.
-Ese no es mi problema, interlocutor desconocido.
-¿Cómo que desconocido? ¿No te acuerdas de los amigos?
-Yo no tengo amigos. Solo gente que trabaja en la cirugía estética y gente que no. Y no sé a qué grupo perteneces.
-De los que no... bueno, aunque a veces puedo deformar caretos de un mamporro.
-Pero dime, muchacho, ¿quién eres?
-Te daré una pista.
-Voy a colgar...
-Drago, Drago, Drago...
-¿Qué broma es esta?
-Hearts on fire, strong desire...
-¿Dolphie? ¿Dolphie Lundgren?
-El mismo.
-¡Sigues cantando como el culo!
-Y tu sigues actuando como el culo, Sly. ¿te piensas que no vi las últimas de Rocky y Rambo?
-Sabes que siempre he sido mejor director.
-Sí, también vi Staying Alive.
-¿Y qué es de tu vida, Dolphie? ¿qué te cuentas?
-Pues nada, aquí. Ayer descubrí dos supernovas y hoy estaba twitteando la teoría de las supercuerdas.
-Ahá...
-Pero te llamaba para otra cosa.
-Sí, dime.
-Quiero volver al cine. Tengo ganas de cine. Quiero volver a los porrazos y la sangre en la cara.
-¿Y eso?
-Vuelven los ochenta, ¿no?
-Eso dicen.
-Pues yo también quiero volver.
-...
-¿Sly?
-...
-¿Sly?
-Sí, sí, perdona. Estaba pinchándome bótox.
-¿Tú también?
-La cara se está desprendiendo del cráneo, Dolphie. Es la única manera de mantenerla en su sitio.
-Vale, pero ¿qué me dices?
-¿De qué?
-De volver al cine.
-Ah... pues justamente tengo algo para ti.
-¿Sí?
-Sí, pero no te ilusiones, no tienes muchas líneas de guión.
-¡Como en los viejos tiempos!
-Exacto. Es que es una peli coral, con muchos personajes, así que hay que repartir.
-Mmm, tiene buena pinta. ¿Cómo se llama?
-The Expendables, pero en España la traducirán como Los mercenarios.
-Bien, bien... cuéntame de qué va.
-Ah, claro. Mira. Un grupo de mercenarios...
-Los expendables.
-Sí, pero no me interrumpas. Un grupo de mercenarios son contratados por un tipo para que vayan a una isla de sudamérica... o de centroamérica, no sé, de por ahí. Resulta que en esta isla hay un dictador militar muy muy muy malo que se ha asociado con un antiguo agente de la CIA. El agente de la CIA quiere cultivar coca en la isla, y se aprovecha del general.
-Y los mercenarios van y lo derrocan.
-¿Se ha filtrado el guión en internet?
-No, Sly, pero es lo que se supone que debería pasar.
-Sí. Pero aún hay más.
-¿Más sorpresas? ¡imposible!
-¿He detectado un sarcasmo? Porque eso me ha sonado a sarcasmo. Y si estás buscando curro...
-No, Sly, no. Por favor, continua.
-Sí. Decía que aún hay más, porque el general tiene una hija que le quiere derrocar.
-Vaya.
-Sí, y es pintora.
-Es pintora.
-Sí, claro, como para demostrar que el arte está en contra de la opresión.
-Sí, no sé cómo no se me había ocurrido antes.
-Pues los mercenarios se dan cuenta que la vida en la isla es una mierda con la CIA hurgando por ahí, ayudan a la hija a deshacerse de los malos.
-Ya. Pero no parece muy actual, ¿no?
-Es un actioner de los ochenta, Dolphie. Y tú mismo has dicho que volvían los ochenta.
-Pero parece un poco un argumento del Equipo A.
-Calla, calla, que esos se me han adelantado.
-¿Pero será como la peli del Equipo A? Porque allí se ve pasta invertida y está hecha con gracia.
-He dicho que voy a hacer un actioner de los ochenta y no se hable más. No quiero reformular esas pelis. quiero volver a rodarlas como entonces.
-¿Tú crees que a la gente le gustará?
-La nostalgia vende.
-Sí, pero nosotros no somos los de antes. Estamos algo cambiados.
-Seguimos siendo los héroes.
-¿Quienes? Porque yo siempre he hecho de malo.
-Y en esta peli podrás volver a hacerlo durante un rato.
-Mola. ¿quién más hay?
-Jason Statham.
-¡No jodas! ¡Ese es un crack! Tiene carisma y cara de mala leche, los dos ingredientes principales para todo héroe de acción.
-Dolphie, déjame hablar, que te gusta darle a la sin hueso.
-Perdona. ¿Quién más?
-Bueno, tenemos a Bruce Willis y a Arnold Schwach, scwarc, shcar, schwar...
-¿Schwarzenegger? ¿tienes a Arnie y a Willis? Por Dios, Sly, ¿dónde hay que firmar? Esto tiene que ser un peliculón.
-Sí, sí, bueno... han aceptado salir un ratillo.
-¿Cómo que un ratillo?
-Una escena compartida.
-¿Y ya está?
-¿Cómo que ya está? no me llamaste para quejarte cuando Pacino y De Niro hicieron la pantomima del plano contraplano de Heat!
-No, bueno, vale. La cosa promete. ¿A quién más tienes? ¿a Van Damme? ¿a Seagal? ¿a Michael Dudikoff? ¿a Chuck Norris?
-A Jet Li.
-¿Quién?
-Un chinorris de esos que salta y patalea.
-¿Jackie Chan?
-No: Jet Li.
-Dime que al menos has contratado a Carl Weathers.
-¿Carl? Está muerto, ¿no?
-No, Carl está vivo. Lo vi el otro día en Hollywood Boulevard con un carrito lleno de chatarra.
-Vaya. He contratado a un negro que se parece al Carl de joven. Y a un par de luchadores de wrestling.
-¿Cuales? ¿Mr T y Hulk Hogan? Hace tiempo que no les veo.
-No, son otros que estaban de oferta. Tenía escritas algunas líneas para Seagal y Van Damme, y tendrán que hacerlas ellos. Pero tenemos a Eric Roberts.
-¿A quién?
-El hermano de Julia.
-Ah...
-...
-...
-...
-Y esto, Sly... dices que ya tienes el guión.
-Sí. Las seis páginas.
-Supongo que habrá secuencias de acción a tutti pleni.
-Algunas hay. La verdad es que me ha costado bastante rellenar hasta llegar al final. Disparos desde un avión, persecuciones en coche, peleas en talleres mecánicos... y todo ello aliñado con muchos planos de harlleys molonas y chupas de cuero.
-¿Y qué rodarás, tipo Bourne?
-¿Quién?
-Todo eso que está de moda de la cámara al hombro y mucho dinamismo.
Uy, Dolphie, tú le pides demasiado al viejo Sly. He pensado en hacer las escenas lo más confusas posibles, así no se nos ve achacosos. Al fin y al cabo somos una unidad de élite formada por ancianos deformes; si lo filmara bien la gente se reiría.
-¿Y la gente no se va a reir?
-Sí, pero de mis chascarrillos.
-Tú nunca has tenido gracia escribiendo chistes, Sly.
-Mira, Dolphie, porque te aprecio, que si no te mandaba a tomar por el culo. Además, da igual lo que escriba. Si lo pronuncia Mickey Rourke suena gracioso.
-¿Mickey Rourke? ¿y él que pinta aquí?
-He pensado que está tan mal que hará que el resto luzcamos jóvenes y guapos. Le haré unos primeros planos que la gente va a querer cambiar las palomitas por primperán.
-Ingenioso.
-...
-¿Bótox, otra vez?
-...
-Espero.
-Ya. Hablando de ingenio. Necesito ayuda en una frase de guión. Estoy atascado.
-A ver, dime.
-Mira, van todos en un avión hacia la isla. Está la cosa como muy chunga. Quizá es una misión suicida, aunque el espectador nunc tendrá la sensación que les pueda pasar nada malo. Y uno de los personajes dice: "Lo veo todo negro como..."
-Sí.
-¿Cómo qué? Lo veo todo negro ¿como qué?
-Como Drácula.
-¿Como Drácula?
-Sí, el príncipe de la tinieblas, Sly. Y las tinieblas son negras, ¿no? Pues lo veo todo negro como Drácula.
-Bueno. no suena mal. Si encuentro algo mejor ya lo cambiaría, pero si no, lo dejo tal como está.
-Y la violencia ¿qué?
-¿Qué quieres decir?
-Vi John Rambo. Los últimos diecisiete minutos son puro gore. ¿Esta qué tal?
-He pensado algo parecido. Habrá tiros y tal, pero lo bueno lo reservo para el final. Montones y montones de soldados muriendo a paladas.
-¿Con decapitaciones y demás?
-Sí. He contratado una compañía de efectos especiales. Son unos chavales que lo hacen todo con su toshiba portátil. Ellos crearán la sangre artificial y los miembros amputados. Claro que los trucos no se verán porque al final todo explota.
-Bien, esa es mi peli.
-El cuartel general, la isla, los malos. Todo, todo explota. Tengo un montón de Goma 2 en casa. Cada vez que hacía una comedia, me daban toneladas de Goma 2 que no usaba. Aquí vamos a petarlo todo.
-Pero alguno morirá, ¿no? Alguno de nosotros las pasará putas.
-No, ya estamos muy mayores para que nos den palos. Solo morirán los malos. Y al final ganarán los buenos.
-Ya, pero, hay algo que no me queda claro.
-Dime, Dolphie.
-La tensión dramática. ¿Dónde está? Quiero decir: si somos como invulnerables, al espectador le va a dejar un poco frío tanta explosión, ¿no?
-Bueno... la hija del general está a punto de morir.
-Ya, pero a menos que la hija del general sea Brigitte Nielsen...
-Que no lo es.
-A menos que sea ella, a la gente le va a importar un rabo lo que le pase, porque los buenos van a salir victoriosos siempre.
-Sí, bueno, me falta pulir algo el guión.
-Tienes que hacer algo para que parezcamos más humanos.
-Haré que Rourke llore.
-Más humanos, no mas patéticos.
-Uno de los luchadores de wrestling tendrá una enfermedad que le deja las orejas como el culo de un mandril. Y lo pasará muy mal con ese trauma.
-¿Y?
-Me dejaré perilla. No llevo perilla desde hace años.
-¿Y eso en qué ayuda?
-Le da profundidad a mi personaje. Y mientras me miran la perilla perfectamente delineada no se fijan en que mis orejas me tocan la nuca.
-No, Sly, no.
-¿Te he dicho ya que el malo se parece a Hugo Chávez?
-¿Cuál?
-El presidente de Venezuela.
-No, que qué malo.
-El general de la hija pintora. Y al final pintará la cara de todos sus soldados como para dar miedo. Es una idea que saqué de Braveheart y de Street Fighter. Y además me sirve para reciclar un montón de extras sin que la gente se de cuenta.
-Mira, Sly, tengo ganas de empezar a rodar. Y además necesito el dinero. Con la astrofísica no me llega ni para el alquiler. Pero cuando llegue al plató, le echamos un vistazo al guión, ¿vale?
-...
-¿Sly?
-...
-Bueno, nos vemos y lo hablamos.
-Dolphie.
-Dime.
-¿Sabes por cuanto me saldrían unos pómulos nuevos en Rúsia?
-No, yo... mira, te agrego en el facebook y seguimos en contacto.
-...
-Y deja el bótox o te confundirán con Carmen de Mairena.
-¿Con quién?
-Hasta luego, Sly.
-Hasta luego, Dolphie.

cloc

Inception / Origen, de Christopher Nolan

2010-08-07T01:32:00.000-07:00

La semana pasada visitamos la exposición Per laberints en el Centre de Cultura Contemporánea de Barcelona (CCCB). Si teneis ocasión, no dejeis de visitarla. En ella descubrimos cómo el ser humano ha disfrutado creando laberintos desde sus orígenes. Y cómo Giovanni Fontana creó los laberintos multicursales, aquellos en los que hay más de una ruta a seguir y, por tanto, puedes perderte en ellos.

Christopher Nolan experimenta con los laberintos en Origen. Y lo hace tanto a nivel argumental como formal.

Si algo ya conocíamos de Nolan es que no es un director corriente, que desee explicar una historia del modo más clásico. Memento fue su tarjeta de presentación, fragmentando el tiempo. En Insomnia exploraba las secuelas físicas y psicológicas de la culpabilidad mediante imágenes. El truco final, siendo una buena película, cojeaba al descubrirse la trampa demasiado fácilmente. Y en los dos batmans apostó por narrarlos como historias policíacas, con lo que dio en la diana (aunque pienso que la segunda está demasiado sobrevalorada). Esto le ha llevado a tener detractores, evidentemente, y a ser acusado de grandilocuencia y pedantería. Si bien es cierto que, hasta el momento, Nolan mostraba ciertos defectos muy habituales (escenas de pelea y de acción muy confusas, cierto ritmo fatigoso), es con Inception donde ha dado con la fórmula clave. Los conceptos básicos de la filmografía de Nolan, culpa e identidad, laten aquí con más fuerza que nunca. Es entrando en su propio laberinto cuando Nolan ha encontrado su película.

¿Revolucionar el cine? Eso es muy difícil, ya. Además, como he leído en otros lares, Inception se trata de un film tan personal que resulta complicado pensar que pueda abrir una línea, un camino.Ni siquiera creo que pueda ser considerado algo nuevo, tampoco. Hay en Origen mil padres bien reconocibles, de Matrix a Dark City, pasando por 2001, Heat, la saga de James Bond, En busca del arca perdida, La trilogía Bourne y Ciudadano Kane.

Y sin embargo, al ver el film, experimentamos la sensación de ver algo nuevo. Porque Inception es el sueño del cine. Así como soñamos acerca sobre aquello que hemos vivido durante el día, en Inception soñamos aquellas películas que nos han marcado; aunque de una manera diferente. Nolan no imita ni copia: filtra, licua y teje un organismo vivo, que se reproduce en nuestro cerebro y crece en todas direcciones.

Nolan crea un laberinto delante de nuestros ojos. Introduce explícitamente una Ariadna, como creadora del laberinto argumental, pero es Nolan quien deviene un Dédalo que juega a placer con las matrioshkas del guión y el montaje, arrastrándonos por sus corredores y recovecos, traslándandonos a diferentes niveles visuales y cognitivos. Y consigue que no nos perdamos porque, sorprendentemente, su realización es diáfana. Uno sabe en todo momento en qué parte del laberinto está, aunque no sepa si va a poder salir de él.

Poco más se puede decir de Origen sin estropear el placer de sumergirse en su laberinto, salvo que cualquier apuesta en ella funciona a la perfección. De la banda sonora de Hans Zimmer (arriesgada, mecanizada, angustiosa) a la fotografía de distintas texturas para cada sueño, del cameo de Michael Caine a la acertadísima elección de cásting de todos sus protagonistas (si bien Leonardo DiCaprio se ha especializado en personajes que nunca ríen y ponen cara de me duele mucho el alma, me cuesta encontrar otro actor en sus papel), de las localizaciones (Mumbassa, Tokyo, París, Nepal...) al diseño de interiores (con un guiño inmenso a la escena final de 2001, una Odisea en el espacio), todo brilla con luz propia.

Hace miles de años, los hombres tallaban caminos sinuosos en las piedras. Hoy, Nolan descubre un extraordinario sendero por el que perderse, sentados en la oscuridad de una sala de cine.

No hemos cambiado tanto.

Splice, de Vicenzo Natalli

2010-08-05T12:19:00.000-07:00

Hay cuatro constantes en el cine de Natalli, y Splice las reune las cuatro:

El concepto de un ente superior omnipotente cuya capacidad de control se ve entredicha.
La frialdad emocional de sus personajes.
La capacidad para crear imágenes y atmósferas perturbadoras.
Cierta deriva hacia finales precipitados o descontextualizados.

Con Splice, Natalli sigue sus propias pautas para ofrecernos un relato incómodo e inquietante. Splice es un remedo de Frankenstein sin necesidad de disimularlo. El matrimonio protagonista se llaman Clive y Elsa, lo que no es baladí.

Como en Frankenstein, o como en un cualquier otra película de Mad Doctors, el cruzar los límites de la ciencia, impuestos por la ética personal del científico, llevará a sus protagonistas a pisar el pantanoso terreno de lo desconocido, en un viaje del que no habrá vuelta atrás. La pareja protagonista crea vida, en una especie de alegoría de la paternidad, mediante un experimento genético.

Lo que Natalli nos relata es el aprendizaje de un hombre y una mujer que van más allá de todos las fronteras conocidas. El enfoque no es el de dos seres endiosados jugando con su criatura, sino más bien el de dos padres que no saben cómo afrontar su nueva situación. Pero Natalli es perro viejo y decide envenenar poco a poco la trama, irla zurciendo de rencores y pesadillas, como es el caso de los antecedentes familiares de Elsa, que guiarán sus actos para con respecto a la criatura.

Así, lo que incluso puede parecer una versión cronenbergiana de Tres solteros y un biberón, se transforma en un relato de horror, una historia de maduración violenta tanto del ser creado como de sus creadores, que no solo tomarán conciencia de sus actos sino que deberán pagar por ellos. ¿No les recuerda mucho al viejo cuento de Mary Shelley?

Splice da algunas pinceladas sobre el peligro que representa no solo la experimentación genética (que puede ser beneficiosa en su búsqueda de curas para enfermedades), sino también sobre los pocos escrupulos que demuestran las grandes compañías en busca del beneficio económico por encima de lo ético. Se utiliza como trasfondo de la historia, pero aporta una de las escenas más impactantes de la película: el momento de la presentación de Fred y Ginger al gran público.

Y es que, desde que despedazó a aquel pobre infeliz que se había equivocado de portezuela en el minuto uno de Cube, Natalli sabe cómo dejarnos anclados en la butaca con unas pocas imágenes.

Vicenzo Natalli es capaz de pintar cuadros terroríficos que se quedan marcados en nuestra corteza cerebral. Véase (spoilers, pero no muchos) ese ojo de Dren mirando a través de un agujero de la caja cuando la transportan a la granja, o el despliegue de alas durante la cópula.(fin de spoilers). Son esos fotogramas los que el espectador retiene una vez finalizada la proyección, y a los que recurrirá como en una pesadilla a partir de entonces. El tono enfermizo, irreal y paradójicamente bello de Splice choca de frente con el estilo frío tras las cámaras.

Natalli no suele implicarse emocionalmente en lo que cuenta, ni permite a los espectadores sentir empatía o predilección por ninguno de los personajes. En ese sentido, nos convierte en un Tercer Científico, un observador que presta atención clínica a todo lo que ocurre ante sus ojos, pero no toma partido por nada. Entramos dentro de la historia, sí, pero de una forma aséptica. Esto puede suponer cierto rechazo, pero también es de agradecer que el director no juzgue a sus personajes, sino que los exponga. El espectador tiene los suficientes datos como para tener sus propias opiniones sobre lo que está viendo. Natalli nos trata como a adultos. Créanme, es algo de agradecer en el cine actual.

Tan solo los últimos cinco minutos, más en la línea de una monster movie que de una fábula postmoderna, rompen un poco la coherencia estilística de la película. Aunque, a decir verdad, esa parte también me ha gustado. Pero sepan que soy un entregado a Cube y a Cypher, a pesar de reconocer los múltiples defectos que ambas tienen.

Así que les digo que se den prisa si desean verla en cine, que Splice va a durar poco en cartel, aunque es una película perfecta para un sábado noche en deuvedé. Disfrutarán del talento de Greg Nicotero, adorarán a Sarah Polley y se enfadarán con la sobreactuación habitual de Adrien Brody.

Splice no es una gran película, ni falta que le hace.

Toy Story 3, de Lee Unkrich

2010-07-25T00:32:00.000-07:00

Puede que la manada de chiquillos saltarines, gritones y sofocados por el calor estival que llenaba la sala influyera en mi percepción de la película. Puede que lo hiciera el ejército de madres inquietas, culosdemalasiento y palomitadictas que no pararon de levantarse durante toda la proyección.

Puede.

El caso es que me cuesta compartir el entusiasmo generalizado que ha suscitado Toy Story 3.

Sí, ya pueden insultarme.

Si no lo estaban haciendo antes.

Toy Story 3 es una excelente película, pero dudo que sea una obra maestra como se ha definido de forma prácticamente mayoritaria por público y crítica. Así que vayamos primero a sus defectos para regodearnos después con las virtudes.

Cuarenta minutos. Eso es lo que se tira la película divagando antes de entrar en materia. Cuarenta minutos que poco aportan a lo que ya sabíamos, que Andy crece y los juguetes viven arrinconados, marginados. Incluso creí detectar algunos diálogos un pelín forzados, algo demasiado melodramático e impropio de Pixar. A ver, no es una introducción aborrecible, pero la encontré carente de sorpresas, como la estela en el mar que deja el barco que fueron las dos primeras entregas. Un remanente.

Y los niños se aburrían. De alguna manera, la fórmula perfecta de Pixar para enlazar entretenimiento adulto y magia infantil fallaba, tenía brechas. Los críos no se identifican con Andy (¿tirar los muñecos? ¿por qué?) y hay algún que otro chiste demasiado infantil que chirría. Y uno de los problemas, en mi parecer, más graves: se da un protagonismo a Woody por encima de Buzz que desestabiliza el tándem. Hasta hoy, los dos personajes simbolizaban los clásico y lo moderno, el seny y la rauxa, Jack y Locke. En Toy Story 3, Buzz se convierte en un comparsa gracioso, un punching ball sobre el que reirse, mientras que la acción recae en Woody, que se erige en el héroe. Que me riera con el Lightyear flamenco no lo convierte en algo menos estúpido y prescindible.

Esas son las manchas que no dejan a Toy Story 3 brillar a la altura de Up, Wall-e o sus dos predecesoras, a mi parecer. Pero eso no la convierte en una mala película, ni de lejos. Porque Toy Story 3 tiene muchos más puntos a su favor que zonas oscuras.

Empezando por ese prólogo, que define uno de los mensajes del film: el canto a la imaginación, el homenaje a una infancia jugada, a ese acto de creación divina que es dotar de alma a los juguetes. La primera escena de Toy Story 3 es un prodigio, un derroche de fantasía. Y la aparición de Woody en la película ya ha hecho más por Indiana Jones que ese engendro de la Cagalera de cristal.

Sin embargo, donde levanta el vuelo Toy Story 3 es a partir de la guarderia, cuando se convierte en una especie de remake de La gran evasión, jugando con todas la coordenadas de una película de fugas.

Las dos facciones de juguetes enfrentadas, unos como carceleros y otros como reos, con las rondas nocturnas de vigilancia, los focos, las reglas a seguir, los recuentos o, incluso una celda de castigo, como ya pasó con la algo olvidada Chicken Run, es de lo mejor del film. Al contrario que Shrek o algunas de las productoras que tratan de seguir infructuosamente a Pixar, el homenaje a los films no llega por la via de la imitación de escenas concretas, sino de una forma de hacer narrar.

Es en la presentación de los nuevos personajes donde se acierta. En ese villano que huele a fresas tiene su propio flashback donde se explica la causa de su comportamiento. Y se comporta como lo hacen los grandes villanos del cine. De hecho, me recordó mucho a Belloq. Y el redescubrimiento del matrimonio Patata como un elemento más importante que en las dos anteriores, con escenas tan inquietantes como la del crep.

Eso sí, desde ya mismo me declaro fan del mono de los platillos, uno de los mejores (y más inquietantes) personajes que haya creado Pixar.

Si yo fuera niño y viera la película en el cine (y no estuviera más preocupado por tirar las palomitas al suelo, saltar sobre el asiento o sacarme los mocos y pegarlos en el respaldo) sentiría terror. Porque el tramo final de la película es escalofriante. Todas las escenas del vertedero, filmadas con un sentido del ritmo endemoniado, conducen a uno de los momentos más terroríficos de la saga. ¿Puede un niño entender las reacción de los muñecos ante su destino inevitable? ¿Puede comprender los gestos que se producen en ese momento, las emociones que implica? ¿O le queda demasiado lejos? ¿Sentirá menos miedo?

Afortunadamente, la resolución de Toy story 3 es un homenaje a todos los juguetes protagonistas de la saga, y un premio a aquellos que, de chavales, entramos en una sala para ver una película de animación ¡¡¡por ordenador!!! y allí nos quedamos, prendados, enamorados de la historia que todos habíamos soñado, de esos juguetes que cobraban vida a nuestras espaldas y tenían sus propias aventuras. Y que se han hecho mayores con nosotros para, por fin, decirles adiós con un nudo en la garganta.

Kick-Ass, de Matthew Vaughn

2010-06-14T10:13:00.000-07:00

Que un director del talent de Matthew Vaughn (crescut a l'ombra de Guy Ritchie, canviant la Claudia Schiffer per la Madonna) hagi de recórrer a un estudi independent per dur a terme la seva visió del cinema de superherois ens hauria de fer preocupar.

Com ja hem discutit mil vegades (crec que l'última va ser amb Avatar), les productores només hi posen calers si la pel·li ha de contentar tothom. I per contentar tothom entenem defraudar l'espectadora amb un mínim d'esperances en el cinema comercial nordamericà.

Així, Kick-Ass esdevé tota una sorpresa. Respectant la premisa inicial del còmic (i crec que millorant-ne el final, com ja va passar amb Wanted), el film de Vaughn ens ofereix tot allò que se'ns nega en els darrers anys des de Hollywood. Un pas endavant en la forma i els ulls mirant als vuitanta en el fons, quan el que realment importava és que la història fos divertida i entretinguda, i poques vegades es buscaven dobles lectures o missatges més o menys subtils.

A la sala de cinema on vaig anar a veure Kick-Ass hi havia una familia formada per una parella de mitjana edat i un nano d'uns deu anys. En cada escena de masturbació, d'ultraviolència, de renecs en la boca d'una nena (la gran troballa de la peli: Hitgirl), la mare s'anava quedant pàlida. Mirava el seu fill com dient "tu, això, com si no ho haguessis vist/sentit". El nen i el pare reien i reien a cor que vols. I aquí és on rau el mèrit de Kick-Ass: ser una proposta fresca, desenfadada i desengreixant per a qualsevol tipus d'espectador sense complexes.

L'equivalent al Zombieland en el món dels superherois. Un Supersalidos amb lycra de colors.

Crispestes calentes i aplaudiments a la sala.

The Crazies, de Breck Eisner.

2010-05-30T03:28:00.000-07:00

Gente normal que, un buen día, se comporta de forma extraña y se convierten en una amenaza.
Terror en el mid-west, combinando La invasión de los ultracuerpos (aunque sin el grado de paranoia de esta) y cualquier película de zombies/infectados (aunque sin el factor de las mordeduras).
Bien dirigida y con actores más que solventes, a destacar Timothy Olyphant como el sheriff local protagonista.
Firma el guión Scott Kosar, que ya escribió las muy interesantes El Maquinista y el remake de La matanza de Texas 2004. Lo que siempre garantiza set pieces de tensión cresciente (muy bien resueltas por Eisner), mucho cuchillo afilado, y al menos uno de los personajes escondiendose entre cadáveres.

Zombieland, de Ruben Fleischer

2010-02-02T11:53:00.000-08:00

La respuesta americana a los Beatles fueron... ¿los Beach Boys? ¿los Monkees?
No lo sé, nunca lo he tenido muy claro.
Lo que sí tengo por seguro es que la respuesta americana a la británica (y brillante) Shaun of the Dead es Zombieland.
Es decir, aprovechemos que hay una pasa de moda zombie (obviemos que gente que ahora aplaude este tipo de films hace cuatro días los aborrecía) y que en UK han hecho una comedia con muertos vivientes para hacer algo similar aunque con mucho más rock'n roll.
En ese sentido, Zombieland es la respuesta perfecta.
Sin llegar al nivel de la película de Simon Pegg (al fin y al cabo, ese era un film de género que respetaba las coordenadas preestablecidas y sus clichés para darles la vuelta... y este no), Zombieland es una gran y divertidísima road movie con personajes extravagantes que se beneficia de tres factores:

Un sentido del humor fresco y nada encotillado.
Una dirección que sabe lo que quiere y lo que quiere es bueno (la planificación de la película se nos devela como uno de sus puntos fuertes).
Unos actores con química. En especial, el temporalmente recuperado Woody Harrelson y Jesse Eisenberg.

Así, Zombieland es una película de Judd Apatow (pero de las buenas, como Virgen a los 40 o Supersalidos) con zombies, llena de grandes ideas (los nombres propios como Estados de los USA, las reglas de supervivencia herederas de Max Brooks...) y momentos de alto vuelo descacharrante (Bill Murray, vamos).

Zombieland, sin embargo, no está tan lejos de los clásicos como parece.

Al fin y al cabo, si a Romero le quitamos su cabaña perdida en la nada, su centro comercial y su base militar... ¿qué nos queda sino que un gran y abandonado parque de atracciones?

Solomon Kane, de Michael J. Bassett

2010-02-01T11:58:00.000-08:00

Solomon Kane alatristea en su ritmo al pecar de querer contar muchas historias con un débil hilo argumental. Así, se crean algunos inicios (buenos), nudos (correctos) y desenlaces (de toda clase) que, si bien como webisodios darían el pego, al hallarse reunidos en un largometraje solo dan la sensación de coitus interruptus constante, de estar subiendo hacia un clímax que se precipita de golpe para iniciarse otra historia.
Así no hay manera de entrar en la peli, ni aún cuando a la hora de proyección el (super)héroe compone su traje típico (el de peregrino que copió el Van Helsing de Sommers) y parece que la cosa va a más. Y no.
Una lástima que el verdadero Solomon Kane, el cabrón que lucha en África contra pigmeos caníbales y rescata a princesas de pechos voluptuosos (y que aparece en el prólogo con toda una declaración de intenciones: "aquí el único demonio soy yo") se quede en África.
No quiero ver al Kane que quiere resarcirse y que busca la paz en Inglaterra. No he pagado la entrada para ver como durante hora y veinte el tipo que antes fue un gran luchador se niega a combatir y se deja tundar por cuatro skin-heads del siglo XVII.
Acertada la decisión de fichar a James Purefoy, un Hugh Jackman tras veinte años en la cárcel.
Sobre la parte final, un par de apuntes:
Vale que el guión no es lo más importante en este tipo de films. Pero se podrían cuidar los detalles. Así, si Kane lleva diez minutos diciendo que se ha criado en el castillo que quieren asaltar y que sabe como entrar sin hacerlo por la puerta, lo que NO debes hacer es: que entre por una cloaca que los deja a un metro de la puerta (la sensación en el cine era que estaba viendo un remake de Top Secret) y cuando diga en voz alta "yo crecí aquí", que nadie le responda "¿tú has vivido aquí?", porque no parece serio.
Y si no tienes dinero para efectos por ordenador y te está quedando la peli la mar de apañada con cuatro prostéticos, maquillaje y látex a tutiplén (que es uno de los logros de la peli y consigue crear una atmósfera barroca, densa y sucia), si no tienes dinero, digo, no lo inviertas en el peor monstruo creado por cgi que se haya visto en pantalla en mucho tiempo. Un Spore malhecho, que no aporta nada, y al que le faltan un par de renders para dejar de parecer un garabato digital que se queda colgado cada vez que hace un movimiento.
Por lo demás, la peli se deja ver un sábado por la tarde. Lo que no es poco.

2009 Review (y 2)

2010-01-01T11:28:00.000-08:00

Mala memoria la mía. Hago un recopilatorio de pelis que he visto en cine sin escribir reseña posterior y me dejo tres. Pues nada, me lo ventilo en un plis plas y cerramos el año, que ya tengo ganas de hablar de Zombieland (aún calentito el asiento de la sala):

Planet 51. La película de animación que lo invierte todo. El humano pasa a ser el alien en un planeta desconocido, la producción pasa a ser española en la meca del cine. Y sale ganando. Entrañable, divertida y muy muy disfrutable. Su único lastre es esa pequeña obsesión en querer dar un mensaje al público más joven. ¿Realmente es necesario? No es obligatorio hacer pelis de animación con la intención de moralizar. Por lo demás, me lo pasé pipa: desde el diseño de producción (ejemplar) hasta la animación (soberbia), pasando por una panda de personajes carismáticos. A destacar el momento del astronauta recreando películas como T2 o La guerra de las galaxias, lo que genera el pánico entre la población alienígena.

Déjame entrar. De pequeño me leí El pequeño vampiro, del que no conservo ningún recuerdo argumental pero si emocional. Esa posibilidad que un niño y un no muerto se hicieran amigos era tan atractiva como aterradora. Déjame entrar, con su ritmo pausado, su atmósfera gélida, sus personajes al borde del abismo es hipnóticamente terrorífica. Se zampa la moñarrada de Crepúsculo solo con una mirada de la protagonista. Y ese final en la piscina...

500 días juntos. Deliciosa. La historia de un fracaso amoroso contada con frescura y sentido del humor. Él (Joseph Gordon-Levitt) está que se sale en su personaje neowoodyalleniano. Ella (Zooey Deschannel) no está mal, aunque siempre pone la misma cara de lechuga en remojo. Al director (Marc Webb) habrá que seguirle los pasos, porque demuestra flexibilidad y talento. Mezcla de ingredientes y texturas, 500 días juntos va algo más allá que el 90% de comedias románticas que se estrenan. Ese guiño a Han Solo, la música de los Smiths... la música en general, vaya. Un chorraco de buen rollo.

2009 Review

2009-12-30T01:44:00.000-08:00

Año raro, el que se acaba. Empezó muy flojo y ha terminado dejando películas de toda índole. Como no he tenido tiempo (ni a menudo ganas) de hacer un comentario extenso de todas, aquí dejo algunas reflexiones sobre aquellas que fui a ver al cine y de las que no dije nada:

Los sustitutos, de Jonathan Mostow. Sobre una buena idea argumental (los humanos usamos réplicas o avatares a lo James Cameron para nuestro ocio, trabajo o hasta para ir a comprar el pan) se construye este despropósito cuya única gracia es ver a Bruce Willis con peluca rubia. Mal narrada, mal montada y mal dirigida, uno no hace más que lamentarse por el potencial que tenía la historia. Se le ven las costuras por todas partes. Las escenas de acción están puestas como por obligación. Madre mía, qué despropósito.

Garbo, de Edmond Roch . La sorpresa de final de año. Un peculiar documental construido visualmente a base de retazos de películas de los cuarenta sobre la segunda guerra mundial y narrado a través de la voz de la gente que ha investigado su vida... o sus vidas. Lastrado durante la primera parte del film si ya conoces la historia (sobretodo en lo referente a la guerra en sí), la película despega cada vez que se habla de la red de espionaje inventada por Joan Pujol (esa "información" británica creada desde Lisboa). Retrato de un Zelig de carne y huesos.
La búsqueda del verdadero Garbo muchos años después de los hechos y las imágenes de este reencontrándose con militares británicos son de lo más emotivo. Se echa de menos que se hubiera profundizado en su egoismo (ese abandonar a su familia y crear otra sin decir nunca nada a ninguna de las dos) o en los datos que se ofrecen durante los títulos de crédito (suficientemente jugosos como para ser ilustrados y no solo escritos a modo de epílogo).

Moon, de Duncan Jones. Un clásico instantáneo de la ciencia ficción. Una película que aprovecha su bajo presupuesto para hablar de lo que hablan las mejores pelis de sci-fi: dónde reside el alma humana. Clásica, con aroma a los setenta, este cruce entre Alien, Atmósfera Cero y Blade Runner atrapa. La interpretación de Sam Rockwell es memorable. Fascinante.

REC2, de Jaume Balagueró y Paco Plaza. El bodrio del año. Si ya la primera no me convenció, aquí (sin aburrirme, ojo) se les va la mano con la tontuna. Ahora los zombies ya no son zombies, sino demonios. Las referencias cinematográficas (Aliens, El Exorcista...) están incorporadas de forma tan brusca que resultan burdas. Se podría quitar la subtrama de los niños que entran en el edificio (sic) y la película no notaría el cambio. Un churro, vamos.

District 9, de Neill Blonkamp. Y de golpe llega un sudafricano y nos habla del apartheid, de los prejuicios, de la xenofobia y de los encontronazos entre civilizaciones con un cuento de extraterrestres. Salvajemente pulp, divertidísimamente fresca, District 9 es un soplo de aire fresco. Un remake enloquecido de La metamorfosis de Kafka. A menudo se le critica que las dos partes en las que está dividida (una primera de estilo más documental y una segunda de puro shoot'em up marciano) no acaben de encajar. Personalmente, me metí en la historia con ese falso reportaje y luego disfruté como un niño en el festival desenfrenado de referencias cinéfilas y orgía de efectos especiales (y menudos efectos especiales) que es el tramo final. Además, la película no es en absoluto complaciente ni políticamente correcta. Y ese final... ay, ese final...

Terminator Salvation, de McG. Sus detractores dirán lo que quieran, pero ese plano secuencia del accidente inicial del helicóptero, esa guerra contra las máquinas sucia y apocalíptica, ese aroma a serie B (y a películas como Cyborg!!!), ese robaplanos que es Sam Worthington, esas continuas referencias a las dos primeras películas de la saga (el you could be mine, o el si quieres vivir, ven conmigo), ese remake encubierto del Frankenstein de Mary Shelley... vamos, que me emocioné hasta el punto de soltar una lagrimilla en la última escena.Si estais leyendo esto, sois la Resistencia...

Avatar, de James Cameron

2009-12-21T13:56:00.000-08:00

Quizás a estas alturas ya habeis leído u oído muchas opiniones sobre Avatar. Desde críticas más pormenorizadas a comentarios de algún compañero de trabajo.

Incluso puede que hayais visto la película.

Así que no os voy a dar el coñazo. No voy a repasar la carrera de Cameron (que sería algo estúpido) ni voy a dedicarle unas cuantas líneas definiéndolo como un director clasicista en la vanguardia de la tecnología.

Porque tres horas de película impecablemente facturada me han dejado frío.

Técnicamente, Avatar es perfecta. En ningún momento te da la sensación de estar viendo efectos especiales, sino algo real. Ese es su gran (muy gran, por lo que representa en salto cualitativo en el cine) logro. Puede que no tan visible como lo fue el T1000 de T2, pero seguramente un avance notable en los fx.

Argumentalmente, Avatar es un churro. Una plantilla de word. No es solo que hayamos visto mil y una veces la película (como tantas y tantas otras, porque al fin y al cabo no hay nada nuevo bajo el sol, tan solo la forma de contarlo), es que uno podría jugar a adelantarse a los diálogos y las escenas, propias del esfuerzo creativo de un niño de cuatro años. Teniendo en cuenta que Avatar lleva doce en producción, temo por el estado psiquiátrico de ese chiquillo.

Sin ser ofensiva (peor eran La Cagalera de Cristal o La Nenaza Fantasma, del desquiciado Lucas), con destellos de alguien que sabe hacer cine, Avatar produce al principio curiosidad, después resignación y finalmente cierta vergüenza ajena al reconocer los tics new age que pensábamos que Cameron había desterrado con Abyss, aquí elevados hasta la incredulidad, con momentos a la altura de las fiestas Ewok de El retorno del Jedi (quizá algunos de los momentos más bochornosos de la historia del cine).

La banda sonora de James Horner provoca estupor. Y punto.

No lo he pasado mal viendo Avatar, ojo. Me ha entretenido. Con todos sus peros. Con todo lo kitsch que sabe llegar a ser. Y tiene escenas de un kitsch empalagador.

Y ahora, algunas comparaciones y sumas graciosas que podeis twittear citando la fuente y recomendando mis novelas:

Pocahontas + Los Pitufos + Un tienda de los chinos = Avatar
Avatar tiene la originalidad, la estética y la alegria en los colores de un catálogo del Toys'r Us.
Bailando con Lobos + El retorno del Jedi + Ibrahimovic cianótico = Avatar
Avatar es un especial de Navidad de Los Pitufos.
Q-Zar + Happy Meal + Greenpeace = Avatar

PS. Ah, por mi ya pueden parar de proyectar films en 3d. Ya vale con la gracia. Aunque sea, junto a UP, la película que más ha sabido aprovecharlo hasta el momento, no es que me aporte mucho, la verdad.
PS2. Disculpen la dilatación entre post y post. Estoy terminado mi nueva novela y debo robarle tiempo al blog.

La culpa es mía (y bien mía)

2009-10-22T11:18:00.001-07:00

Lectores, amigos y otros futuros horticultores de gusanos cadavéricos, me place comunicarles que aquí un servidor de ustedes, el Doctor, ha realizado el videoclip del último single de Sergio Makaroff, La culpa es mía, perteneciente al álbum Número Uno (un discazo).

Próximamente seguiremos con más comentarios cinéfilos (tengo en la recámara la maravillosa Moon, la entusiasmante District 9, la sorprendente Terminator Salvation y la cagarruta REC2). Ahora, de momento, siéntense y disfruten (si les gusta) del video.

La culpa es mía - Sergio Makaroff (Número Uno) from Marc on Vimeo.

Infectados (Carriers) de Álex & David Pastor

2009-10-17T00:22:00.000-07:00

El mayor riesgo que puede afrontar Infectados son las expectativas del público que pague la entrada. Tras una campaña promocional enfocada hacia el terror en su vertiente más zombiesca, el espectador se encontrará con un film diferente a lo que los trailers habían vendido.

Todo depende de la predisposición de aquel que se siente cómodamente en la butaca y acepte o no jugar a un juego diferente.

Un juego cruel, duro y más exigente que el que nos vendieron en la tienda.

Infectados es un peliculón de inicio a fin. Los hermanos Pastor nos meten de lleno en una historia apocalíptica sin más explicaciones ni preámbulos que nuestros propios temores. Como en La noche de los muertos vivientes, no necesitan crear antecedentes ni razonar el origen de una plaga que está asolando la humanidad: los personajes ya viven (y conviven y mueren) en ella.

Lo que vamos a presenciar es una historia aislada dentro de una gran Historia que se nos muestra lejana, que podemos componer indirectamente a través de conversaciones y escenarios, de detalles como los carteles en gasolineras e institutos abandonados. No hay televisiones ofreciendo las causas. A lo sumo, un predicador radiofónico que es la prueba viviente (y muriente) que todos estamos condenados. Todo el mundo muere, como dice uno de los personajes del film al inicio.

De pequeño leí La danza de la muerte, de Stephen King. De hecho, es la única novela que me ha producido pesadillas realmente aterradoras. Viendo Infectados, podría bien tratarse de una historia paralela a aquella, un spin off autónomo y sólido, tan desgarrador como la novela de King. No es baladí que el maestro del horror (maestro al menos en sus buenos años, de finales de los setenta a mediados de los ochenta) recomiende ahora fervientemente Infectados. Lo que no es poco.

Pero los hermanos Pastor no se quedan ahí. Han visto cine, y mucho. Y eso se nota en la película. Mad Max, de George Miller, era un western futurista ambientado en un mundo donde la gasolina escaseaba y las bandas de criminales pirateaban por carreteras interminables. Max Rockatansky (antes de convertirse en el nuevo héroe que Tina Turner necesitaba) era el policía/vaquero que primero combatía los locos del canonball y luego montaba en cólera (ese plano del zapato del niño rebotando sobre el asfalto) para iniciar una furiosa venganza. En el inicio de Infectados, el coche robado que conduce el cuarteto protagonista lleva pintado en su capó Road Warrior, que era el mote del personaje de Gibson en la trilogía australiana. Una simple pincelada que nos define el mundo en que nos han metido: un lugar apocalíptico, sembrado de larguísimas lenguas de asfalto, pero a la vez consciente de su ligamen con un mundo real, anterior, que se resisten a perder.

Y he remarcado lo de coche robado porque ese es otro de los aciertos del film. Los protagonistas no son perfectos americanos dispuestos a salvar el mundo. El personajes de Chris Pine (Kirk, en Star Trek, ojo) es un impresentable, el típico gilipollas que nos haría cambiar de acera si nos cruzáramos con él en un callejón oscuro. Así, Infectados desprecia (afortunadamente) el perfil mainstream en el que podría haber caído con un protagonista guapo y buena persona sufriendo por salvar a los suyos y, por extensión, a América. A cambio, nos ofrece un punto de vista diferente y nos plantea ciertos dilemas y puntos de inflexión a través de la dialéctica con su hermano menor, más reservado, en principio más inocente y solidario. Cualidades que se muestran inútiles en un mundo egoista devastado por la pandemia. ¿Qué haríamos nosotros en su situación? ¿cómo reaccionaríamos?

Resulta curioso que el primer largo de los hermanos Pastor sea una road movie sobre dos hermanos y su relación entre ellos. Que los personajes estén tan bien construidos, para ser una ópera prima (aunque Álex ya demostró un talento descomunal con su corto Larutanatural, y me queda por ver Orson, de David), y la historia tenga una idea tan clara de donde viene y a donde va no deja de ser una carta de presentación perfecta y una promesa de futuro esperanzadora.

Un futuro esperanzador que es el que no tienen los protagonistas de Infectados. Porque olvidaos de zombies, de criaturas hambrientas de sangre y de disparos a la cabeza. Los Pastor dejan las cosas muy claras: vivimos en un mundo que requiere sacrificios, y solo nosotros decidimos si vivimos y morimos solos.

El Doctor, flanqueado por Álex y David Pastor.

Malditos Bastardos, de Quentin Tarantino

2009-09-24T10:41:00.000-07:00

Quentin Tarantino parece cada vez más incapaz de centrarse.

De todas sus películas, quizá son Reservoir Dogs y Jackie Brown las únicas dos que pueden ser considerados largometrajes. El resto, de Pulp Fiction a Malditos Bastardos, pasando por Kill Bill, no dejan de ser magistrales cortometrajes yuxtapuestos en un proyecto común. Incluso su corto para Four Rooms era lo mejor (o lo único salvable) de aquel film. Incluso su episodio para Urgencias era muy divertido.

Bueno, también está Death Proof, pero ese es el único tropiezo de QT hasta el momento,

Así, hay que afrontar Malditos Bastardos no tanto como un largo, sino como una miniserie de cinco episodios en pantalla grande. El arco argumental es común, pero los caminos para hacerlo avanzar y la forma de narrarlos es dispar.

Como en todas las películas por episodios, pues, en Malditos Bastardos hay descompensación e irregularidad, con algunos fragmentos soberbios y otros más flojos. El resultado final, sin embargo, es majestuoso. No una obra maestra como muchos quieren ver (al menos a mi parecer, y soy un fervoroso entusiasta de QT), sino una muy buena película extremadamente personal.

Sabíamos que uno de los rasgos distintivos de QT es sincretizar todos sus conocimientos sobre cine (y cultura pop en general) y sublimarlos en su propia visión capaz de cruzar longitudinalmente todo tipo de géneros y texturas.

Los que llevamos esperando más de diez años el famoso proyecto sobre la segunda guerra mundial (aún recuerdo cuando en Sitges aseguró que acababa de terminar el guión en el avión) habíamos hecho millones de conjeturas sobre su posible argumento y deriva. Debo reconocer que esperaba algo más parecido a Doce del Patíbulo o Los violentos de Kelly. Expectativas. Algo que QT se place en destrozar. Lástima. Su versión de esos clásicos dista mucho de la que me había hecho yo (y aquí me hago un poco de autobombo y recomiendo la novela Montecristo, qué demonios, con otro tipo de malditos bastardos matando nazis por Europa.)

Con Malditos Bastardos, QT realiza una mixtura a priori improbable entre el western, el género bélico y el suspense. Equipara su banda de judíos arrancacabelleras con los apaches y, por tanto, pone al mismo nivel los vaqueros y los nazis.

Lo malo, que los malditos bastardos del título son una mera anécdota de fondo. Personajes casi sin relevancia en el contexto del film, de los que solo conocemos a Aldo Raine (esporádico Brad Pitt imitando estupendamente el acento sureño), Oso Judío (Eli Roth, transplantando su delirio hostelíaco al mundo tarantiniano) y Hugo Stiglitz (Til Schweiger, impresionante con la boca cerrada). Su protagonismo se limita al fragmento que lleva el título de la película, excelentemente ejecutado, pero que a la larga queda descontextualizado (el bate de Oso Judío, por ejemplo, está sobredimensionado teniendo en cuenta que no vuelve a aparecer ni siquiera mencionado). Protagonizan algunos de ellos también el memorable capítulo de la taberna (que recuerda muchísimo algunos pasajes de El desafío de las águilas) y poco más. Su protagonismo se reparte con la que sería la historia principal, la de la niña que crece ansiosa de venganza contra los nazis, tema central en el mundo tarantiniano, como pudimos comprobar con Kill Bill, sin ir más lejos.

El almodovariano tercer episodio, cuyo peso recae en Daniel Brühl, es quizá el más flojo. Cierto es que tiene algunas secuencias notables, pero el tono general es de languidez y bajón de ritmo alarmante. Su historia se soluciona de forma harto brillante en el quinto capítulo, pero me temo que este pasaje central lastra algo el ritmo del film.

QT vuelve absolutamente translúcidas todas sus fílias en Malditos Bastardos. Homenajes nada encubiertos a Centauros del desierto y Ser o no ser, ese inicio a lo Hasta que llegó su hora o un final directamente sacado de El precio del poder. De hecho, QT ha realizado su película más DePalma hasta la fecha, por el constante uso de la tensión y un manejo del travelling que el realizador de Doble Cuerpo firmaría encantado.

También está allí la peculiar selección musical, una banda sonora confeccionada a base de retazos de otros films (sobretodo Morricone, lo que no esconde su volutarioso afán de spaghetti western).

Y obviamente, después del desencanto que fue escuchar aquella sarta de sandeces intrascendentes de niñatas calentorras en Death Proof, QT vuelve a la carga con diálogos fuertes y poderosos, capaces de mantener una sola escena en base a la palabra por encima de la imagen. Solo un escritor portentoso como QT puede sostener alargar una secuencia hasta la saciedad para hacerla pivotar alrededor de las conversaciones entre los personajes protagonistas. La palabra como motor que arranca la acción, la desarrolla y la precipita hacia un final cerrado, elevando los capítulos a pequeñas obras de teatro autónomas dentro de una gran función.

Y claro, si alguien sale ganando en todas las escenas en las que aparece ese es el Hans Landa, el maquiavélico oficial de las SS magníficamente interpretado por Christopher Waltz. Un personaje que es un caramelo para cualquier actor, pero que este lo exprime al máximo para hacerlo ingresar en el club de los mayores villanos de la historia del cine. Sub presencia amenazadoramente plácida, su paladeo de cada palabra, su versatilidad en diferentes idiomas y su nada acomplejada ambigüedad remiten a esas interpretaciones de nazis aristocráticos nacidos de la pluma de Alistair MacLean.

Malditos Bastardos casi no tiene exteriores, y los que tiene están bastante desaprovechados (callejones tortuosos y claros en el bosque); no es ni película bélica ni drama de acción ni algo encajable en género alguno. No hay tanques ni aviones. No hay combates. La mayor parte de acontecimientos importantes suceden fuera de plano. No siente el más mínimo respeto por el rigor histórico. No hay humor en su violencia, ni distanciamiento irónico. Y sin embargo es una película divertida, fresca, que trenza sus dos horas y cuarenta minutos en un suspiro. Y QT se lo pasa en grande ofreciendo enormes momentos de cine, escenas inborrables en la retina del espectador. Un homenaje al séptimo arte en toda regla.

Ah, y como no, Tarantino no se olvida de incluir el imprescindible y fetichista primer plano de pies femeninos desnudos...

San Valentín Sangriento 3D, de... esto... Patrick Lussier

2009-09-17T08:12:00.000-07:00

San Valentín Sangriento 3D no engaña a nadie. Da lo que ofrece, ni más ni menos. Con sus virtudes y sus defectos. Lamentablemente, predominan los segundos sobre los primeros, pero tampoco esperábamos una obra maestra. Ni siquiera una buena película.

Al fin y al cabo, San Valentín Sangriento es otro slasher más, con el plus de la tridimensionalidad. La enésima vuelta de tuerca al asesino en serie de pueblecito apacible norteamericano envuelto en una carcasa de volúmenes que en teoría traspasan la pantalla. El cine de terror siempre ha sentido fascinación por el 3D. De Los crímenes del museo de cera a La pesadilla final de Freddy Kruger. Ahora que la tecnología ha evolucionado a mejor, ¿por qué no aprovecharlo?

En el caso de SVS3D, la pregunta sería más adecuada ¿por qué no desaprovecharlo?

Porque al fin y al cabo la tercera dimensión solo se usa para abusar del plano del pico amenazando al espectador. Y ni siquiera eso, porque a pesar de conseguir una buena profundidad de campo, nunca se logra el efecto de traspasar la pantalla. Y si la primera vez que el minero amenaza al espectador tiene cierta gracia, la cosa va perdiendo en su decimonovena aparición.

El 3D luce en las panorámicas abiertas y diáfanas, los grandes espacios iluminados y la luz de niebla en bosques inquietantes. Pero en platós y escenarios cerrados, oscuros y pequeños es cuando uno tiene la percepción que es una herramienta inservible o que incluso llega a molestar si se trata de seguir la narración. Por fortuna nos hallamos ante un film que casi no tiene narración. La historia del minero que se vuelve tarumba y pasa a medio pueblo por la piedra (o por el pico), muere y vuelve diez años más tardes para seguir matando no es un prodigio de originalidad. De hecho, me recordaba al relato principal de Los hombres topo quieren tus ojos, aunque un poco vagamente, por ese ambiente pulp de ciudad minera con amenaza asesina escondida en la sombra.

El gran problema de SVS3D no son las mediocres interpretaciones, su trillado argumento o las situaciones ya vividas, pues. El mayor problema es la reiteración en el acto del homicidio, siempre siguiendo el mismo esquema: víctima sola en ambiente oscuro, minero que aparece sopetón, pico hundido en la cabeza del pobre infeliz. Salvo una notoria excepción al inicio del film (con una pala y una cabeza deslizante), todas las ejecuciones responden al mismo y cansino patrón.

Por otra parte, SVS3D es disfrutable (dentro de su mediocridad) solo entiéndola como una parodia del género. Aquí sí, incluso involuntariamente, SVS3D acepta e integra todos los clichés del slasher de forma tan académica que resulta risible. Sigue las pautas descritas por Scream y acaba siendo incluso más divertida que la saga Scary Movie. No es difícil, claro está.

Se agradece, sin embargo, una notable voluntad por hacer un film especialmente sangriento (como reza el título) y no apto para estómagos adocenados por el slasher light y bajo en calorías a que el cine para adolescentes nos había acostumbrado en los últimos años. La escena del motel, con un prolongado desnudo femenino en tres dimensiones, quizá resulte ser el set piece que acabe quedando en el recuerdo del espectador como lo más destacado de un film prescindible, mediocre y, con todo, simpático.

Enemigos públicos, de Michael Mann

2009-08-21T00:32:00.000-07:00

Michael Mann debe ser un robot sin emociones.
De lo contrario, no se explica que sus películas carezcan de sentimiento. Plásticamente impecables, los films de Mann no transmiten ninguna emoción. Si les pinchas, no sangran. Los comportamientos humanos se acercan a los del cliché más puro, y cuando intenta conmover, solo se queda en la superficie.
Enemigos públicos no es la excepción. Y ese es el principal defecto del biopic sobre John Dilinger. Cuando debería involucrarnos sentimentalmente, nos deja fríos como espectadores.
Y aún y así he disfrutado de unos fugaces ciento cuarenta minutos de película de gángsters al viejo estilo. Sí, lo confieso: siento atracción por el sonido y la imagen de una tommy gun en pantalla, me deleito en los atracos perpretados por gente con abrigo largo y sombrero de ala. Y Mann se regodea en ello.
Enemigos públicos es una película sobre una época, sobre un estilo de vida y, en menor medida sobre la creación de un mito. Los personajes principales, el atracador John Dillinger y su perseguidor Melvin Purvis están descritos en la escena inicial de cada uno. El primero como alguien con un mínimo de valores muy rígidos que confía en los suyos; el segundo como un cazador sin escrúpulos y arribista que ve la oportunidad de ascender con una presa mayor.
Y hasta aquí la psicología de los personajes. Lo demás son atracos, emboscadas, fugas, investigaciones y tiroteos rodados con una sobriedad ejemplar, que deja no solo un puñado de cadáveres a lo largo de la proyección sino un montón de escenas memorables (por ejemplo, cada vez que aparece Baby Nelson en pantalla).
El ritmo de Enemigos públicos es pausado pero no concede tregua. Tan solo la historia de amor, algo vacía, hace cojear una de las tramas menos interesante y, a la postre, más fallidas del film.
No me acabó de gusta el uso de cámaras de alta definición para el rodaje de Enemigos públicos. No creo que sea el lenguaje que esta película necesita, como sí podía ocurrir con Corrupción en Miami. Aquí se echa un poco de menos esa textura que sí tenía Los intocables de Brian de Palma, quizá el referente más directo de Enemigos públicos (si ignoramos esa patraña que filmó con el título de La Dalia Negra).
Christian Bale está en su habitual registro de caradepalo inmutable, y Johnny Depp johnydeppea durante todo el metraje.
Hay elementos de la historia de Dilinger desaprovechados (su ascensión a celebridad del pueblo, a pesar de ser un asesino) en virtud de una narración lineal en la que destacan por sí solas set pieces como la de la fuga de la casa vigilada por el ejército, la emboscada en la casa del bosque o la brutal incursión a pie en el despacho de los federales.
Así que, seguramente, Enemigos públicos se dará un castañazo en taquilla cuando el boca oreja empiece a correr la voz que es aburrida. Lástima. Por mi parte, me habré pasado dos horas y veinte viendo a gangsters pasándoselo (y haciéndomelo pasar) en grande.
Como en los viejos tiempos.

Asalto al tren (Penhalm 123), de Tony Scott

2009-08-20T02:52:00.000-07:00

Asalto al tren, Penhalm 123 es una película que ya hemos visto mil veces antes. Y no tan solo porque se trate un remake del film del mismo nombre de Joseph Sargent. Asalto al tren es la típica película de rehenes con negociador de por medio. Por mucho que se empeñe Tony Scott en darle ritmo con su habitual montaje asincopado y su fotografía saturada.
Con una excusa argumental trillada, con el telón de fondo de Nueva York (que se pretende otro personaje más, pero acaba siendo igual de irrelevante que todo el resto), Asalto al tren se deja ver de principio a fin a pesar de ser previsible. No molesta pero tampoco entusiasma. Es perfecta para un deuvedé del sábado por la noche.
Eso sí, y como es de esperar, Travolta sigue poniendo la cara de loco que usa para todos sus villanos y Denzel Washington interpreta a Denzel Washington.
Al personaje de éste le han intentado colocar un pequeño lado oscuro que queda soterrado enseguida por todo tipo de justificaciones y por una fuerza moral solo exigible a los roles que elige el senyor Washington.
Hace una semana que vi la película y solo recuerdo a Travolta chillando en un vagón de metro. Creo que con esto está todo dicho.

Up, de Pete Docter (pero de Pixar en general, para qué engañarnos)

2009-08-08T04:26:00.001-07:00

No me andaré por las ramas ni me subiré en una casa atada a globos.
Que Pixar había alcanzado cotas técnicas elevadísimas era algo que ya sabíamos de antemano. Que Wall-E era una disección magistral de los sentimientos más inocentes quedó patente el año pasado.

¿Qué podía aportar la historia de un anciano que se embarca en un viaje con su casa atada a un puñado de globos?
Up es un dardo en el alma. La aventura soñada.
Divida en dos secciones claramente diferenciadas (como en Wall-E, en lo que empieza a ser un sello propio de plantear dos películas diferentes en una), Up envuelve al espectador de principio a fin.
Es imposible no emocionarse con esos primeros quince minutos, una lección de cómo hacer CINE con mayúsculas. Pete Docter y los chicos de Pixar se permiten el lujo de narrar la vida de alguien desde la infancia hasta la vejez con pocas palabras y concisión de imágenes. En diez minutos, la película te ha robado el corazón. Pero esos minutos no oscurecen el resto del metraje, sino al contrario, lo hacen más grande, bigger than life, inmenso y emocionante.

Prefiero no desvelar mucho sobre el argumento, que incluye perros parlanchines y pájaros esmuñidizos (una suerte de Correcaminos que el Coyote lleva años intentando cazar). La fotografía es soberbia, cuando no hipnótica, y el uso de la maravillosa banda sonora de Giachino es ejemplar.
Up nos sube al zeppelín Spirit of Adventure y nos anima a acompañarles en este periplo a los sueños. Reiremos con los canes, sufriremos vértigo en las alas de un aeroplano y lucharemos con espadas junto a Kirk Douglas y Spencer Tracy.
Pero recordad: los sueños solo son la meta. La aventura es vivir el camino hasta llegar a ellos.

Los de Pixar parece que han encontrado el sendero a seguir.
Yo pienso acompañarles, ocultando las lágrimas de emoción tras las gafas 3D en la oscuridad del cine, cogiendo de la mano a mi pareja y sintiéndome afortunado.

La última casa a la izquierda, de Denis Iliadis

2009-07-20T04:38:00.000-07:00

¿Cuál es la frontera entre un dramón de sobremesa y una película de horror? ¿La cantidad de hemoglobina utilizada en el rodaje?

La última casa a la izquierda, el penúltimo remake de una película de miedo/culto de los setenta, queda suspendida en el filo de esa pregunta.
La matanza de Texas (Marcus Nispel, 2004) reproducía con fidelidad la original pero aportaba algo impercetible pero valioso, una especie de actualización sana (por muy irónico que parezca el uso de esta palabra), de recreación postmoderna del horror. Las colinas tienen ojos (Alexandre Aja, 2007) multiplicaba la versión de Craven y la reconvertía a un macabro cuento de descenso a los infiernos mucho mejor de lo que el maestro del terror pudiera soñar en su día. Halloween (Rob zombie, 2008), con todos sus defectos, acertaba en esos pasajes de un Michael Meyers aún niño, con lo que quedaba aún más marcada esa perversión solo intuida en el original, ese binomio infancia/crueldad.

Uy, ¿cuánto hace que no lavan la ventana?

La última casa a la izquierda, ¿dónde queda?

En tierra de nadie, principalmente por la total falta de personalidad de su director, Denis Iliadis, incapaz de imprimir su sello personal, si lo tiene, sobre la pantalla.
Porque solo por esa indefinición autoral se entiende que la película peque de una falta interna de coherencia en mayúsculas. Solo por eso asistimos a dos películas en una: la historia realista de violencia y la más tópica y estereotipada, filmadas de manera tan diferente que se diría que son dos capítulos realizados por dos personas distintas.
Sin ser una mala película, La última casa a la izquierda se trata de un film fallido.

La primera parte, la que debe servir de presentación de personajes, se alarga hasta aproximadamente la mitad de la proyección. Si bien hay momentos dignos de recordar (el secuestro en el motel, con reminiscencias a Los renegados del diablo) y algunos impactos gratuitos (la escena de la violación, alargada innecesariamente), lo predominante es un tono seco, lejos de artificios visuales, con predominio de la cámara fija y el plano medio, y un especial interés en querer profundizar en la naturaleza psicológica de los protagonistas.

El loco, el líder, el hijo no creíble y la loca anoréxica.

Por aquí flaquean los maluzos, algo enclenques como personajes de entidad, en los límites de lo sobado y lo triste.

La segunda, que al fin y al cabo es la que estaba esperando y por la que había pagado el precio de la entrada, se resuelve con prontitud y de forma poco climática. En ella encontramos lo más interesante del film: esa conversión del matrimonio bueno en los malos de la película. Esos personajes inocentes que devendrán los asesinos que persigan a sus víctimas, la familia matarile arriba mencionada.

Llevo mil años haciendo cine y nadie sabe mi nombre

Pero parece que todos los recursos de dureza emocional y física que Iliadis había empleado para la primera parte, se le han gastado en esta. Un cuento de venganza y sadismo se convierte en un ramplón telefilm cargado de planos previsibles, movimientos predecibles y arquetipos gastadísimos. Las muertes, que deberían ser catárticas, se resuelven o de forma funcionarial (ahí está el simple disparo sobre la chica de ojos besugo) o en una línea próxima al cartoon (atención al uso del microondas al final, otra salida de tono más sobre el resto de la película). Si bien es cierto que hay detalles recomfortantes, la mayor parte de los cuales vienen de hacer hincapié en la relación de complicidad entre el matrimonio protagonista. El asesinato en la cocina, por ejemplo, o la ascensión por las escaleras hasta el cuarto de los malos, son dos de los momentos más conseguidos del film.

Lake ends in the road, en castellà: Prohibido el paso, camino sin salida

Por lo demás, La última casa a la izquierda bien podría tratarse de un telefilm de sobremesa del domingo, de no ser por un exceso de violencia y sadismo, ingredientes al parecer imprescindibles para justificar cualquier exhumación del terror setentero. Solo que, en esta ocasión, se han olvidado que debía hacer miedo.

Brüno, de Larry Charles i Sacha Baron Cohen

2009-07-13T00:40:00.000-07:00

Como quiera que sea que resulta inevitable empezar con una comparación respecto al último film de Sacha Baron Cohen, Borat, iremos al grano:

La película sobre el reportero de Kazajistán parecía más espontánia, menos falsificada y con las situaciones más naturales que la presente sobre el reportero de moda austríaco. En Brüno, la sospecha de pasteleo de escenas es mucho mayor.

¿Es eso intrínsecamente malo?

Teniendo en cuenta que Sacha Baron Cohen ha crecido en popularidad desde el estreno de Borat, se entiende que aumente la dificultad de actuar de forma infiltrada de la misma manera en que lo hacía antes. Aún y así, su capacidad para encontrar gente con sentido del humor que ni sabe de la existencia del cómico judío ni entenderá nunca dónde está la gracia de sus chistes es algo que juega a su favor.

Pero, ¿es divertida Brüno?

Leídas algunas críticas, me daba miedo encontrarme ante un cañardo. El tropiezo de un actor encumbrado.

Una vez superada la reticencia surgida de esa confusión realidad/ficción, y aceptada la película como lo que es (una comedia burra, una bufonada descomunal, con especial incidencia para poner el dedo en la/s llaga/s más abiertas de la sociedad estadounidense), Brüno es una obra excelente, divertidísima. Descacharrante. De lágrimas en los ojos y mandíbula dolorida. La sala de cine en la que la vi estaba llena hasta los topes, y no solo se estuvo riendo durante toda la proyección, sino que además prorrumpía en aplausos en los momentos cumbres del film. No sé ustedes, pero un servidor no asistía a tanto entusiasmo en una sesión de domingo por la tarde desde hace mucho tiempo.

¿Por qué?

Sacha Baron Cohen, reconozcámoslo, es un genio del humor. Tiene la presencia, el ingenio y la capacidad para dominar todos los resortes de la comedia. Y lo lleva al extremo. Crea un personaje sobre el que proyectarse (y a la vez escudarse). Ya sea Borat (racista, misógino, homófobo, ignorante, analfabeto, orgulloso de su vulgaridad) o Brüno (el contrapunto, igual de inculto, pero representante de todo lo que Borat odia), se ofrece como objeto de las críticas de una sociedad sin sentido del humor, y a la vez ejerce de catalizador de ellas.

Brüno es extrema en todos los sentidos. Concebida como una sucesión de gags con un mínimo hilo argumental (el reportero es despedido de su programa de moda, cae en desgracia y quiere volver a ser über-famoso), sigue un sendero por los estamentos más conservadores de Estados Unidos, provocándolos, estirándolos, tensando la cuerda hasta el máximo, hasta el riesgo de su propia integridad física. Los desfiles de modelos, el ejército, los famosos con alma de beneficiencia, el conflicto de Oriente Medio, los cazadores, los intercambios de parejas, los programas de testigos, la lucha libre... Baron Cohen no deja títere con cabeza, si bien es verdad que algunas de las set pieces funcionan mucho mejor que otras, y la mayoría están guionizadas en su tronco central. La gran multitud de objetivos, pero hace que la película tenga un ritmo endiablado y no adolezca en ningún momento de bajones de intensidad.

Además, plantea preguntas más que interesantes. ¿Hasta qué punto es lícito hacer humor con TODO? Así, el punto más sensible de la película es su pasaje por el conflicto israelo-palestino. Baron Cohen aprovecha de las ansias de cada comunidad de hacerse eco de su mensaje para dejar en ridículo a ambos. Introduce el humor para relativizar, para igualar a los bandos en la ridiculización. Luego muestra no solo una gran capacidad de trabajo de producción al conseguir una entrevista con un líder terrorista, sino una enorme valentía al plantearle preguntas y sugerencias que en la vida el hombre se hubiera imaginado que le iban a soltar. ¿Consigue algo Baron Cohen a parte de hacernos reir con estos gags trampa? Creo que sí. ¿Es un tema delicado sobre el que no debería hacerse humor? El debate está abierto (o no, que a mi me da igual), pero encontré una ventana abierta que no se había explorado antes.

Al fin y al cabo, Brüno es una película de chistes sobre maricas y nazis. Me sorprendió muy gratamente el enorme número de referencias a, por ejemplo, Hitler y el nazismo, desde la óptica naïf e inocentemente vil de Brüno. Sobre los gays, Baron Cohen coge todos los estereotipos habidos y por haber y los lleva al extremo. Y una vez los ha situado allí, los echa en cara a la gente. Memorable son los segundos de silencio incómodo durante la fogata noctura de los cazadores.

No me apetece recordar aquí los sketches de Brüno. Bueno, miento. Sí me apetece. Pero prefiero que sean ustedes quienes descubran las sorpresas que la película esconde tras cada burrada nueva. Son muchas. Muchísimas. Y la sonrisa vuelve a los labios cada vez que el recuerdo de alguna de ellas vuelve a tu cabeza. Brüno tiene al menos diez momentos antológicos de pura comedia. Pero comedia poco común. De la absolutamente transgresora. De la que se marca a fuego. De la que, en definitiva, solo los grandes pueden llegar a construir.

Y solo un grande como Sacha Baron Cohen puede hacer esa última set-piece, rodeado de amigos antaño poderosos. Cuando escuchen y tarareen la canción, reflexionen. ¿Son los artistas famosos quienes dan prestigio a Baron Cohen, o ha llegado ya el momento en que son ellos quienes salen favorecidos de reunirse con el Último Gran Talento Cómico?

PS. Qué demonios. ¡Recordemos escenas!
Ese test screening gritando ¡Brüno!
La entrevista con el terrorista y la frase: Vuestro Rey Osama es como un Santa Claus mendigo.
Las caras de asco del público de la lucha libre cuando empieza el espectáculo gay de Dave el Hetero.
El traje de Velcro.
Paula Abdul y las sillas humanas mejicanas.
OJ, el niño afroamericano de un país llamado África.
La mamada via medium a Milli, de Milli y Vanilli...

Star Trek, de JJ Abrams

2009-06-15T10:38:00.000-07:00

Como quiera que sea que soy auténtico devoto de Lost y un fan absoluto de Alias, a JJ Abrams le exijo el máximo en su carrera cinematográfica.

Lástima que sea uno de los tipos más sobrevalorados del Hollywood actual.

Y con ello no le pretendo quitar mérito. Gran reciclador de ideas, argumentos y recursos narrativos, Abrams ha dado un vuelco a la televisión actual. En el caso de Perdidos, creo que el mérito es más de Lieber y Lindelof, que han estado al pie del cañón mientras nuestro nerd favorito ha ido poniendo el nombre.

Como director, MI:3 era una película de puro entretenimiento al más fiel estilo Alias. Como productor, Monstruoso decían que revolucionaba el cine de monstruos (pero a mi solo le revolucionaba el estómago).

Su primer gran reto, retomar la saga Star Trek y convertirla en un producto mainstream no exclusivo para trekkies, era todo un desafío.

Abrams sale airoso de la contienda, pero con matices.

Star Trek sigue la senda abierta por Batman Begins de revisitar viejos clásicos y actualizarlos desde el inicio, adaptándolos al público actual y dándoles nuevos significados. La gran mayoría de estas revisitaciones han sido exitosas (la ya citada del hombre murciélago, o la fabulosa Casino Royale), aunque no se pueda decir lo mismo de sus continuaciones, que se debaten entre un tono pedante y la cutrez (sirvan los mismos ejemplos anteriores, respectivamente).

Así, Abrams tenía un camino abierto. Difícil, pero con señales que indicaban la dirección correcta. Y le ha ido bien.

Para empezar, el cásting es un acierto. Desde este clon de Brad Pitt cabezón que es Chris Pine como el mujeriego capitán Kirk hasta el mimético Spock de Zachary Quinto (quizá la mejor interpretación de la película), pasando por el siempre soberbio y desconcertante Karl Urban o el emergente Anton Yelchin (Kyle Reese en Terminator Salvation). Los personajes no quedan ridículos en sus trajecitos trekkie, son creíbles en la medida de lo posible y respetan las actuaciones del reparto original con gestos y movimientos calcados (lo de Kirk es gracioso, pero lo de Urban es de un inquietante que tira de espaldas).

Vale, Eric Bana está ahí para aparentar, pobrecico, con lo que prometía. Y su nave minera es un chusco. Pero dentro del conjunto se le puede perdonar.

¿El argumento? Algo irregular y dilatado, la preparación para convertirse en miembros de la Enterprise y su primera misión que ya hace peligrar la Tierra está algo estirado, y el film se alarga hasta llegar a un clímax demasiado Bondiano, en el sentido de destrucción de cuartel general del villano de turno. Por el camino, viajes temporales, paradojas que se rompen, peleas, tiros, naves espaciales... todo lo que se le puede pedir a una soap opera y que no se le exigía hasta el momento a Star Trek.

Claro que el Star Trek de Abrams está más cerca de Star Wars que de la serie creada por Gene Roddenberry, en concepción argumental (ese deber moral heredado via paterna) y en aparatosidad visual. El tramo de film que sucede en esa luna helada recuerda mucho (pero mucho, mucho) al inicio de El imperio contraataca y las peripecias de Luke en la cueva del planeta Hoth.

Hay set pieces escalofriantes, como la pelea en la plataforma perforadora tras un aterrizaje en paracaídas; y algunas de vergüenza ajena, como la alergia en las manos de Kirk, que si bien no molesta, es algo infantiloide para el tono que pretende el film.

Y algo que no entiendo. Se crítica a Michael Bay su estilo asincopado y celeroso, pero el Star Trek de Abrams parece haberlo fichado para filmar con la segunda unidad. ¿Podremos los fans de Bay reivindicarlo algún día? ¿Le darán buenos guiones (en la línea de La Isla) o deberá seguir filmando fantasías pseudofascistas disneylandenses?

Por lo demás, Star Trek no revolucionará el cine (ni siquiera lo intenta), pero es una peli entretenida que no insulta al espectador, algo que últimamente se está echando bastante de menos en el cine.

Abrams no será el apóstol del séptimo arte del siglo XXI, pero su perfil puede abrir las puertas a mucha gente con talento e ideas capaz de aportar sabia nueva.

Gran Torino, de Clint Eastwood

2009-06-15T10:32:00.000-07:00

No es de las mejores del Clint, pero como es su peli de despedida se han hinchado las críticas. Vamos, como un partido-homenaje al futbolista que deja su club de toda la vida.
Está mal montada, dirigida un poco como por encima y es previsible.
Per sigue siendo un Eastwood y sigue teniendo su mojo, con algún buen diálogo y, lo más importante: esa despedida de, con otro nombre, Harry Callahan. En su día construyó una hermosa lápida sobre la tumba de El Manco (o El Pistolero Sin Nombre), y ahora da una más que digna salida al más grande de sus justicieros urbanos.
Larga vida a Clint.

Watchmen, de Zack Snyder

2009-03-24T09:05:00.001-07:00

La mala mujer, de Marc Pastor

2009-03-06T03:17:00.000-08:00

Valkiria, de Bryan Singer

2009-02-23T09:23:00.000-08:00

Hacia la mitad del film, contemplando conspiraciones y gente uniformada despacho arriba despacho abajo, me di cuenta de cuánto se parecía Valkiria a Sospechosos habituales. Por el tempo, por el estilo, por los diálogos, por la misma concepción visual de Singer, parecía que estos años deambulando entre superhéroes no hubieran pasado nunca. Que Keyser Söze estaba a la vuelta de la esquina.

Al finalizar la película, en los títulos de crédito, leí el nombre de Christopher McQuarrie como coguionista, y respiré aliviado. Después de todo este tiempo, Singer se ha reencontrado con la horma de su zapato, con el hombre que escribe las películas perfectas para él.

Valkiria es un peliculón, en todos los sentidos. Un gustazo para disfrutar. Dos horas para ser abducido por una historia fascinante contada de manera magistral.

Que a Singer le va el tema nazis no es algo que no supiéramos. Desde Public access, película que narra cómo un misterioso locutor de radio consigue infiltrarse en las conciencias de un pueblecito norteamericano y convertirlo en un lugar donde reina la paranoia, el miedo y la violencia, hasta el más evidente prólogo de X-Men (relacionando el origen de los mutantes con los campos de concentración). Pero sin duda, la película con la que entronca Valkiria es Apt Pupil.

En aquella (cuyo nombre en español omitiré por horroroso), un estudiante descubría que su vecino era un antiguo oficial SS, ya anciano. El chaval se sentía fascinado por el pasado del viejuno, y la semilla del mal germinaba en él, al tiempo que desenterraba los recuerdos y sentimientos del nazi. Un viaje a los infiernos, un periplo hacia el origen del mal, encarnado por el nazismo.

Valkiria representa el trayecto inverso. Desde el seno de la alemania nazi hacia la luz. Con Valkiria, Singer cierra un díptico magnífico.

Sin embargo, el fondo no lo es todo. Singer recupera la forma, y lo hace de forma absolutamente excepcional. Cuida los detalles y la iconografía adecuada. Valkiria no es solo un festival de banderas, uniformes, coches, aviones, palacios y búnkers bien filmados. En Valkiria hay un mimo exquisito por el matiz. Kenneth Branagh fuma como solo los nazis saben fumar (y los que habeis crecido viendo Los cañones de Navarone o El Nido de las Águilas ya me entendeis), las miradas de complicidad y traición están diseminadas por toda la proyección, los gestos secretos que solo sabemos descifrar en el público, los soldados con mosquiteras en La Guarida del Lobo...

Valkiria es todo lo que bailaba en mi cabeza cuando escribí Montecristo.

Hay un plano que me robó el corazón y las retinas: cuando el avión del Führer está aterrizando en el aeródromo y los oficiales van apagando sus cigarrillos con las botas. Es tan sutil y a la vez tan significativo que te sumerge en el film.

Luego está el ojo de Stauffenberg. Su conciencia. En África le es arrancada de cuajo y desde entonces le escruta y le impulsa a actuar. Esos planos del militar abriendo la cajita para que el ojo le mire y le diga que lo que está haciendo es lo correcto son arrebatadores. El uso del ojo/conciencia para arrastrar a los demás en su lucha moral (metiéndolo en una copa, por ejemplo) tiene una fuerza irresistible. El momento de toma de conciencia, con la cabalgata de las valquírias sonando estremecedora en el tocadiscos mientras la familia de Stauffenberg se refugia de un bombardeo en el búnquer es de una belleza y una efectividad extrema. El protagonista rezando en una iglesia sin techo, bajo las estrellas, simplemente espectacular. Todo ello aderezado con la soberbia partitura de John Ottman, que le concede un carácter épico que la historia se merece.

Tom cruise está más que correcto en su interpretación, otra más de las que le gustan a él, con el protagonista sufriendo algún tipo de deformación o discapacidad pero con una fuerza interior que le obliga a superarse. Destaca sobretodo en las escenas posteriores al atentado y el golpe de estado (sobrecogedoras, por cierto).

El resto del elenco (y aparte del curioso cameo de Brannagh, que hacía de nazi malo en el telemovie La solución final) está espléndido. Tom Wilkinson clava el personaje arribista que se une a los ganadores, sean quienes sean. Bill Nighy es capaz de hacer olvidar sus interpretaciones agrio-cómicas para mostrar un carácter lleno de matices, de dudas y miedos. Carice Van Hutten sale muy poco pero llena la pantalla cada vez que aparece. Y el Hitler de David Bamber no pasará a la historia, pero está bien en su personaje desquiciado y parco en palabras.

Me emocioné con el final de Valkiria. Acaba como deben acabar estos films. Y a pesar que conocemos el final, Singer lo cuenta como pocos saben hacerlo. Me emocioné al encontrarme con una película adulta, una reflexión más profunda de lo que pueda esperarse de un supuesto blockbuster, una puerta abierta a la memoria.

Cuando estuve en el cementerio alemán de Normandia, por uno de los aniversarios del desembarco aliado, quedé hipnotizado por la inscripción que reza sobre el umbral de la puerta de acceso de piedra maciza:

"Sed respetuosos. Muchos de ellos no eligieron la causa por la que murieron".

Citando una de las últimas frases de Stauffenberg en Valkiria:

"Nadie olvida"

El curioso caso de Benjamin Button, de David Fincher

2009-02-12T01:49:00.000-08:00

Fabricar una película para ganar muchos óscars no es malo de per se. Es lícito, de hecho. Lo que debe exigírsele a ese film es que, al menos, no se le noten los trucos.

Y El curioso caso de Benjamin Button es un libro abierto sobre cómo realizar una película oscarizable, a saber:

Personaje central que convierte su defecto en virtud.
Historia bigger than life.
Relación tormentosa pero duradera.
Corte de personajes secundarios curiosos cuyas vidas cambian por acción del protagonista.
Pasajes épicos.
Tramos intimistas.
Fotografía y efectos especiales deslumbrantes.
Una escena de guerra que demuestra el heroísmo del protagonista.

Como el relato de Scott Fitzgerald en el que se basa es demasiado corto, los productores contrataron a Eric Roth, el guionista de Forest Gump, para que cumpliera con su cometido. Roth, ni corto ni perezoso, debió abrir el word y le salió el dichoso clip: “Parece que está escribiendo una película oscarizable!”. Y de allí a usar la plantilla de la peli de Zemeckis solo hay un click.

La parte positiva del film es que se tratan de tres horas que pasan en un suspiro. La proyección no aburre, y contiene escenas que podrían tildar de “bonitas”. A Fincher se le ve poco o muy poco, con una dirección sobria, sin grandes estridencias pero en la que cuesta reconocer algunos de sus rasgos de estilo. Narrada como un cuento de hadas en su primera (y magnífica) primera hora, la película se va deshinchando poco a poco una vez superamos la fase de vejez prematura de Benjamín, y nos estancamos en esa especie de edad adulta de madurito guay.

Todo el tema del niño que crece entre ancianos como otro viejuno más es lo mejor de la cinta, junto a la parte de la segunda guerra mundial y la relación de Button con la mujer casada interpretada por Tilda Swinton. A decir verdad, la química entre estos dos es muy superior a la que pueda existir entre Brad Pitt y Cate Blanchet. Porque... ¿tiene Blanchet química con alguien en la gran pantalla?

Pitt está bien, sobretodo en esa caracterización de viejo (¡por fin una creíble!), más que cuando se aproxima a la juventud de tercera edad (aunque creo que hay un par de décadas en las que no cambia su aspecto en absoluto). Blanchet es fría y lleva su personaje al terreno donde los lleva todos: a la desconexión con la platea.

Pero todo lo que se pueda ganar con lo que tiene de bueno el film se pierde en su infinita previsibilidad, que lo convierte en un producto prefabricado de laboratorio, emociones plastificadas al más puro estilo Edward Zwick y sus películas de fotoprix. Los diálogos acumulan un montón de convenciones, con frases ridículas y a menudo vergonzantes (que le digan “eres perfecto” en un susurro a Brad Pitt no puede sino despertar la carcajada del respetable); los personajes secundarios están vacíos, poco definidos y no se ven en absoluto influenciados por Button; los intentos de dramatismo (como el final del capitán) son una mera excusa para colar moralejas carrinclonas; y así tres horas.

Puedes adivinar qué va a ocurrir en cada escena, quien va a hacer qué, y qué consecuencias traerá. Y no solo porque lo hayamos visto en Forest Gump (que ya lo vimos, cambiando el SIDA por una rodilla rota y un capitán de Vietnam por un Capitán de la Segunda Guerra Mundial), sino porque a la película se le ve el plumero. Button es el hermano bastardo y anónimo de Gump. Donde allí había comedia (esos encontronazos con la historia), aquí solo hay trascendencia.

Solo hay una escena que me desconcertó: el cortometraje ameliesco que sucede en París. No me lo esperaba, y resultó ser un pegote sin ningún tipo de solución de continuidad con el tono del film, algo tan absurdo como que a alguien se ocurriría: “ya que estamos en París, “hagámoslo a la Amelie!”. ¿Por qué?

¿Y ese lucir tipo jamesdeanesco sobre una Harley? ¿Y esos descartes de la vida de Brad Pitt durante el rodaje de Siete años en el Tíbet, amortizados aquí para verlo viajar por Oriente? ¿y ese momento a cien cañones por banda?

Fincher, esto es solo un tropezón en una carrera más que estimable. Y más viniendo de donde vienes, la que quizá sea la mejor película de lo que llevamos de década, Zodiac. Pero es que El curioso caso de Benjamín Button se queda en un intento de agradar a la Academia, y poco más. Hora y media menos de metraje y la hubiera disfrutado (¿es necesario el dramón sobremesero del último tercio?), pero entonces quizá los productores no hubieran tenido la enésima gran película americana... con un epílogo que podría firmar cualquier comercial de Benetton.

Postdata: me olvidaba de la historia en el presente con la hija leyéndole el diario de Button a su madre, enferma terminal en un hospital al que se aproxima un huracán. Pues eso. Me olvidaba. Por algo será.

Arropiero, el vagabund de la mort, de Carles Balagué

2009-01-24T11:39:00.001-08:00

El primer pensamiento que viene al encenderse las luces de la sala tras la proyección del film es cambia de canal a ver qué dan.

Arropiero es un informe semanal de hora y media basado en entrevistas a gente que conoció o trató el que posiblemente sea el más gran asesino de la historia reciente de España.

Y quizá por eso queda esa sensación de aproximación desaprovechada.

No he visto cine en la película. No he visto una intención de ofrecernos nada visual. Todo son palabras, palabras y más palabras en un montaje que alterna las entrevistas a abogados, psiquiatras, médicos y, sobretodo, los policías que acompañaron al criminal en un viaje tan esperpéntico como increible.

Echo de menos este espíritu de alocada road movie, un acercamiento más cinematográfico y menos reposado. Una historia menos intelectual y más física.

Lo que nos cuenta Arropiero, el vagabund de la mort es interesantísimo, pero el cómo nos lo cuenta convierte el film en un testimonio algo mortecino, sin garra. Además, a menudo no se entiende cuando ocurre tal o cual homicidio, y si los hechos que se nos explican pasan antes o después de su detención. La cronología queda algo difusa y el espectador se pierde en explicaciones a veces contradictorias. El caso de la pareja de Ibiza, por ejemplo, es confuso y no queda claro cuando hablan de Manuel Delgado Villegas y cuando del norteamericano acusado del crimen.

Me hubiera gustado (y como todo lo anterior, es cuestión de gustos personales) algo de atrevimiento en el apartado visual. No solo fotografías para ilustrar determinados momentos, sino un poco más de viveza y riesgo, un estilo más moderno. No pido un Zodiac, pero sin duda es mucho más apetecible el documental de La Zona Fosca sobre el tema, en ese sentido.

Quedan algunos detalles, como las referencias cariñosas de los policías hacia el personaje que tuvieron que custodiar e investigar, y al que llaman Manolo, manolillo y demás.

Como curiosidad, decir que Lluís Borràs, uno de los psiquiatras que aparece en la película contando la historia del criminal, fue profesor mío en Criminología, y doy fe que siempre ha tenido este tono entre naif y morboso con que explica los hechos más escalofriantes.

The Spirit, de Frank Miller

2008-12-28T01:07:00.000-08:00

La perfecta mixtura de narrativas de The Spirit da como resultado uno de los mejores films, sino del año, sí de la década. Miller consigue con The Spirit sobrecogernos con su relato negro y rasposo, plagado de escondrijos donde late el buen cine, para darnos una lección no tan solo sobre el séptimo arte, sino sobre la vida y la muerte en general. ¿Qué es The Spirit sino una alegoría sobre nuestras metas vitales incluso más allá de la visita de la Parca? ¿No es La Ciudad una metáfora de nuestro desangelado mundo moderno? ¿No es el reflejo de una burocracia paralizante que se ve rota por las emociones de un ser de ultratumba que rasga el cielo nevado con improntas de color? The Spirit es eso y mucho más. Un film digno de un Orson Welles hasta las cejas de LSD.

Feliz Día de los Inocentes, pues.

Al trapo.

-Will... Will... ¿Estás ahí?

-...

-¿Will?

-Frank, déjalo. Está muerto.

-Lo he hecho antes, Robert. Te lo juro.

-Tengo la vista quemada de tanto mirar a las velas, y el terciopelo negro de la mesa me da corriente estática. Will no va a aparecer, Frank.

-Cuando estuve con los indios contacté con mis ancestros.

-Sí, pero eso era por el peyote, Frank. Will Eisner no vendrá hoy.

-Te digo que vendrá.
-Yo me largo.

-¿Y mi proyecto?

-Tú lo has dicho: tu proyecto. Yo paso. Con Sin City nos salió la cosa bien. Con Grindhouse la cagué. No vuelvo a meterme en camisas de once varas.

-¿No lo entiendes, Robert? The Spirit puede ser Sin City 2

-Ya estamos haciendo Sin City 2, Frank.

-Bueno, pero puede ser Sin City 2 antes de Sin City 2.

-Va a ser un castañazo, que te lo digo yo. No se debe tentar a la suerte.

-La suerte está de nuestra parte.

-Claro, mira lo que pasó con Spy Kids. Hice un mierdo así de grande y triunfó. Y luego versiones y reversiones y segunda y tercera partes, para aprovechar la buena suerte. Ni para los muñecos del happy meal la querían, al final.

-¿Will?

-Frank, que estás pesao... Que Sin City no es The Spirit. Que son mundos diferentes. Además tu comic ya tenía esos juegos de luces y contrastes. Eisner era más abigarrado y más dinámico. Mucho más dinámico.

-Por eso quiero hablar con él. Que me muestre el camino.

-¿Tu no me escuchas cuando hablo, verdad?

-Will, únete a nosotros...

-Lo que te dieron los indios te ha dejado secuelas, Frank.

-Secuelas. ¡Secuelas! Si podemos hacer la trilogía de Sin City y construir una saga con The Spirit ya nos retiramos. Mira Batman: me copian el Dark Knight y se hacen de oro. Yo tambien quiero una parte dels pastel.

-Un pastel es lo que va a salir como sigas con la idea de hacer esta peli. Que te he visto algunos story boards y no sirven ni como reposavasos.

-¡Qué sabrás tú de novela gráfica!

-¡Qué sabrás tú de cine! Que en el rodaje de Sin City solo te dedicabas a magrear a Jessica Alba.

-Era mi personaje.

-Una guarrada es lo que era. Que parecías un perturbado. Haz como yo, joder. Fílmalas de forma bonita, erótica, como a Salma en Abierto hasta el amanecer. Que no se note que lo haces para pajearte.

-Vale, vale. Lo haré.

-¿A quién tienes para el reparto femenino?

-A Jaime King, Eva Mendes, Scarlett Johanson...

-¡Toma ya! ¿Y quieres hacer The Spirit? Rueda una hora y media con estas chicas paseando por delante de la cámara y lo petas.

-No creas que no lo he pensado. Pero la historia es lo primero.

-No me jodas. Con todas esas tiparracas en pantalla nadie se va a fijar en la historia.

-Quiero contar algo. Quiero ser trascendente.

-Trasciende, a ver.

-Mira: la historia de Spirit. La del poli que es asesinado y vuelve a la vida de forma inmortal.

-Ajá. Como Robocop.

-No, no. Como El Cuervo.

-Pero ese no era un poli. Ese era un Charles Bronson gótico con rimmel en los ojos.

-Pero saltaba de edificio en edificio, por los tejados, en una ciudad oscura.

-Vale, te compro la moto. ¿Qué más?

-¿Cómo que qué más?

-Con eso llenas el prólogo. ¿Qué viene luego?

-Bueno... es lo que quería preguntar a Will...

-O sea que no tienes nada.

-Un poli resucitado.

-Y un puñado de tías buenas.

-Sí.

-Y muchos lápices de colores.

-No. Solo rojo y negro, por el rollo de ser anarquista e ir por libre y eso.

-Frank.

-¿Qué?

-Déjalo. Va a ser una mierda. Y te lo dice alguien que no sabe nunca cuando parar.

-Tengo a Samuel L. Jackson.

-Y quién no...

-¿Por qué dices eso?

-Porque Samu se apunta a un bombardeo. Mierda que se rueda, mierda en que actúa.

-Pues no es barato.

-¿Y de qué hará? ¿De poli duro y socarrón o de caballero galáctico duro y socarrón?

-De malo duro y sensible con los ojos pintarrujeados.

-Eso no se coge por ningún lado.

-Mira, tengo algunas pruebas de vestuario suyas. Aquí... y aquí...

-¿Pero qué mierdas es esto?

-¿A qué te refieres? ¿Al sombrero gigante o al disfraz de nazi de segunda mano?

-¡Me refiero a esta estética salida de Rocky y Bullwinkle!

-¿Lo qué?

-La farsa esa con la que engañaron a DeNiro. El principio del fin, el advenimiento del apocalipsis.

-¿No te gusta la ropa?

-(Sput sput)

-Tampoco es necesario escupir, Robert. Que el fotoprix no es barato y son las únicas que fotos que tengo.

-Ahora ya es definitivo, Frank. Yo no me meto en esto.

-Vale, vale. No te pongas así.

-Frank, tío, que esto no va a ningún lado. No tienes historia, no tienes nada.

-Haré que The Spirit vaya a la caza de Octopus.

-¿De quién?

-Octopus: Samuel L. Jackson.

-Con ese gorro.

-Sí. Voy a detener a Octopus, dirá, con semblante serio, al inicio del film.

-Vale. Pero no lo encontrará hasta el final.

-Uy, no. En la primera escena ya se enfrentará a él.

-Vaya. Tiene que ser algo trágico, épico, para poder mantener el ritmo. ¿Qué tienes pensado? Algo como la lucha entre Obi Wan y Darth Vader en la Estrella de la Muerte?

-No, no. Ahí voy a innovar. He estado viendo mucho cine español últimamente.

-¿Cine español? ¿Amenábar? ¿Almodóvar? ¿Fresnadillo?

-¿Has visto Mortadelo y Filemón?

-No.

-Ese es el camino a seguir, Robert. Lo veo. El comic toma el cine. Voy a adaptar The Spirit como se adaptó Mortadelo y Filemón.

-¿Era buena?

-Buenísima. Unas hostias como panes.

-Vale. Entonces tenemos al héroe... ¿quién es el héroe?

-Gabriel Macht.

-¿Quién?

-Gabriel Macht. Salía en Sensación de vivir.

-Te has dejado todo el dinero en actrices, ¿verdad?

-Son más resultonas en pantalla.

-Pajillero.

-Si uno no hace lo que le gusta...

-Venga, tenemos al héroe enfrentado a Octopus. ¿por qué?

-¿Cómo que por qué?

-¿Cual es su motivación?

-¿Will? ¿Will?

-Will no va a venir, Frank. Deberás responder tú a esa pregunta.

-Pues... pues Octopus era un forense loco que hacía experimentos y resucitó al poli muerto y siguió haciendo experimentos. Y ahora el poli y el forense son inmortales.

-¿Y?

-Y ya está. The Spirit quiere detener a Octopus.

-Un forense que se vuelve villano crea a un héroe inmortal.

-Y los secuaces del villano perseguirán al héroe para matarlo.

-Al inmortal.

-Sí, pero como son clones gordos y estúpidos no se dan cuenta que es imposible y siempre fracasan.

-Y Octopus es el único sensato.

-No. Octopus es un villano de perfil bajo. Muy chillón, con trajes de mafioso barato y el logo de Catalunya Radio tatuado en la nuca. Scarlett Johanson es su ayudante.

-Scarlett como dominatrix.

-No exactamente. Aún no sé muy bien como definir su personaje. Supongo que saldrá siempre como muy misteriosa.

-Enseñarás el escote, al menos.

-Sí, pero tampoco mucho, que la Mendes se pone celosa.

-Eres consciente que hay ciertas lagunas en el argumento.

-Bueno, se rellena. Pongo algo mitológico, que siempre queda muy alegórico.

-Mitológico.

-Sí, yo qué sé. La sangre de Heracles. Que si se la beben se vuelven inmortales.

-¿Pero no eran inmortales ya?

-Sí, pero eran inmortales como de ETT. Con la sangre de Heracles lo serán de contrato indefinido.

-Muy lógico, sí.

-Y tambien pondré algunos flashbacks muy largos y tediosos.

-Eso siempre apesta, bien hecho.

-¿Te ríes de mi?

-¿Quién, yo? No, no. Aún no. ¿Y también le piensas poner voz en off, como en Sin City?

-Sí, pero solo a ratos.

-Porque mucho molesta, ¿no?

-Sí. Cuando no tenga otro recurso la usaré. Pero bueno, que a malas hago que muchas escenas pasen fuera de plano y todo queda como muy intuido.

-Muy inteligente, Frank.

-¿Por qué te pones la chaqueta, Robert? Si no hace frío.

-Náh, que me he acordado que tengo que ir a hacer unos recados.

-Espera, espera, ¡que aún no te he hablado de Paz Vega!

-¿De quién?

-Que ya te he dicho que he estado viendo mucho cine español, Robert.

-¿Quién coño es Paz Vega?

-La que hizo Spanglish.

-Carrerón, vaya.

-Sí. Nos ha costado cuatro duros y tiene unas abdominales brutales. Además, se acaba de poner tetas y se le ha ido la mano. Tendrías que verla.

-Abdominales y tetas. No puedo negar que como currículum pinta bien.

-Sí. Y cuando veas el papel que le tengo reservado...

-¿No tienes fotos de esta?

-Están pegajosas.

-Vale. No sigas. ¿De qué hará?

-Será una bailarina francesa exótica experta en el uso del sable.

-O sea que saldrá en bikini.

-¡Sí!

-Frank, si quieres un consejo, haz que las tías enseñen mucha pechuga.

-Eso está hecho, Robert.

-¿Harás tú el guión, al final?

-Pues supongo que sí, porque si Will no viene...

-Si Will ha oido esto, te aseguro que no vendrá.

-Esta tarde mismo haré el guión. Tampoco es tan difícil, ¡que soy un tótem del cómic, joder! Puedo escribir muchas frases pretenciosas y vacías para rellenar minutos.

-Te creo, Frank. Oye, en serio, que me tengo que ir. Que me cierran el videoclub y quiero alquilar Dick Tracy, que tampoco estaba tan mal.

-Yo me quedo un rato más, para ver si viene Will.

-Frank.

-¿Sí?

-¿Tú sabes lo que es la vergüenza ajena?

-Más o menos.

-Que pases un buen día, Frank.

-Gracias, Robert. Quedamos para lo de Sin City 2, ¿no?

-Si de caso ya te llamo yo.

-Vale, vale.

-Adiós.

-¿Will? ¿Will?

Quantum of Solace, de Marc Forster

2008-11-27T08:18:00.000-08:00

Una de las virtudes del actual Barça es su fluidez en el juego. Todo el equipo la toca y la toca y el balón avanza endiabladamente hacia la portería, donde Messi o Etoo no tienen piedad. Así era Casino Royale: un partido exquisito con una partida de póker como gran rondo central.

Quantum of solace sale al campo y empata contra un equipo pequeño. ¿Las razones? El juego se ve interrumpido contínuamente por las faltas de un director que se ve incapaz.

Gracias a Dios, parece que ésta va a ser la primera y última incursión de Marc Forster en la saga Bond. Y es que no se puede dar las riendas de un film de estas características (fuertemente controlado por los productores) a un director modernillo que se las da de autor. Martin Campbell demostró con la rompedora Casino Royale ser un artesano disciplinado y muy competente, que dirigió el resurgir de la saga de la forma que esta necesitaba. Marc Forster se pierde en cierto delirio de autoría y denúnica social (esas imágenes de los sedientos indígenas bolivianos) y renuncia a la evolución que se apuntaba en el primer capítulo de esta supuesta trilogía.

No es que Forster renuncie a los estereotipos Bond (que renuncia), sino que abandona la línea progresiva de su predecesora (la que apuntaba que tarde o temprano llegarían los malvados megalómanos, los esmóquins bajo el traje de buceo, los artilugios de Q, en un contexto más o menos realista) para entregar una ramplona cinta de acción sin emoción, un sucedáneo de Bourne confeccionado como un contínuo coitus interruptus.

En el apartado positivo, tenemos esa primera persecución en coche por Italia (fantástica), la aparición de un transmisor marca Q, la escena de combate aéreo, Judi Dench como M, y la aparición de ese misterioso grupo secreto llamado Quantum (una suerte de neo-Spectra).

Pero Forster y el guión de (entre otros) Haggis despojan este capítulo de cualquier atisbo de sentido del humor (y no en el sentido rogermooriano del término, sino el más sibilino y cruel de la primera entrega) y glamour (Bond es un matón sin matices). Hacen de la película una sucesión estúpida de escenas de acción que nunca llegan al clímax, y que siempre se ven interrumpidas de forma abrupta (después de la adrenalina del salto sin paracaídas sale un ministro firmando papeles, en uno de los cortes de rollo más brutos de la cinta, lo que aburre hasta las ovejas. Es de vergüenza ajena lo mal montada que está la escena paralela de la ópera y los tiroteos, que habrá hecho sacar humo al teléfono de Coppola. Estas son las faltas de equipo pequeño, que no dejan jugar a futbol con fluidez.

Que el guión sea inverosímil ya forma parte de la saga, pero aquí se da una vuelta de tuerca en comportamientos imposibles. Así, la chica Bond reaparece tras intentar ser asesinada con el tipo que ha ordenado su muerte, como si nada pasara. Y Mathieu Amalric (insuficiente villano) tiene un plan tan idiota como cualquiera de los del doctor Maligno.

Luego hay cosas que no se entienden, como lo que le pasa a Mathis (lo del abrazo, lo del alias, todo, vamos, que no se entiende), lo mala que es la canción del principio (y los títulos de crédito, pedorrosamente infumables), la quemadura de la espalda de la chica Bond (eso, que no tenga tetas y que su moreno sea misteriosamente quiqueguaschiano) o el final apático y (como dijo un amigo) muy al imperio contraataca pero en soso.

Además, ¿por qué no hay sexo?

Un consejo para los productores de la saga. El agente secreto que salta de balcón en balcón es Bourne. Y como mucho el muñecajo del Prince of Persia. Bond tiene más categoría que eso. Puede perseguir a alguien sin despeinarse. Y si se despeina, soltará un comentario con su habitual flema británica. Se pueden filmar las escenas de acción de muchas maneras, y no siempre tiene que ser con planos cerrados a lo Nolan. A veces me gusta saber quién dispara a quién, o porque esa lancha sale volando cuando se le echa un ancla dentro.

Ahora dicen que Forster (que firmó Tránsito, quizá la película con mayor error de punto de vista de la historia de cine) rodará World War Z. Cachis.

Solo espero que el siguiente director que se haga cargo del tercer episodio de la trilogía 007 sea consciente que la gracia de este nuevo proyecto es que contar el origen del espía, que evolucione, que crezca, y que se convierta en el hijodeputa que todos conocemos, pero adaptado a los nuevos tiempos.

Que acabe siendo Bond, James Bond.

JCVD, de Mabrouk El Mechri

2008-11-11T10:17:00.000-08:00

No siento una simpatía especial por Van Damme. He asistido atónito a al auge de su carrera, de Kickboxer a Time Cop, pasando por Lionheart o la nada desdeñable Soldado Universal, que brilló con cierto éxito en un corto período de cinco años (del 89 al 94).

Quien más quien menos recuerda ese Van Damme. Una época de videoclubes en la que las pelis de mamporros seguían siendo las reinas del alquiler, y Van Damme se abría de piernas como solo Jeena Jameson sabía hacer por aquel entonces. Recuerdo que, incluso, alguna chica se excusaba cuando era pillada dentro de una sala viendo Double Impact diciendo que el belga tenía un buen culo.

Cuando el luchador cayó en desgracia (y, con él, todo un género), dio el paso a guionista, firmando piezas tan naif (y malas) como The Quest, The Order o Legionario.
Hace ya un tiempo que Jean-Claude Van Damme se ha perdido en su propio personaje, repitiendo clichés en películas de bajo presupuesto que ni se estrenan en cine. Y ahí es donde JCVD empieza su juego.

Quizá el referente más directo es la película de Spike Jonze Cómo ser John Malkovich, en la que el actor se interpretaba a si mismo. O la serie Extras, donde algunos actores hacen gala de un sensacional sentido de la autoparodia.

Van Damme as himself: un actor decadente que no encuentra papeles más allá de films de muy bajo presupuesto y que vive aún en el imaginario de la gente como una especie de estrella belga que supuestamente triunfó en Hollywood. Van Damme acosado por los problemas más mundanos: la pérdida de la custodia de su hija, la falta de liquidez o el constante uso de su filmografía en su contra.

Y en este drama irrumpe de golpe una película de atracos. Van Damme, la persona, deberá vivir lo que tantas veces protagonizó como personaje. Aquí está el núcleo de JCVD: hasta qué punto el hombre depende de su pasado, y en este caso de un pasado público, conocido, y juzgado por todo el mundo.

JCVD no es una película redonda, pero aporta algunas reflexiones muy interesantes. La parte inicial se resiente de un exceso de hincapié de lo bajo que ha caído Van Damme. Podría hacerse más breve o más sutil, porque se acentua el drama innecesariamente y alarga una introducción que, al fin y al cabo, somos capaces de intuir. La parte del atraco, rodada fragmentando los puntos de vista (muy a lo Kubrick en Atraco Perfecto) es más interesante, porque pone a Van Damme donde queremos. Y le desnuda de toda épica. No hay patadas ni grandes aspavientos, no hay el heroismo que nos ha vendido en la primera (y magnífica) escena. Es un rehén más o, peor, un rehén famoso, que convierte un simple robo en una oficina de correos en un acontecimiento mediático.

El film juega con las expectativas que el propio Van Damme genera, tanto en la policía como en los atracadores. Los rehenes quedan demasiado desdibujados en favor del trío de delincuentes (aunque nadie se crea que Arthur tiene 32 años, cuando aparenta 52). Van Damme se comporta como un humano más, aunque la gente espere de él que sea un héroe. Y él se sabe perdedor.

JCVD me recordaba, en ciertos momentos, a Rocky Balboa, en la que Stallone da el merecido homenaje a su personaje más entrañable desde la decrepitud. JCVD es un homenaje a Van Damme, pero de una forma cruel, dura, y sin ningún tipo de concesión. El mismo Van Damme habla de su adicción a las drogas (ya superada, por lo visto) en un monólogo desgarrador, en la que es la mejor interpretación de su carrera (también es mala suerte que haga de él mismo). Es una quema de demonios en la prisión dorada de la fama. Hay ciertos guiños irónicos que no deben pasar por alto al espectador, como por ejemplo que el negociador de la policía monte su base de operaciones en un videoclub, o que uno de los atracadores acuse a John Woo de haber olvidado al actor en su consagración en Hollywood.

Van Damme se muestra como un personaje casi Shakespearano, el Hamlet que sabe que debe actuar pero no lo hace por cobardía, y que se plantea hasta qué punto es merecedor de las desgracias que le ocurren. Y en este punto es donde el film gana enteros, más allá de la anécdota del atraco y las conversaciones sobre Steven Seagal.

Y como en Hamlet, las acciones pueden ser tardías y erróneas, y traer trágicas consecuencias.
Vivimos en un mundo sin videoclubes, donde Van Damme se sentía a salvo.

Wanted, de Timur Bekmambetov

2008-09-22T08:55:00.000-07:00

Wanted es un cómic gamberro de Mark Millar sobre una hermandad de supervillanos que han conseguido erradicar a todos los superhéroes del mundo. Un mindundi pusilánime es reclutado y adiestrado en el arte del asesinato por la hermandad, ya que su padre, al que dan por muerto fue el asesino más efectivo de todos los tiempos y esa es una de esas cargas genéticas que no se saltan una generación.

Wanted, de Timur Bekmambetov, solo respeta la primera viñeta de la historia, para transmutarla de cabo a rabo y ofrecernos una visión bien diferente.

Podríamos decir que se ha perdido parte de la mala baba por el camino, sí. Pero es quizá el precio que hay que pagar (al fin y al cabo es un blockbuster para todos los públicos) para depurar una historia que, por suerte, ya no incluye ni mallas, ni capas ni dimensiones paralelas.

¿Se le puede llamar adaptación? Pues, la verdad, el debate está abierto pero resultaría baladí. Wanted, el film, tiene poco o nada que ver con el original ilustrado. Y mejor así.

Otro cantar es si Wanted revoluciona el cine de acción como he leído en algún sitio (comparándolo con la magistral y aún no superada La jungla de cristal), o abre nuevas fronteras. Dudo que sea así, porque la película de Bekmambetov no es más que una puesta al día de clichés conocidísimos mediante técnicas en absoluto novedosas. Si queda alguien a quien a estas alturas le sorprenda el bullet time (a punto de cumplir diez años, con Matrix) debe ser porque ha vivido encerrado en un zulo con un VHS con las cintas de My Fair Lady y Kramer contra Kramer todo este tiempo.

El reciclaje en cine no es malo si está bien compactado, y este es el caso de Wanted. No una obra maestra, pero sí una de las películas más entretenidas y desacomplejadas del último año.

Wanted es la suma de la filosofía de la ya citada Matrix, con el temperamento y el nervio de la saga Bourne, y el arco argumental de Star Wars. Por fortuna, el engranaje no solo funcione bien (mejor que bien), sino que rinde a plena potencia.

¿Cuáles son los ingredientes que cuajan en Wanted? Quizá el más importante, o el más visible, es el notable talento visual de su Timur Bekmambetov, que despuntó con el díptico ruso de Los Guardianes -del día/de la noche- y que demuestra que para tener un universo propio no significa siempre redundar en bichos extraños y ambientes gótico-emocionales (¿me escuchan bien desde la última fila, señores Burton y Del Toro?). Bekmambetov construye sus historias en un mundo real regentado por leyes distintas a las que conocemos. Para él, conceptos como la gravedad o el tiempo son meras ilusiones, tabletas de barro que se pueden moldear a placer. Y se agradece que tal efecto esté integrado en la historia, y no sea un recurso más para epatar al espectador.

Historia, digo. Bien. Lo de siempre. El superhombre nieszchiestiano. El don nadie que tiene escondido un mesías o un anticristo en su interior. El Luke Skywalker, el Neo, el Spiderman de turno. La trama, la hermandad secreta de tejedores del destino (sic) que asesinan según los dictados de un código ininteligible es una chorrada que sirve como excusa para mostrar las set-pieces de acción más espectaculares en lo que va de año (señor Nolan, le oigo roncar en las últimas filas!). Persecuciones imposibles, disparos increíbles y una resolución original son la base de Wanted. Y son más que suficiente para disfrutar durante las dos horas de proyección.

Además contamos con un James McAvoy que se lo pasa en grande haciendo de antihéroe (y que parece un joven Russell Crowe), una Angelina Jolie entestada en hacer de dura (de su actuación solo recuerdo la fugaz escena en la que sale del baño... desnuda) y un Morgan Freeman que repite el papel de todopoderos en Como Dios (es uno de los tres registros de Freeman: otro es el de señor triste y el tercero es el de exsecretario general de la ONU).

Hace una semana que ví la película y mi percepción del cine de acción no ha cambiado. Ni me acuerdo de cómo se llama el protagonista, aunque desde luego no es John McClane. Pero sé que ese fin de semana salí del cine con una sonrisa de oreja a oreja, con ganas de echar una partida de tiros en el salón recreativo más cercano, emulando las bizarras aventuras de Wanted.

Hellboy II, de Guillermo del Toro

2008-09-14T04:05:00.000-07:00

Pues parece confirmarse poquito a poco que Guillermo del Toro es un poco como Tim Burton, con sus cosas buenas y sus cosas malas.

Las cosas buenas ya las sabemos más que de sobras: ese perfeccionismo visual, ese universo propio reconocible en cualquier fotograma de sus films, ese toque personal.
Las malas, que se olvida de detallitos tan insignificantes como el ritmo narrativo o un argumento interesante.

Así que Hellboy II parece más un espléndido catálogo de monstruos que una película de cine. Y eso, personalmente, me aburre.

La historia (mucho menos Mignola que la primera parte), parece una versión ampliada de El laberinto del Fauno, hasta tal punto que esperava ver salir a Sergi López vestido de facha para enfrentarse a Rojo en cualquier momento (apreciese la minuciosa elección de términos para construir una metáfora que Del Toro ni siquiera habrá imaginado). La trama, un príncipe de los elfos sin carisma decide que es hora de combatir a los humanos, y Hellboy deberá impedirlo, a la vez que intentará que su relación con Liz avance. Ya está. Dos horas y pico para eso. Monstruo tras monstruo tras monstruo, la historia no va a ningún lado que no sepamos que irá de antemano. Plantas antropomórficas gigantes, mercados subterráneos que parecen el consulado de Mos Eisley, ángeles de mil ojos, rocas vivientes, bichejos carnívoros, enanos sin piernas... van desfilando para empachar al espectador. Los diseños son magistrales, sí, pero a la media hora ya estás deseando que vayan al grano. Los films de Del Toro me dejan cada vez más frío, y me cuesta empatizar con sus protagonistas.

Los diálogos en Hellboy II son superficiales, tontos o infantiles, y el montaje parece hecho a trompicones. No es una mala película, es una película aburrida y totalmente desaprovechada. Sobre las peleas, si visteis Blade II, pues son un calco.

Si a eso le añadimos que algunos de los personajes tienen un lamentable doblaje al castellano (Santiago Segura como Krauss, el moreno de Cruz y Raya como Abe, y solo se salva Buenafuente como uno del que no recuerdo el nombre), la experiencia a veces se convierte en desagradable.

Guillermo del Toro, por libre, tiene el poder de perderse. A veces sería deseable que un productor le atara corto y le hiciera ceñirse a un estilo más clásico (como Mimic, o El espinazo del diablo), aunque ello significara acotar un universo que amenaza de desbordarse.

Por cierto, el ejército dorado del título es un bluff.

Wall-e, de Andrew Stanton

2008-08-08T00:35:00.000-07:00

1982. Elliott escapa en su bicicleta con ET medio oculto en la canasta. El extraterrestre le hace volar junto a sus amigos, y la silueta del niño pedaleando se recorta contra la luna.

2008. Wall-e y Eva bailan ingrávidos alrededor de la nave espacial.

Me resulta absolutamente imposible escribir nada mínimamente crítico acerca de Wall-e. Ayer no vi una pel·lícula de cine. Ayer sentí una pel·lícula de cine.

La última producción de Pixar consigue lo que solo consiguen los grandes: emocionar. Va directa al corazón, rompiendo cualquier barrera analítica construida con los años. Wall-e se disfruta (dis-fru-ta) con la boca abierta y la piel de gallina, con high-lights cada tres o cuatro minutos, con carcajadas, con sonrisas, con complicidad, con guiños... Wall-e te convierte en niño.

¿Dónde reside el secreto de Wall-e?

Puede que el secreto no sea solo un factor, sino la suma de muchos.

Wall-e son dos películas diferentes que se ensamblan como un mecanismo impecable. Una primera parte apocalíptica de cuarenta y cinco minutos aproximadamente, muda, sin diálogos; y una segunda de acción desenfrenada enmarcada en la más pura ciencia-ficción.

El atrevimiento de ese inicio protagonizado por un robot pequeño que recolecta tesoros de entre la basura y vive junto a una cucaracha tiene su recompensa. Se trata de una auténtica obra de ARTE, la perfección cinematográfica. Se le emparenta con Buster Keaton y Charles Chaplin, y no sin razón. La llegada de un robot (Eva) del que se enamora (¡!) da paso a una de las historias románticas más bonitas que he visto en la pantalla en años. El proceso está explicado con tanta sencillez, pero a la vez es tan franco y real, que nos identificamos con un pedazo de chatarra que suspira por una chica que le ignora. Wall-e desprende empatía y ternura, y es capaz de mostrar todas las emociones posibles con solo el movimiento de dos ojos. Atención al uso de la banda sonora, con canciones de Louis Amstrong o Michael Crawford, que encajan de tal manera que nos hacen sentir dentro de la película. Esos cuarenta y cinco minutos son un regalo para cualquier espectador, repletos de slapstick y romanticismo a partes iguales, con decenas de momentos inborrables. (*)Desde el devastador inicio con una Tierra terminal, pasando por la relación entre el robot y su cucaracha, la forma de dormir meciéndose en una estantería, la llegada de Eva, las luces de colores, las tormentas de arena, el musical revisionado en un VHS, los cuidados de Wall-e cuando Eva se pone en stand-by para esperar el regreso de la nave(*)...

El cambio se produce luego (no desvelaré mucho más, es mejor saber lo menos posible), con la incorporación de una trama más compleja, con multitud de personajes, con un ritmo trepidante y los típicos secundarios Pixar que aquí, como siempre, se salen (*)mi favorito, el boxeador tarado(*). Es la parte del mensaje de advertencia a los humanos, de la alerta de lo que le estamos haciendo a nuestro planeta y a nosotros mismos. Pero no chirría, sino al contrario. Está integrado en el devenir argumental, junto al montón de referencias cinéfilas que van de La Fuga de Logan a 2001, una odisea del espacio, y que convierten el film en un auténtico festival de magia y un deleite para cualquiera amante del cine y la ciencia ficción. (*)Atención al momento extintor, de una plasticidad conmovedora, con Wall-e y Eva bailando alrededor de la nave mientras el capitán empieza a despertar(*).

Wall-e habla, como lo hacen todas las grandes películas, del alma humana. Y como Roy Batty nos mostró dejando vivir a Deckard, nos enseña el verdadero significado de nuestra existencia.

No me tireis de la lengua. Lo explicaría todo y no quiero destriparos nada. Debeis verla. Wall-e es una experiencia fascinante e hipnótica, uno de esos extraños casos de inyección de emociones directas en vena. Y quedaros a los títulos de crédito. No porque salga nada después de ellos, sino por los títulos en sí, otra pieza absolutamente maravillosa que es un homenaje a la pintura a lo largo de la historia. Porque no me canso de repetir-lo: Wall-e es puro ARTE, con mayúsculas.

Hoy son incapaz de quitarme a Wall-e de la cabeza. La vi anoche y aún se me ponen los pelos de punta al volver a ver el trailer o recordar muchas de las escenas. Se pasará, claro. Pero durante hora y media volví a ser un niño viendo a Elliott volar.

La Momia. La tumba del Emperador, de Rob Cohen

2008-08-07T00:23:00.000-07:00

La Momia, de la Universal, empezó siendo un homenaje pulp a La Momia de Karloff cruzado con el estilo Indiana Jones. Su sentido del humor inocente, su descaro argumental y unos elaborados efectos especiales la convirtieron no solo en el blockbuster del verano, sino en el germen de una potencial saga. El regreso de la momia no aportó nada nuevo. Era la misma historia con muchas más persecuciones y un montón de fx más. Muy entretenida, sí, pero era como Terroríficamente muertos respecto a Posesión infernal: un más madera que es la guerra.

Luego vino la tontería esa del Rey Escorpión.

Y luego el silencio.

Tras el fiasco de la cagalera de cristal, Rick O'Connell y los suyos vuelven a la carga con unos pocos cambios.

Para empezar, se pasa de la megalomanía simpàtica de Stephen Sommers al ritmo frenético de Rob Cohen. Y cambiamos a la guapa Rachel Weisz por la extremadamente sexual Maria Bello. El escenario varía del Egipto arqueológico a la China post-segunda guerra mundial. Y Brendan Fraser... bueno, Brendan Fraser sigue siendo Brendan Fraser.

Comoquiera que soy incapaz de decir una sola maldad sobre la saga, porque me parece un divertimento sin complejos, seré breve.

La tumba del Emperador es un remake de La Momia trasladado a China. El mismo argumento, diferentes personajes. Donde había mi clon Arnold Vosloo ahora está Jet Li (bueno, un ratillo, la mayor parte del tiempo es un cgi). Donde había las pirámides, ahora la Gran Muralla. Me gusta el cambio, porque otra parte en el valle de los faraones hubiera resultado cansina. Y porque aprovechan para meter a saco todo lo que les suena a chino mitológico, como los guerreros de Xian, los dragones, los templos budistas... Lástima que a Rob Cohen no se le de muy bien esto de dirigir.

Y es que Cohen se cree un Michael Bay sin talento. Para que luego digan del director de Bad boys. Mucho movimiento de cámara, un montaje rapidísimo, muchas cosas en plano... para al final no entender la mitad de lo que se está contando. Afortunadamente se cuenta poco. Se dicen muchas cosas, sí, pero se cuenta poco.

El film es como uno de los libros de Sax Rohmer sobre Fu-Manchú. En cada página sucede algo distinto, se resuelve al pasar la hoja y vuelta a empezar. La historia funciona por acumulación, sin un hilo narrativo definido. Hay persecuciones en coche por Shangai, chicas ninja, magia negra, historias de amor inmortales, escaladas al Himalaya, viajes en avión, batallas entre miles de contendientes... sin un solo segundo de respiro. Pura serie B, basada en clichés e intencionadamente disparatada. Algo no intrínsecamente malo, de hecho a mi me gusta, pero que flojea en algunos puntos.

Los chistes, por ejemplo. La saga tenía un humor blanco, a menudo socarrón, pero apto para todos los públicos. Aquí sigue en la línea pero... no hay chistes graciosos. Son como de trámite. No te ríes. Sabes que es el chiste que toca en una determinada escena, porque sabes en qué momento tiene que entrar el comentario humorístico, pero ves que no funciona. En casi ningún caso.

Además la primera parte, con Fraser y Bello haciendo de acomodados ricachones es la más inverosímil de todas. Más que cuando Jet Li se transforma en dragón sin explicación alguna. Hay escenas, sketches, pretendidamente humorísticos que parecen sacados de un programa infantil de domingo a las ocho de la mañana.

Pero la peli pasa rápida, con un poquitito de vergüenza ajena, pero sin mucho menos la indignación que produjo el último engendro del tándem Lucas/Spielberg. Porque aquí las expectativas eran las que eran y La Momia es honesta, no engaña a nadie. No se sale mucho del mundo creado en las anteriores. A pesar de esos yeti camilleros que aparecen casi al final y que son de risa, o que la ninja y su madre duerman dos mil años en una cueva a las puertas del paraíso (donde seguro que hay extraterrestres guardando relíquias) sin que ello les suponga una contractura lumbar.

Eso sí, plagios a la trilogía de Indiana hay unos cuantos: Club Inmhotep/Club Obi Wan, templo obito/templo emperador dragón, curación shangri-la/curación grial... y suma y sigue.

Película para toda la família, en la línia de las anteriores pero sin mucha chispa (la niña de la fila de enfrente del cine bostezaba como el león de la metro) y facilona, de la que me gusta destacar el montonazo de zombies que hacen aparición hacia el final (zombies happy-meal, se entiende).

X - Files: creer es la clave

2008-07-26T01:19:00.000-07:00

Ring ring ring

-Buenos días, con el señor Carter, por favor.

-Yo mismo.

-¿Chris Carter?

-Sí, sí, yo mismo... un segundo, que atiendo a un cliente y ahora estoy por usted.

-No hay prisa.

-...lávelo en seco, que estas manchas son muy malas...

-Si quiere le llamo más tarde.

-No, no. Ya estoy aquí. ¿Quién ha dicho que era?

-Llamo de la 20th Century Fox.

-Ah, vale. Estupendo. De la deuda aquella, ¿verdad? Ya lo hablé con la secretaria del productor, y me dijo que estaba zanjado.

-No, le llamo por lo del guión.

-¿Qué guión?

-El que nos mandó para Expediente X.

-No he mandado ningún... ¿me puede refrescar la memoria?

-Claro. Es el de las chicas que desaparecen en un pueblecito nevado y Mulder y Scully lo investigan.

-¡Ese guión! ¡Pero si lo rechazaron para la serie!

-No me consta eso. ¿Aún está interesado en vendernos los derechos del guión?

-¿Quién, yo?

-Entenderíamos que quisiera respetar el fin de la serie tal y como lo concibió, y dejar los personajes como los dejó.

-Ya, ya. No tengo problemas con eso. Hábleme de dinero.

-Bueno, antes tengo unas preguntas que hacerle, ¿sabe? En el guión hay unas anotaciones a boli, y queremos acabar de perfirlo para poder estrenarla en verano.

-Pero no dirán a nadie de qué va, antes, ¿verdad?

-No, lo mantendremos en un secretismo absoluto.

-Mejor, mejor. Bien, ¿qué preguntas quiere hacerme?

-Sí... ok... a ver, lo primero es que... sí, aquí está... el guión no da para más de cuarenta minutos de ficción, y nosotros no estrenamos en cine por menos de hora y media.

-¿En cine?

-Sí.

-¿Quieren llevar ese guión al cine?

-Sí, ¿algún problema?

-...

-Le oigo reirse, señor Carter.

-No, no, que es tos, que tengo los pulmones mal.

-La duración.

-Sí. Está bien. Pensé que podríamos alargar los planos con panorámicas horizontales que nos muestren todos los rincones lóbregos que investigan Mulder y Scully. Entran en una habitación, panorámica horizontal. Entran un bar, panorámica horizontal. Entran en un hospital...

-Lo entiendo, señor Carter. Pero con ese truco ganaríamos solo algunos segundos.

-También se puede hacer lo de los coches.

-¿Qué coches?

-¿Ha leído el guión, usted?

-Sí.

-¿Se ha dado cuenta que salen coches?

-Sí, muchos. Los personajes están más tiempo dentro de un coche que andando.

-Pues se me ocurre que podríamos rodar cómo el coche gira una curva, cómo avanza por una recta, cómo frena...

-Coches, déjeme que apunte.

-...plano del coche desde fuera, plano del coche desde dentro, plano del coche sin luces...

-Entiendo el concepto, señor Carter. Pero piense que tampoco va a haver mucho presupuesto para filmarla. Y aquí veo exteriores.

-Por los exteriores no se preocupe. Conozco un descampado en Canadá donde podemos rodarla. Siempre está nevado y la gente no distingue la nieve de un sitio u otro. Además, hay un casucho de esos que dan miedo.

-Bien... Canadá... Pero aún y así, ganamos poco tiempo. ¿No podría escribir escenas adicionales?

-¿Para cuando?

-Lo necesitaríamos antes del fin de semana.

-¿De qué fin de semana?

-De este.

-Es que ando muy liado con la tienda, sabe. Me han llegado un montón de entregas que tienen que lavarse para una boda de la semana que viene...

-No hay problema, entendemos que es usted un hombre ocupado. Díganos alguna idea por encima y se las pasaremos a un becario para que las empaste en el guión.

-A ver... un segundo, eh... es que hace tiempo que no escribo nada... ni tengo muchas ideas últimamente... es que tuve muy mala suerte con Millenium y Harsh Realms, ¿sabe? ¿Las ha visto?

-Ni siquiera había nacido cuando se estrenó Expediente X, señor Carter.

-Ya... bueno, creo que lo tengo.

-Dígame.

-Al principio hay un cura con visiones, ¿verdad?

-Sí.

-Y les lleva al solar donde encuentra a una chica. Lo pasean en coche y tiene una visión y encuentra a la chica.

-Sí... el padre Joe, que hace tambalear la fe de Scully.

-¿Ah, sí?

-Siga, por favor.

-Pues en lugar de ir una vez, podrían ir unas cuantas. Cada vez que el cura tiene una visión, agarran el coche y se van al descampado a buscar... no sé... cachos de cuerpos.

-¿Cachos de cuerpos? Eso no tiene mucho sentido. ¿Por qué hay cachos de cuerpos enterrados bajo la nieve en medio del campo?

-Creer es la clave, señorita.

-Creer es la clave, me lo apunto.

-Entonces quedamos en eso, ¿no? Mulder lleva al cura de paseo unas cuatro veces. Cubrimos media hora larga de metraje con eso. ¿Bien?

-Estupendo. Pero la trama sigue siendo corta. Tengo anotado por aquí que los productores quieren una subtrama para Scully.

-¿Han hablado con Gillian?

-Sí, la hemos tanteado.

-¿Cómo está? A David le he visto en Californication. Lo está petando, el cabrón. Pero a Gillian no la he seguido mucho.

-Está muy guapa, y con ganas de rodar.

-Bien, bien.

-Una subtrama para Scully, señor Carter.

-Estoy pensando, estoy pensando... ella es médico, así que la pondremos en un hospital, trabajando de médico, retirada del FBI... y se encontrará con un caso que la supera y requiere que tenga fe.

-¿Qué caso? ¿Algo paranormal?

-No, un niño moribundo, que eso siempre gusta. Con una enfermedad rarísima, y con todo el mundo esperando que se muera menos ella, que luchará para encontrarle una cura.

-¿Y lo curará?

-No sé, no soy médico, así que tampoco quiero dar esperanzas a la gente que tenga esa enfermedad.

-Pues nos la inventamos.

-Tambien es verdad. Y ella descubre un tratamiento prodigioso que quiere aplicar aunque la familia y el hospital, católicos ambos, estén en contra. Lo de católicos siempre queda bien, porque todo el mundo sabe que lo dejan todo en manos de Dios.

-¿Cómo encuentra el tratamiento? ¿El caso de las desapariciones le da alguna revelación?

-No, no. Por google, como se encuentra todo.

-Ok. Scully encuentra tratamiento para niño terminal en google.

-En la primera página de búsqueda.

-En la primera página de búsqueda. Bien. Va tomando forma, pero...

-¿Sí?

-Dos detallitos de argumento.

-Dígame.

-El principio. Cuando van a buscar a Mulder para que hable con el cura chiflado...

-Quagmire, le quiero llamar Quagmire.

-Bueno, eso ya lo veremos. Cuando van a buscarle, digo. No queda muy claro cómo le convencen. De hecho, no se sabe cómo le convencen.

-¿Ha visto Rambo, señorita?

-¿Cual de ellas?

-De la dos a la cuatro.

-Bueno, es que las mezclo un poco, pero mi novio se las sabe al dedillo.

-¿Sabe cuando alguien le va a buscar al inicio de las pelis y le dice que alguien otro está en peligro y le hace chantaje emocional y le hace sentirse mala persona por no querer ayudar?

-No soy muy buena recordando películas, solo trabajo en la productora y...

-A eso se le llama deber moral. Y es lo que le pasa a Mulder.

-O sea que Mulder es como Rambo.

-En cierta manera...

-Pero eso no queda explicado en el guión.

-Pero la gente lo entenderá.

-Ya.

-Sí.

-Luego está lo de la trama principal.

-¿Lo del doctor Frankenstein?

-Es que ha mezclado muchas cosas. A Frankenstein con El Silencio de los corderos.

-La de los corderos ganó un puñado de óscars.

-Sí, pero tenía diálogos interesantes. Sin ánimo de ofender, pero usted no termina un solo diálogo.

-¿Qué quiere decir?

-Que los personajes sueltan frases al aire, sin relación con lo que haya dicho su interlocutor.

-Es como más profundo, ¿no?

-Y cuando no sabe cómo acabarlos, los personajes se callan y miran al horizonte y cambiamos de escena.

-Sí, es verdad. Nunca se me ha dado muy bien imaginarme qué pueden responder.

-Y ahora no se le ocurre nada.

-No.

-Se lo daremos al becario, y si tampoco sabe qué hacer, lo dejaremos así.

-Estupendo. ¿Algo más?

-Algunos flecos sin importancia.

-Suelte.

-¿Cómo puede ser que en un pueblo de trenta habitantes tenga una piscina municipal llena de chicas guapas y un complejos para agresores sexuales con sesenta violadores y pedófilos?

-Porque siempre nieva.

-Eso no es una respuesta, señor Carter.

-Ya le he dicho que me quedo en blanco cuando debo responder a preguntas difíciles.

-Y porque la investigación depende tanto del cura, cuando lo más fácil sería sospechar de la casa del pueblo llena de perros y alambradas donde viven los rusos?

-Porque siempre nieva... y no ven la casa.

-¿Y por qué Scully se excita tanto cuando citan la Biblia?

-¿Eso cuando pasa, que no me acuerdo?

-El cura que se parece a John Cleese lee la biblia y ella responde, a gritos, y cito textualmente: "¡A mi no me cite Proverbios!"

-Porque es católica.

-¿Y?

-¿Porque siempre nieva?

-Ok. Bien... bueno, ya casi estamos. ¿Se le ocurre alguien para dirigir... esto?

-Oh, sí, yo mismo.

-Usted.

-Sí.

-Pero si no dirige desde...

-Ya, pero esto es como ir en bici, ¿no?

-Recuerde que no hay mucho presupuesto. Solo pretendemos engañar al público durante un fin de semana.

-Ningún problema. Lo haré barato.

-Al menos no hay acción, eso es verdad.

-No. Solo un perro que muerde a Mulder y una chica que se cae de un edificio. Pero se puede rodar muy de cerca para que no se vea el truco.

-Tampoco es que haya terror.

-Quite, quite. Que a mi es que estas cosas luego no me dejan dormir. Un poco de suspensillo y unos miembros amputados y ya tenemos cubierta la cuota de truculencia.

-Ok. Para acabar, y es algo que me ha chocado a mi.

-Sí.

-¿Cómo puede un cura pedófilo violar a un monaguillo que es como veinte años mayor que él?

-Creer es la clave, señorita.

-Gracias por su tiempo, señor Carter. Le llamaremos el lunes.

-No, el lunes no, que cierro la tienda.

-Pues el martes.

-Sí, mejor. ¿Esto cómo va, me ingresan el dinero ahora o...?

-El martes concretamos.

-Estupendo.

-Buenos días.

-Adiós, guapa.

Cloc.

El Caballero Oscuro, de Christopher Nolan (2008)

2008-07-25T01:06:00.000-07:00

Premiere europea de la última de Batman en Barcelona, cine Coliseum, los primeros en la cola desde las seis y media de la tarde, entrada a las nueve y media y aparición de los actores en el teatro a las once. Para entonces ya no me quedaban piernas, de pequeñitas que son las butacas. Maggie Gyllenhal se pasea como si estuviera drogada en Rivendel, Aaron Eckhart intenta simular que no tiene parentesco con Ben Affleck, Christopher Nolan es consciente que su cara no le suena a nadie y Christian Bale tiene prisa por largarse a zurrar a su madre.

Así que tras dos horas y media de film, al descomprimirme en la calle (ya no tengo extremidades, son archivos winrar), pienso que la peli está bien, pero tampoco es la obra maestra que nos están vendiendo por todos lados. Es más, tiene algún que otro defecto molesto. Y la puntuación en imdb (que por entonces rondaba el 9,7) está hinchadísima, más o menos como mis rodillas. Que sí, que me ha gustado, pero...

La cosa me recuerda al fenómeno Batman de Burton. La peli en si no se parece nada, claro (la he intentado ver esta mañana y no ha aguantado el paso del tiempo), pero lo que ocurre alrededor sí. Ese fue uno de los primeras films de superhéroes como blockbuster (sin contar con el Superman de Donner), y tuvo una repercusión espectacular. Ahora parece que se repite algo de ese esquema.

Han pasado dos días desde que viera el film, y los defectos se han ido amorteciendo para dejar paso a las virtudes. De hecho, mi opinión sobre El caballero oscuro va mejorando por momentos. Me está gustando cada vez más, a medida que pasan las horas. Es una sensación extraña cuando ocurre algo así (porque pasa pocas veces), y no te puedes fiar mucho de ella. Pero algo querrá decir...

El caballero oscuro no es una película de superhéroes. Ni tan siquiera creo que sea una película de héroes, en el sentido clásico. Porque Nolan decide que los héroes están condenados a no serlo. El caballero oscuro es una película de justicieros, en el sentido más amplio del término. Y, lo que es mejor, es una reflexión más profunda de lo que parece sobre la justicia y la fina linea que separa el bien del mal.

Pero prefiero empezar por los errores, que así nos los sacamos de encima y no pensamos más en ellos.

Christopher Nolan no tiene segunda unidad. Lo filma todo. Y Nolan, como ya pudimos comprobar en Batman begins, no sabe rodar acción. Se le atraganta. Las peleas son confusas, y cuesta distinguir a los personajes, o quien dispara a quien; las persecuciones están todas rodadas igual, con esos planos need for speed de coches, motos o lo que sea. Que vale, hay alguna mejora respecto a la anterior, y quizá es algo más nítido. Pero no es Leterrier, por citar un director reciente con elegancia visual en las escenas de acción. Ni el McTiernan de los buenos tiempos, a años luz.

Tampoco ayuda en exceso ese montaje asincopado. Deduzco que han querido meter tantas historias, y profundizar en todas ellas, que la narración se torna esquemática, con escenas brevísimas y escenas en paralelo que no acaban de encajar. Este es quizá el defecto que más me ha chirriado. Claro que de utilizar un montaje más clásico la duración del film podría haber rondado las cuatro horas, y eso sí sería imperdonable.

¿Era necesario abrir tantas líneas argumentales en The Dark Knight, pues?

Yo creo que sí.

La apuesta de Nolan por dar protagonismo a secundarios y villanos, elevándolos a protagonistas junto al hombre murciélago resulta acertada. Asistimos a un ensayo sobre la justícia, sus límites y sus consecuencias, en las múltiples facetas aportadas por Wayne/Batman, el Joker, Harvey Dent (y Dos Caras) o el mismo Lucius Fox. Abandona la temática del miedo que marcó Batman begins y desarrolla la de la culpabilidad del héroe, la responsabilidad y legitimidad de sus acciones. Batman es uno más en este escenario, quizá el germen de la locura de Gotham, quizá el imán que atrae a más como él. Esa reflexión sobre el vigilante es una de las grandes bazas de El Caballero Oscuro. En un momento de la película, Dent afirma algo así como "O mueres como un héroe, o vives el tiempo suficiente como para convertirte en villano".

Así que de golpe, uno se percata que no está viendo una película de superhéroes al uso, como he dicho al principio. El Caballero Oscuro es un thriller épico de justicieros, una magna obra sobre el bien y el mal, un fresco inmenso sobre el orden y el caos y aquellos que luchan en ambos bandos. El Caballero Oscuro está más cerca de Heat que de Spiderman, es más DC Comics (Detective Comics, recordemos) que Marvel. Es más policial que mutante. Es más oscura que optimista. El Caballero Oscuro es El imperio Contraataca de la saga Batman. Nadie está a salvo en ella, nadie, y el pozo de carbonita acecha en cada plano.

Mención especial para el espectacular trabajo a cuatro manos de Hans Zimmer y James Newton Howard, que dotan de personalidad y sutileza cada uno de los temas musicales compuestos para el film. Y la fotografía fría y metálica de Wally Pfister encaja a la perfección (atención a la secuencia en Hong Kong, digna de Misión Imposible, o esas luces blancas en los pisos falsos del edificio Wayne).

En el apartado actoral, y para empezar, decir que Maggie Gyllenhall sale horriblemente fea. Tiene las mejillas como balones de futbol, los ojos descolgados de la cara y las tetas de la niña Medeiros. Y eso que es guapísima, como vi en la premiere. Pero la debe haber maquillado un rinoceronte borracho. Su actuación es correcta, pero demasiado kirstendunizada, para mi gusto.
Aaron Eckhart es actor porque es rubio, tiene la mandíbula cuadrada y es alto. Aquí no lo hace del todo mal, es más, hay momento en que te lo crees, y el personaje de Harvey Dent, como reverso luminoso de Batman está muy logrado. Gary Oldman en su linea impecable, ni una sola pega, así como Morgan Freeman y Michael Caine, absolutamente espléndidos en su papel.

¿Y Christian Bale? Pues el mejor Batman y Bruce Wayne de los posibles. Cuando es el cruzado enmascarado (de Playtex) resuelve su actuación física de forma ejemplar (cuando no es un doble, claro, pero no me doy cuenta de eso), imposta la voz de forma exageradísima (pero adecuada) y esta vez no le baila la máscara por la cara (se la han hecho a medida, por fin!). Como Wayne, no llega al nivel de puterío cínico del Tony Stark de Robert Downey Jr., pero te lo crees a la perfección cuando llega a una fiesta en helicóptero agarrado a tres muchachas bien lozanas. Está impecable, y el personaje le entra como anillo al dedo. El cine entero ovacionó la machada de la moto en la pared.

Pero claro, no nos podíamos olvidar del que desgradaciadamente se ha convertido en el gran protagonista de la función. Heath Ledger, como el Joker, en un papel que será recordado durante años y que le marcará para siempre.

A ver, ¿cómo puedo decirlo?

La primera vez que aparece en pantalla, la gente arrancó en aplausos. En la segunda, el público se calla. En la tercera, estábamos todos angustiados y agarrados a la butaca.

La interpretación de El Joker por Heath Ledger es rotunda, colosal, magnífica. Absorve cada segundo que aparece en plano, y lleva un paso más allá a un personaje conocido por todos. Lo lleva al límite de sus posibilidades. Ledger actua con las tripas, usa cada músculo de su cuerpo para encarnar al archivillano de Batman, inquieta con su presencia y teje un malvado de antología. Sinceramente, la interpretación de Ledger hace que Nicholson parezca un muermo.

Además, el personaje de El Joker tiene la gran fortuna de ir creciéndose a medida que avanza el metraje. Del simple (y expeditivo) atracador de bancos con que abre la película (grandísima escena que define el tono del film, muy Charles Bronson, con un no menos soberbio William Fichtner) al peligro público número uno en que se convierte al final. Esa progresión ascendente hace que nos creamos su evolución. Eso, y el enorme acierto que supone darle un cariz diferente a su biografía. Creédme: este Joker está a la altura de Keyser Söze. El plano secuencia del hospital, con él andando absolutamente desquiciado, se ha quedado gravado en mis retinas.

No espereis ver en El caballero oscuro monstruos de final de pantalla, ni enemigos saltimbanquis, ni superpoderes. Los personajes aquí respiran, sufren, interrogan, luchan y dudan. El caballero oscuro va más allá del simple entretenimiento veraniego, que lo es, y nos plantea cuestiones que debemos responder.

¿Estamos dispuesto a TODO para defender lo que creemos que es justo?

¿Sabeis algo? Mi opinión sobre The Dark Knight realmente va mejorando por momentos.

El increíble Hulk, de Louis Leterrier

2008-06-30T08:06:00.000-07:00

A pesar que disfruté del Hulk de Ang Lee, debo reconocer que es una película que no soporta un segundo visionado. Su introducción se me antoja lenta y aburridilla, el malo es de pena, el conflicto psicológico está sobredimensionado, le falta humor y le sobra el final pirotécnico dadaista.

Como quiera que sea que no soy el único que piensa así, la Marvel ha cogido a su monstruo verde, un actor deluxe como Edward Norton y un director especializado en acción vitamínica y los ha mezclado para remontar la saga pocos años después del relativo fiasco de la Masa de Eric Bana.

Por el trailer me esperaba lo peor, un refrito a lo tekken con guión del mismo guionista que perpretó la infumable Elektra.

Y debo decir que lo único que no me ha gustado de El increíble Hulk de Louis Leterrier son los pelucones que Norton lleva la mayor parte del metraje. ¿Es que no hay buenos peluqueros y maquilladores en Hollywood? ¿qué necesidad existe de ponerle esas tofas en la cabeza? ¿Hay alguna segunda lectura que se me escapa?

Por lo demás, El increíble Hulk es una de las películas de superhéroes más honestas y efectivas que he visto. No se entretiene más de lo necesario en la profundización psicológica jekylhydeana, que es uno de los lastres que suelen tener las pelis de tíos con mallas que quieren ir en serio.

Seamos francos: los que leíamos (y leemos) tebeos de la Marvel y la DC nos gusta verlos en acción. La parte seria está bien, pero no hay que sobredimensionarla. y El increíble Hulk no lo hace.

Además, afortunadamente, se salta el típico proceso de "Cómo llegué a ser un tipo con doble identidad", y no tarda más de tres segundos en condensarlo. A partir de allí, el film se estructura como un blockbuster veraniego por acumulación de escenas de acción.

Y bravo.

Bravo porque Leterrier (discípulo del sobrevalorado Luc Beson) ya había dado muestras de divertirse y divertirnos en medio del jaleo en sus entretenidísimas (y basta) Transporter 1 y 2. Esa escena de pelea de Jason Statham sobre aceite de motor era toda una garantía de buenas maneras. Y en Hulk coge el toro (verde) por los cuernos y nos mete en un tour de force digno de aplauso, lleno de influencias del género (de Michael Bay a Paul Greengrass). Las mejores escenas de acción de este año las encontraremos en El increíble Hulk. Por calidad y por cantidad. Y sobre ellas quizá la que destaca es la de Brasil, con una dirección y un montaje soberbios.

A todo eso le ayuda el tono desenfadado del discurso. Abandona cualquier pretensión de trascendencia e impregna el film del espíritu marvel. No importa que la forma no sea tan aproximada al cómic como en la peli de Ang Lee (con esas viñetas en movimiento), pero en el fondo sí se le acerca más. Y Leterrier sabe qué debe encuadrar y cómo tiene que hacerlo en cada momento.

En El increíble Hulk se introduce el humor más comiquero, igual que con Iron Man. El humor viene con forma de guiños (el por qué de los pantalones anchos, algunos personajes o corporaciones que salen de las páginas de los tebeos) o con situaciones, cameos o diálogos. Diálogos directos y tajantes, como debe ser. Y fluye perfectamente.

Edward Norton está raro. Bien, como siempre, pero raro (y con pelucones). El monstruo verde no me acaba de convencer en su fisonomía, demasiado atractiva. Liv Tyler se ha hecho mayor, sigue guapa pero ya no tiene cintura. Y Tim Roth está inmenso, pasándoselo en grande, disfrutando de cada segundo que aparece en pantalla en uno de esos personajes villanos robaplanos.

Poco más puedo decir. El increíble Hulk no es Fritz Lang. No es Orson Welles. Ya lo sabíamos. Pero es garantía de dos horas de boca abierta y mirada fascinada, de vibrar en la butaca del cine, de disfrutar y no querer bajar de la montaña rusa. Y es la confirmación de la llegada de un nuevo mundo a las salas. El Marvel definitivo. El cómic, por fin, como nos gusta leerlo.

El incidente, de M. Night Shyamalan

2008-06-15T09:59:00.000-07:00

Quizá el máximo error de Shyamalan fue crear esa obra cumbre en el cine de fantasmas de final de siglo que era El sexto sentido. Argumental y cinematográficamente. Quizá porque desde entonces ese es el rasero por el que se miden sus films. Y a pesar de ser una gran película, no es su mejor largometraje.

Shyamalan se ha visto acompañado siempre por la controversia desde entonces. Ya sea porque algunos ven en él un bluff, un copycat de mucho cuidado, o porque otros ven el salvador del género, las opiniones se polarizan y acentúan a medida que va estrenando proyectos, y él se ve atrapado en el dilema de tirar adelante o copiarse a si mismo.

El incidente es su último film tras ese fiasco en taquilla y crítica que fue la (preciosa) La joven del agua.

En mi opinión, Shyamalan es un director tan coherente como irregular. Sus historias siempre intentan abarcar un pequeño nucleo familiar o social para exponer una problemática global, y se sirve de situaciones cotidianas y humorísticas para generar terror, con una cantidad entre aceptable y abusiva de giros de guión. A menudo le funciona y otras veces no. Si soy franco, no soporto El bosque, pero el resto de su filmografía es más que digna, con piezas de culto y lo que podríamos denominar gotas de calidad: pequeños oasis en sus films, escenas resueltas de forma absolutamente ma-gis-tral. A saber, la escena en la estación de tren de El protegido, el momento alien brasileño en Señales (que tiene un homólogo en el momento iPhone del zoo en El incidente), o las apariciones fantasmagóricas de El sexto sentido.

Sabes que, aunque en conjunto el film pueda o no gustarte, siempre hay destellos de alguien que sabe mucho de cine.

No diré que Shyamalan es el renovador del séptimo arte, pero sí que me gusta mucho su forma de narrar, y conecto bastante con el espíritu klaatu barada niktó de sus films, aún a pesar de sus algo obvios mensajes sobre la muerte, el destino, la fe o, en este caso, el ecologismo.

El incidente, de M. Night Shyamalan no es una película redonda. Pero sí es un film notable y, en su género, entra directo a las posiciones privilegiadas de cualquier ránking.

Si hasta hoy el director indio parecía recurrir a su maestro Spielberg en el diseño de los films, parece que en esta ocasión ha cambiado de referentes. The happening es endogámica en lo que a segunda lectura de Señales se refiere. Pero sobretodo remite des del el primer hasta el último plano al Hitchcock de Los pájaros. Incluso se podría aventurar que se trata de un remake de la película de Tippi Hendren sin las gaviotas ni el poblado pesquero, pero con todos los demás ingredientes. La banda sonora de Newton Howard es una constante referencia al bueno de Bernard Herman, y esa primera escena con la chica rubia de pelo recogido en un moño (tan vértigo) haciendo lo que hace (tan y tan vértigo) no deja lugar a dudas.

La amenaza invisible se convierte en el motor de la película, y Shyamalan sabe cómo rodarla. La sensación de paranoia y de búsqueda de explicaciones quizá se vuelve algo reiterativa, porque al director la abstracción es algo que le cuesta (como a tito Steven), pero cuando se trata de rodar algo de forma física es un cabrón con gancho. Sabe mantener el tempo y dosificar la tensión de tal forma que es de los pocos autores actuales capaces de detenerte la respiración. O al menos conmigo le funciona.

No todo es positivo, claro. Dejando a parte los lamentables errores de edición (que se vea el micrófono unas dieciocho veces en pantalla dice bastante poco de la revisión que ha pasado El incidente), lo más clamoroso es un montaje descuidado, que ha cercenado algunas escenas del guión original pero no otras que hacen referencia directa a ellas. Y me explico: hay mucho cabos sueltos que creo tienen más que ver con las tijeras que con la goma de borrar. Es como si Shyamalan hubiera dejado la peli tal como está después del primer montaje, y no la hubiera vuelto a ver, que ya me ha quedado bien y soy un director maldito, que lo que pasa es que no entendeis mi talento.

Así, algunos diálogos forzados, pocos naturales (lo que contradice el espíritu de sus films), o impostados hacen que la parte argumental pierda fuerza. Obviemos la actuación acelgosa de Zooey Deschanel, o que el personaje de la niña es absolutamente prescindible. Eso tanto me da (como me resbala bastante cualquier explicación al fenómeno causante de los suicidios) si la parte más visual del film es tan fuerte como para abstraerme. Y en El incidente lo es.

Sé que a mucha gente los planos de los árboles, la hojarasca o los hierbajos al viento le podrá resultar ridículo o hasta cómico. No hay monstruos en El incidente. No hay naves espaciales. No hay NADA VISIBLE que ataque a los protagonistas. Pero hay ataque. Y hay persecución y huida, y Shyamalan lo filma como pocos. Sin efectos especiales ni grandes alardes, incluso más contenido que de costumbre en sus habituales filigranas y ángulos de cámara, el director aborda una historia mínima y le impregna tensión, ayudado por unos correctos Mark Walhberg i John Leguizamo. Y se vuelve valiente, porque muchas de las decisiones que toma aquí hubieran sido impensables anteriormente en su filmografía. Me refiero sobretodo a la escena de la cabaña cerrada, otro tipo de enemigo invisible. Lástima que abuse del recurso a los informativos televisivos o la comunicación vía nuevas tecnologías, o que inserte fragmentos de personajes ajenos a los protagonistas (los paramilitares, las abuelitas con máscaras de gas) que hacen flaquear el punto de vista utilizado en casi todo el metraje.

Dejo para el final lo más importante. Aquello por lo que vale la pena pagar la entrada y sentarse en el cine a disfrutar (y sufrir) El incidente. La mejor colección de escenas de fantastique de las últimas décadas: los suicidios. Los hay, y muchos, y todos planificados de formas distintas. Y todos ejecutados de forma brillante. Los operarios lanzándose al vacío, la pistola pasando de mano a mano entre las piernas tipo ultracuerpo de Kaufman, el cortador de césped, los disparos en off tras la colina o, sobretodo, las escaleras en los árboles. Son lo más terrorífico que he visto en mucho tiempo, y que hacen albergar esperanzas en M. Night Shyamalan. Alguien que sabe mucho de cine, le pese a quien le pese.

Dos últimos detalles para finalizar:

Los protagonistas, al abandonar una casa piloto, pasan por debajo de un cartel de una immobiliaria, que reza "You deserve this". Os lo mereceis.

Y quien os diga que Shyamalan no aparece en esta película, no se ha quedado a leer los créditos. Es un personaje protagonista. Fijaos. Si es que el tío se gusta. Pero me da igual mientras siga haciendo pelis así.

La niebla de Stephen King, de Frank Darabont

2008-06-01T12:00:00.000-07:00

Un grupo de personas quedan confinadas en un pequeño espacio y deben afrontar una amenaza externa que les supera. La comunidad se quebrará y todos deberán posicionarse.

Llamadlo como querais: homo hominis lupus o La noche de los muertos vivientes; Río Bravo o Perdidos.

El caso es que La niebla de Stephen King no ha inventado nada, no aporta nada y en un par de semanas no recordaré nada.

¿Es eso malo? No necesariamente.

La niebla de SK es una peliculilla de serie B entretenida, hecha con una factura deliberadamente pulp, construida a base de arquetipos que siempre han funcionado y estructurada de forma clásica. Incluso el final es más consecuente con la tradición cinematográfica de donde bebe (fijaos en ese póster de La Cosa con el que se abre el film) que con la coherencia interna de la narración. Y eso se debe a la aparición de todo tipo de personajes planos y previsibles, piezas de puzzles que ya hemos reconstruido miles de veces, sin más profundidad que el supermercado donde se refugian durante el acto más largo de la función. La niebla de SK solo acierta donde fallaba La guerra de los mundos de Spielberg.

Thomas Janes demuestra una vez más su ineptitud para la actuación, como lo hacían los galanes de la época dorada del terror de la Universal, y Marcia Gay Harden se lo pasa pipa con un personaje revolucionadísimo que en otro film no hubiera durado más de un par de planos antes de ser tiroteada.

La niebla de SK se ve en un plis plas, no molesta, es incluso a veces estimulante, pero es una lovecraftiana peli de videoclub más con algunos aciertos (la fotografia de la niebla es espléndida) y muchos fallos, en la que Frank Darabont resulta irreconocible. No así Stephen King, cuyo mensaje apocalíptico ya me aburre desde hace décadas.

Otras lecturas:

El guión de Frank Darabont para Indy (Indiana Jones and the City of Gods) fue repudiado por Lucas cuando Spielberg y Ford ya habían dado el visto bueno. Por lo visto, Lucas quería más bichejos, como terminó imponiendo. Monstruitos como los que asedian a los mundanos clientes del supermercado, que parecen recién salidos de La amenaza fantasma (incluso creo que uno era el dueño de Anakin). ¿Metáfora? ¿Suspicacia? ¿Paranoia?

Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal, de Steven Spielberg

2008-05-22T16:42:00.001-07:00

¿O es de George Lucas...?

Seleccionad después de los asteriscos para leer los spoilers:

Salgo del cine y voy al baño, dándole vueltas a lo que acabo de ver: la cuarta entrega de Indiana Jones, después de prácticamente 20 años de la última. Intento convencerme que hay cosas positivas. Que no está tan mal, que yo tenía demasiadas expectativas y que eso nunca es bueno. En los aseos hay tres freaks de mi generación, que planean montar un comando para asaltar el rancho Skywalker e ingresar a Lucas y Spielberg en un geriátrico, antes que perpreten más daño. Definitivamente, creo que mi opinión va a ir a peor a medida que pasen las horas.

No creo que sea justo dilatar una espera 20 años para esto. Recuerdo haber visto el Templo Maldito en el Palacio Balaña de chiquitillo, y La última cruzada en una sala de Gracia que creo que ya no existe. Ha caído mucho cine desde entonces, y cada poco se oían rumores de una nueva entrega de Indiana. Está muy viejo, decían los detractores hace ya 15 años. Náh, Indy aguanta el tipo, defendía yo.

En estos años incluso publiqué una novela en homenaje al arqueólogo, Montecristo, ¡en la que salía hasta Bellocq!

Me pregunto cómo sería el guión de Darabont que Lucas rechazó después que Ford y Spielberg dieran el vistobueno. Se rumorea que hay algunos elementos de él en el film, pero que incluía nazis escondidos en el amazonas y un macguffin diferente. Por lo visto, Lucas quería otra excusa argumental, que es la que al fin se ha plasmado en la pantalla.

Creo que de Darabont queda el inicio. Ese primer episodio que nos mete de lleno en la guerra fría y la conspiranoia; ese pasado de Indy como héroe de guerra, ese ambiente agitado y febril que vibra con el rock'n roll (*)Con la salvedad de los topos. ¿tienen algún significado freudiano? Eso sí, el inicio, con los títulos de crédito propios de la serie, y ese arranque en plan American Graffitti, es soberbio. . Sí, creo que de Darabont debe quedar ese fragmento que, aún siendo deliberadamente pulp, autoreferencial y paródico, es divertido. Te reencuentras con un viejo amigo, y le han pasado muchas cosas, pero hay otras que siguen igual. Y disfrutas al reconocerle. Sí, de Darabont queda eso, me imagino. Hay un pequeño homenaje a Connery y tres a Denholm Elliott, y hay escenas de acción marca de la casa (*)La de la moto por la facultad está muy bien rodada, así como se agradecen las continuas referencias a la caza de brujas y demás..

Pero algunos tornillos del engranaje empiezan a fallar.

Indiana Jones nunca ha sido realista, ni lo ha pretendido, pero sí creo que ha intentado suponer un entretenimiento adulto que tambien pueden disfrutar los niños. En los primeros pasos de La Calavera de Cristal hay algunas salidas de tono impropias de la serie. Vale, el universo Indy ha cambiado, ahora es más cómic y más serie B, y Spielberg exige fe. Pero yo puedo mantener mi fe en el Grial, en el caballero inmortal, en el templo subterráneo de lava en la India o en el poder del Arca. No puedo mantener mi fe en la hipérbole porque sí, porque hasta ahora el mundo del professor Jones no había sido así. (*)Si Jack Bauer se mete en una nevera y sale despedido a dos millas de distancia por el efecto de una explosión nuclear, me lo creo. Indy lo siento pero no. Por muy bien rodado que esté, que lo está, y por mucho que tenga uno de los planos más hermosos de la saga, con la silueta de Indy recortada contra la seta nuclear.

Y aquí es donde supongo que aparece Lucas y mete droja en el colacao de Spielberg, porque la película pasa a ser mediocre. Entretenida, sí, pero completamente indigna de la trilogía original. Otra amenaza fantasma.

El argumento del film pasa a ser una sucesión de eventos más o menos interesantes, pero sin ningún tipo de coherencia interna en el relato. El guión está lleno de lagunas inexplicables y escenas de acción que no se entienden (*)¿Quienes son esos saltimbanquis del cementerio?, y el MacGuffin resulta hasta ofensivo.

Observemos: El Arca, mayestática, omnipotente, perfecta. Las piedras de Shankara, peligrosas, misteriosas, místicas. El Grial, el sueño de todo hombre. La calavera de cristal, un melón enorme de metacrilato que se venderá a 39,95$ en el Toys'r'us.

Al término del film: ¿alguien puede explicarme exactamente para qué sirve la calavera de cristal?

Si ni siquiera tiene melodía propia. Todos recordamos la melodía del grial, la del arca o la del templo. No he encontrado la del melón...

Pero eso no es lo peor.

Puedo aceptar que TODO se haya rodado en interiores, y que la selva amazónica sea tan real como un pesebre, si me lo venden como un tipo de rodaje de serie B que ya no se estila (y será por algo). Lo aceptaré, aunque lo discutiré: las otras tres tenían exteriores impresionantes y por eso nos gustaban, aquí todo sabe a Chuck Norris en En busca del templo del oro. De hecho, pensándolo ahora, el argumento es prácticamente el mismo. Lo que no puedo aceptar es tal cantidad de despropósitos en todo el fragmento de la jungla (*)Aquí debería contenerme, porque puedo pasarme días escribiendo sobre las tonterías en el amazonas. El tarzaneo de Shia LaBeouf junto a un puñado de monos (sic), Marion e Indy discutiendo como niñatos, las autopistas del Bosque, todo llano y recto y sin peajes, que conducen a las tres cascadas.. La historia pierde toda credibilidad porque lo que ocurre es absurdo y tonto, más propio de Tex Avery que de Indiana Jones, y como espectador me siento dolido (*)Marion lanzando el coche por un barranco para aterrizar sobre la copa de un árbol y descender al río..

Estaría dispuesto a hacer la vista gorda a todo esto si Spielberg se hubiera dignado a incluir el elemento mágico de la trilogía: intensidad emocional.

Siempre habíamos viajado con Indy porque sufríamos con él, amábamos con él y nos traicionaban como a él. Era tan humano como nosotros. Ese final de la cruzada, cuando su padre le convence para que deje el cáliz, o cuando en el barco del arca perdida se queda dormido mientras Marion le besa. Incluso la despedida a la austríaca de la doctora Schneider nos llegaba al corazón.

Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal está vacía. Ninguno de los personajes tiene la más mínima química entre si, porque no son humanos. Son píxels de un videojuego que saltan de aquí para allá con cuatro lineas de diálogo en medio. Casi todas las frases son o innecesarias o ininteligibles, y no hay el menor atisbo de inteligencia en ellas. Los personajes nos dan igual. Y eso duele, porque Indiana Jones no nos da igual.

De hecho, incluso odiamos un poquito a Marion porque da grimilla verla dando gritos por la selva (que ya no tiene edad, señora). Y a Indy le daríamos un cachete para que espabilara y dejara de pasear.

En busca del cuentapasos perdido sería uno de los títulos para rebautizar este insulto cinematográfico. Indiana solo anda y anda y anda y se dedica a dar sermoncillos, pero de acción más bien poca (y la poca que hay, achacosa). Se comporta como el Henry Jones de Connery. Pero no queremos ver eso. Ya tuvimos un Henry Jones, ¡no queremos que Indiana sea igual! Creo que a Ford a veces le da hasta igual la película. Que se limita a cobrar y punto (*)Ahí está la escena en la que presuntamente es torturado a mirar el melón de metacrilato (lo que dice mucho también sobre lo que piensan los responsables del film sobre este engendro). Su cara es la de un tío al que le suda actuar.
.

No hay emoción, como tampoco hay suspense. Los espectadores vamos muy por delante de los personajes. Tanto, que estos acaban pareciendo tontos. Hay escenas de vergüenza ajena. Irina Spalko, la villana, es ridícula (*)Cuando comparan la sombra del cráneo con las pinturas del templo de Chuck Norris y dicen oh, son iguales. ¡Claro! ¿Qué esperabais? ¿Para qué vais, sino? Y dicen que Spalko es científica, pero yo solo la veo dar órdenes en traje de mecánico y con una espada (que ya es algo más que ver a LaBeouf llorar cada dos por tres). O eso de las tres cascadas que vaticina el profesor Oxley (uno de los personajes más fraude de la saga, del que no sabíamos nada hasta hoy y ahora resulta que era el tutor de Indy, como si Abner no hubiera existido): son las cascadas menos emocionantes de la historia de las cascadas; ideadas para su próxima construcción en un parque de atracciones. Y la dirección de Spielberg es sosa y anónima, sin su sello. Ni el de Williams, que firma una de las composiciones más aburridas en años. Y no hablemos de Kamisnki, que sí o sí quería sobreexponer la iluminación.

Y la película termina en lo que nunca debió. Spielberg falta a su palabra (y de forma tan clamorosa que incluso podría ser denunciable) y llena de efectos digitales la pantalla. Indy se convierte en un remedo de La momia (que a su vez era una copia rebajada en agua del arqueólogo), y el espectáculo happy meal patea el culo de los que crecimos y amamos esta serie (*)La parte de El Dorado es tan burda, tan incoherente y estúpida... Los apocalyptos son de un relleno espantoso, y duran cuatro minutos en pantalla (creo haber visto a Darth Maul entre ellos). La entrada al templo es cutre, y no tiene sentido que tengan que abrirlo a porrazos, o que se les escondan los peldaños. ¿por qué? ¿por qué? ¿por qué?. Y la mano de Lucas es alargada y putrefacta y destroza el universo Jones con sus masturbaciones megalomaníacas (*) No se conforma con negarnos a Abner Ravenwood. Tenía que meter naves espaciales y extraterrestres con síndrome de Diógenes. Lo que nos lleva a plantear: si tan listos y poderosos son los aliens, ¿cómo dejaron que un español analfabeto con armadura les arrancara la cabeza hace quinientos años? ¿qué sentido tiene ir a buscar a otro ET en el área 51, si luego no sirve para nada? ¿estará la mamá del pequeño Haley Joel Osment en El Dorado? ¿Y Richard Dreyfuss?

.

Como un servidor de ustedes ya estaba pálido, prácticamente no he prestado atención al cierre de la saga (me refiero a Cocoon, porque el final es de Cocoon, y porque la de Indy y allegados parece que tiene cuerda para rato, mientras se puedan vender muñecos y videojuegos).

Y decían que el templo maldito era mala, dice uno de los freaks del baño de los cines.

No os imaginais lo que me duele escribir estas lineas.

Iron Man, de Jon Favreau

2008-05-19T02:09:00.001-07:00

Nunca he leído un cómic de Iron Man y desconozco la mitología del héroe. Así que, esta vez, seré breve:

Puntos negativos:

-Pocas escenas de acción (solo dos set-pieces).
-Sensación de dejà-vu en esas dos escenas. Lo que nos enseña no es novedoso, ya lo hemos visto mil millones de veces. La pelea final es una de las menos innovadoras de las pelis de superhéroes.
-Gwyneth Paltrow no sabe correr.
-Argumento lineal y simplón.

Puntos positivos:

-Robert Downey Jr.
-Es entretenida.
-Es divertida.
-Robert Downey Jr.
-Tiene gags propios del slapstick (ese aprendizaje).
-Jeff Bridges es un buen villano.
-El diseño de la armadura es soberbio.
-Está plagada de guiños freakies.
-Robert Downey Jr.
-Tony Stark es un héroe atípico en la Marvel: adulto, consciente de sus poderes y egocéntrico, el reverso fiestero del Bruce Wayne de DC.
-La escena del combate con los cazas.
-El sentido del humor más simple (el robot extintor) y el más cómplice (Potts sacando la basura).
-Robert Downey Jr.
-La elegante dirección de Favreau (que siempre sabe donde colocar la cámara).
-El whiskey en medio del desierto.
-El tono gamberro y socarrón que impera en todo el metraje.
-Robert Downey Jr.
-La posibilidad de una segunda parte mucho más espectacular.
-Robert Downey Jr.
-Robert Downey Jr.
-Robert Downey Jr.

Coming soon: Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal Trailer #2

2008-05-05T06:42:00.000-07:00

La espera está terminando y los trailers ya son reveladores (ojo a la aparición de Hurt como Abner...). No me quedan uñas.

Coming soon: Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal Tv spot #2

2008-05-01T11:20:00.000-07:00

There Will Be Blood, de Paul Thomas Anderson

2008-03-20T03:41:00.000-07:00

A pesar de tener ribetes de Kubrick, Welles y, sobretodo, Malick, Pozos de Ambición no es la obra maestra que muchos tienden a encumbrar. Es una buena película, una gran película, pero le falta la capacidad de emocionar.

Pozos de Ambición, eso sí, es la mejor película sobre vampiros de lo que llevamos de siglo XXI.

Encauzada por el género americana, este tipo de películas rio que beben de Steinbeck sobre la reciente historia de Estados Unidos, el film de Anderson nos cuenta el devenir de un vampiro y su condena a la soledad.

Daniel Plainview pacta con el diablo en el inicio de la narración. Solo, excavando el desierto, adentrándose en el infierno, mezcla su sangre con el petróleo como un doctor Fausto. Quince minutos de puro cine mudo. Imágenes, imágenes, imágenes. Poderoso. En cierta manera, muere para renacer. El premio: dinero, carisma, poder infinito. El precio: su alma, que pertenecerá al diablo negro, y nadie más. La soledad.

Paul Thomas Anderson se toma un tempo lento para explicarnos el devenir de Plainview. Deja reposar las imágenes, les da fuerza, consistencia, avanza en el tiempo a zancadas pero luego descansa en ciertos momentos clave. Se contiene y consigue emular a los grandes directores citados al inicio, pero se olvida de insuflar calor en la historia. La extraña banda sonora, arrítmica, disonante, kubrickiana, no contribuye a submergir al espectador, sino a ahuyentarlo, a eliminar cualquier sentimiento de empatía.

Quizá era eso lo que quería. Quizá quería que odiáramos al personaje intepretado por Daniel Day-Lewis, pero tampoco somos capaces de sentir odio por el zapatero florentino, porque su interpretación solo causa admiración. De acuerdo, es de los pocos que aun creen que deben convertirse en el personaje, en lugar de actuar, pero es que Day-Lewis regala un trabajo total, de cuerpo y mente, abstraido por su vampírico carácter.

Plainview está condenado a estar solo. Lo conseguirá todo, hará lo que se proponga, pero a costa de chuparle la sangre, las energías, la estima, la vida, a todo aquel que le rodee. Cuando adopte un niño (con fines comerciales, en un inicio), todo irá de perlas. Pero cuando el crío se convierta en algo más que negocio (esos flashbacks del padre y el chaval jugando), aparecerá el diablo para castigarle. Saldrá del infierno, convertido en bola de fuego, en una de las escenas más poderosas de los últimos años (con contraluces demoníacos), y le castigará con la incomunicación. Le quitará la capacidad de entenderse con el hijo, y lo apartará de él.

Como todo buen vampiro, Plainview encontrará en la iglesia a su némesis. En este caso, un predicador de tres al cuarto que aspira a todo lo que el petrolero tiene, y que tendrá una vida paralela sin los beneficios del pacto con el diablo. Su enfrentamiento será unos de los motores de Pozos de Ambición, y después de una larga desaparición, culminará el film con un duelo personal en el que afloraran todas las mentiras, miedos y desdenes. El predicador, interpretado por el clon de Leo Messi, es una robaplanos de cuidado, y habrá que seguir su carrera con interés. Lástima que la sombra de Day-Lewis sea tan alargada y opaca.

Vampiro sanguineo (por la metáfora del petróleo, y como lo succiona allí donde va) y emocional, Plainview se aprovechará de todo aquel que le rodee para luego apartarse (es la del hermano quizá una de los mejores cuentos que presenta There Will Be Blood).

Pozos de Ambición está contada con crueldad, es descarnada y poética a la vez, y termina en un final rompedor con esa dinámica. Se quiebra la contención de Anderson y la de Day-Lewis (que aquí se le va la mano y sobreactua como en sus buenos tiempos), y se cambia el naturalismo mostrado hasta el momento por un grandguiñolesco epílogo ambientado en la mansión, que bien pudiera ser del Conde Drácula, pero que acaba siendo del pobre millonario desgraciado y solo Daniel Plainview.

O léase Charles Foster Kane,
O Max Bercovickz,
O señor Burns.

Cloverfield, de Matt Reeves

2008-02-03T09:04:00.000-08:00

Cualquiera que lea El diario de Ana Frank sentirá en sus propias carnes los horrores del nazismo, a través de la mirada de la niña holandesa. Ana Frank relata como entran las tropas de Hitler en Amsterdam y como ella y su família se ven sometidas a un encierro indefinido, que acaba con su captura.

Que yo sepa, todas las traducciones que existen de la historia de Frank están editadas y encuadernadas al estilo Gutenberg. Que yo sepa, no exiten versiones escritas a mano, con borrones, rectificaciones, palabras initeligibles y frases temblororsas por los nervios.

Y a pesar de esto, el texto es estremecedor.

Sirva esta introducción a modo de defecación sobre la mal llamada generación youtube. Por alguna extraña razón, alguna mente pensante ha decidido trasladar el nuevo lenguaje cibernético a la gran pantalla, con la excusa que los chavales de hoy (sic) están acostumbrados a un contacto con la ficción diferente a las generaciones anteriores, via youtube y sucedáneos. Mentira. Los videos del famoso portal duran a lo sumo 10 minutos, y la mayoría no pasan del minuto y medio, por lo que aplicar su estructura a un largometraje se debe hacer aplicando puentes entre el lenguaje de la gran pantalla y el del streaming. El camino a seguir, por ejemplo, es el de la ejemplar Redacted, de Brian de Palma, que sí comprendre la multidisciplinariedad de los medios para transmitirnos información. Por contra, tenemos el cine basado en las faltas de ortografía de la telefonía mobil (xk no t kyas?), entre los que encontramos la reciente REC y la película que nos atañe hoy: Cloverfield.

Bien, seré franco, todo este rollazo es más bien de relleno. No puedo hacer una crítica completa del film porque me he perdido lo que creo que debe ser la mejor parte. He aguantado cincuenta minutos antes de abandonar la sala completamente mareado, en este episodio alargado de Felicity meets Godzilla. Con los zombies de Balagueró ya tuve suficiente, pero con el monstruo de Abrams he decidido claudicar. Mal que me pese (quería ver el final), no me estaban contando nada nuevo, y si lo más innovador es el rodaje subjetivo que me estaba dejando sopa, pues va a ser que no me gustará mucho. Y reivindico aquí mi devoción por JJ Abramas como gran reciclador de ideas, ojo.

Steven Spielberg hizo no hace mucho su particular versión de La Guerra de los Mundos, que supera, y en mucho, la presente Cloverfield, con algunos parámetros similares. En aquella, la acción empezaba en el minuto dos, mientras que aquí esperamos al menos veinte interminables minutos para que nos cuenten algo interesante. Allí los personajes se debatían entre luchar o huir, aquí convierten a Dawson Crece en Shakespeare. En aquella también se veía la invasión desde el único punto de vista de la familia protagonista, pero con una claridad expositiva y una planificación dignas de un maestro; en ésta el punto de vista es también único, pero confuso y (repito) mareante. Hay planos em las dos películas que recuerdan enormemente a las escenas de terror vividas tras los atentados a las torres gemelas. Cloverfield los desaprovecha todos, malgasta ideas visuales buenas en un pulso digno del doctor James Parkinson.

Cloverfield (que aquí han traducido como Monstruoso, título que me niego a utilizar, por vergüenza ajena) carece de personajes con un mínimo de carisma. Me da igual lo que les pase a Ross, Monica, Rachel, Chandler (solo se salva algun plano del escote de Lisa de Salvados por la campana) en su huida/pánico/rescate en NY. Llamadme clásico, pero Snake el Serpiente no se comportaría así. El factor Abrams (ese mezclar las historias personales con acontecimientos épicos que les sobrepasan) aquí se diluye en unos arquetipos pobres, de guapos niños ricos de Manhattan, a los que ni siquiera deseas la muerte como en cualquier buen slasher porque te dan igual.

Que no todo es malo en Cloverfield, porque hay algún truquillo narrativo que me ha sorprendido muy gratamente, como la forma de introducir flashbacks en medio de la gravación, muy original. Pero todo eso se ve entorpecido cuando desde el minuto uno el cámara se dedica a filmar unos Crunch, Kit Kat y M&Ms abriendo y cerrando plano, desenfocado el objetivo y tirando de zoom de tal forma que haría vomitar a Valerio Lazarov. ¡Que también hay gente amateur que sabe encuadrar, joder, y pueden protagonizar una película como esta mucho mejor!

Esta es mi opinión de la película hasta el momento en que los militares atacan al monstruo y se ve el rostro del bicho por primera vez (buen diseño de producción, eso sí, no como la tonta The Host). No puedo decir nada más allá. En ese momento hemos salido de la sala, y otra pareja nos ha seguido (como los que se esperan a que alguien termine el examen para entregar el suyo, porque les da vergüenza ser los primeros). Luego en el párquing nos ha saludado la pareja que había hecho cola con nosotros para entrar en la sala, a los que no conocemos, en un gesto de complicidad entre estómagos revueltos.

Esperaré a que salga en DVD y pasaré directamente a las escenas de fx, que es lo único que me llama la atención.

Dicen que con un coste de solo 25 millones, está lejos de ser una superproducción. ¿Tan caros van los trípodes en USA?

Parón cartelero

2008-01-29T02:37:00.000-08:00

No es desídia, caballeros, es una alarmante bajón en la calidad de la cartelera lo que mantiene parado este humilde servidor de ustedes.
Manténgase atentos, este año nos traerá a Batman y a Indiana, pero hasta entonces parece que el páramo cinematográfico es inmenso.

PS. No es país para viejos es de lo mejor que se ha hecho en meses, pero esperaré a disfrutarla en el cine y como la he visto de estraperlo para poder hacer un comentario más justo.

2007 Review

2007-12-25T03:38:00.000-08:00

Películas que se fueron sin reseñar en el año 2007.

La Jungla 4.0 O Bruce Willis interpreta al primo de Jack Bauer. Muy entretenida, con guiños a las anteriores, pero una versión demasiado Happy Meal de John McLane.

28 semanas después. El niño protagonista lleva una camiseta del Madrid, y la cámara a menudo se mueve demasiado. Todo lo demás, una peli de zombies impecable.

Ratatouille. La menos infantil de las películas de Pixar. Magistral a todos los niveles: técnico, narrativo y emocional.

Sunshine. Horizonte Final + 2001, una odisea en el espacio. Serie B con algunos logros pero demasiada sensación de dèja vú.

El ultimátum de Bourne. A pesar de ciertos momentos biodramina, una de las mejores (si no la mejor) película de acción del 2007. Greengrass consigue escenas absolutamente demoledoras como la tensión fantasmal de la estación de Waterloo o la adrenalina disparada en la persecución por los terrados de Marrakesh.

La matanza de Texas. El origen. Película de horror, por lo horrorosa que es.

Halloween. El origen. Rob Zombie pierde parte de su personalidad en un remake tan innecesario como redundante. Primera media hora más o menos curiosa, para un tramo final repetitivo.

La zona. Muy interesante reflexión sobre la semilla dels fascismo.

Arma fatal. La comedia más divertida de 2007. Implacable la media hora final.

Los Simpson. O cómo bostezar durante una hora y media. No me vale ni el Spidercerdo.

1408. Entretenida serie B que no aporta nada nuevo ni falta que le hace. Necesaria para oxigenar.

Tristam Shandy. La rara avis del presente año. Mi Winterbottom favorito. Británica hasta la náusea. Imprescindible.

El libro negro. Peli de nazis a la antigua usanza. Verhoeven en plena forma. Grande.

Y aquí mi recomendación para estas fechas, la película navideña perfecta: ¡Qué duro es morir!

Soy Leyenda, de Francis Lawrence

2007-12-21T06:38:00.000-08:00

Tener buena caligrafía no te hace buen escritor. Ese es el axioma que debería aplicársele a Francis Lawrence, en su segundo largometraje.

Francis Lawrence demuestra tener buen pulso narrativo, capacidad para crear tensión e imaginación desbordante para desarrollar atmósferas, pero por el camino se deja lo más importante: la esencia.

Constantine, la adaptación del comic Hellblazer, es una película inquietante y bien contada, pero que desposee el personaje de Gaiman de toda su naturaleza marginal. Soy Leyenda es un cuento bien explicado, que destruye el principal valor de la base literaria de Matheson: no hay debate sobre lo bueno y lo malo, lo monstruoso y lo colectivo.

¿Que queda en Soy Leyenda, pues? Un film con tantos aciertos como defectos.

En el capítulo de fallos encontramos:

Falta de respeto por la obra original. Hasta el extremo que ni siquiera el título llega a cuadrar con lo que explica la película. En la novela, Neville es leyenda para los vampiros; en la película, para los humanos.

Maldita extinción, ya no tengo comentarios en el blog.

Demasiado ordenador. He leído por ahí que Lawrence empezó a rodar usando a humanos con prostéticos , pero que los cambió por criaturas generadas por computadora porque no le parecían convincentes. El resultado es deplorable. No solo se notan los efectos digitales (lo que a día de hoy se considera pecado), sino que la concepción vampírica es de pena: gollums calvos de metro ochenta con ropas rasgadas, saltimbanquis silenciosos a medio camino entre zombies y los robots de Yo, Robot (a todas luces, muy superior a esta, aunque también se desviara lo suyo de Asimov). Odio realizar comparaciones entre cine y literatura, porque considero que son dos artes que pueden aportar perspectivas diferentes a una misma historia, pero es una lástima que destrozaran el planteamiento de Matheson de mantener cierto grado de humanidad en los vampiros (Ben Cortman llamando a la puerta de Neville, noche tras noche), para convertirlos en figuras anónimas que obedecen a un vampiro macarra de mandíbulas gigantescas, que solo gruñe y se golpea la cabeza con cristales.

El final. Aproximadamente desde la aparición del Deus Ex Machina. No lo revelaré, pero indigna.

En el de puntos positivos:
Una primera hora magistral, que recuerda a Náufrago de Zemeckis, con Will Smith en plan Hanks en medio de Nueva York. Los planos muy abiertos, la sensación de soledad, la caza de los ciervos desde el coche, los maniquíes vestidos por las calles. El guión de Akiva Goldsman recoge ideas de la kitsch Omega Man y Lawrence las mejora. Hay tensión bien mantenida, se perfila el personaje de Neville con claridad y acojona en pasajes como el primer encuentro con los vampiros. Esa escena en el edificio oscuro en busca del perro recuerda a REC, pero mucho más terrorífica.

Maldito correo comercial, cada vez más violentos llamando a la puerta.

El mensaje en la botella. Me llamo Robert Neville...

Will Smith. Que pese a quien le pese, es un tipo que no solo me cae bien sino que me gusta como actor. Aquí es capaz de aguantar el tipo en la parte del metraje en la que aparece solo. Quizá su papel recuerda demasiado al de Yo, Robot (quizá no, quizá con el tiempo no sabré distinguir un film del otro, y mezclaré un Nueva York devastado por vampiros robotizados que visten Nike y conducen Audis mientras se conectan con el Apple), pero su trabajo se sustenta tanto en el carisma como en la interpretación, y en Soy Leyenda cumple de sobras.

La relación con Sam. Que es una perra mucho más humana que el señor Wilson (recordad aquella pelota con ojas de palmera como pelos), y que humaniza el primer tramo del film, incluyendo escenas como la del baño con música de Bob Marley o el ataque de los perros vampiro.

Y en el apartado de cosas que no sé si me han gustado o no: ¿Por qué los vampiros a veces son mortalmente silenciosos y a veces parecen ratas chillando en un microondas?

Tambien es posible que mi opinión se vea influenciada por el ambiente próximo a la misantropía que despedía la sala de cine. Eruptos con olorcillo a chorizo, palomitas extracrujientes, audiocomentarios simultáneos de tres o cuatro personas en cada escena, pataditas en el respaldo, politonos de teléfono móbil, meneo de cubitos y sorber de pajitas, entre otras lindezas, fueron los responsables que me pasara toda la proyección dudando si el virus que ha convertido la población mundial en bestias de encefalograma plano que berrean y se mueven en manada no se había extendido ya.